Charlie Haden, Paul Motian & Geri Allen: "Etudes"

Portada del disco

Dos mitos del jazz junto a una joven promesa, el contrabajista Charlie Haden que es como esos vinos buenos que con el tiempo mejoran, famoso por compartir música con Ornette Coleman, hoy Haden (1937) está en su mejor momento reivindicando el lugar que le corresponde por su trayectoria, por otro lado, el recientemente fallecido Paul Motian (1931-2011) quien hizo lo mismo con su batería al lado de Bill Evans. Dos veteranos reconocidos del jazz que aúnan esfuerzos para arropar a Geri Allen (1957), ellos ya habían triunfado cuando ella aún no había visto las teclas de un piano, pero la diferencia generacional nunca ha sido un obstáculo en el arte y en la música en particular, así "Etudes" se convierte en la primera colaboración de este trío y sin duda alguna su mejor grabación de estudio, el disco se graba en septiembre de 1987 en NYC y cuenta con nueve temas que rezuman la experiencia de una increíble base rítmica, tocada con lirismo, con cariño, contrabajo y batería unen la experiencia de años de manera tranquila, sosegada, reposada, cálida como arropando con su experiencia a la joven promesa que sobre el blanco y negro del teclado de su piano toca resuelta, consciente de su responsabilidad, decidida, cogiendo la alternativa que se le ofrece y que resuelve de manera magistral.
El disco ya convertido en un clásico, fue innovador en el sentido que cuando se grabó había mucho trío y pianista en particular tocando standars del jazz, Geri Allen nos abrió nuevos caminos, cosa que apreciamos nada más escuchar "Lonely Woman" tema que abre la grabación donde Allen nos obsequia con un refinamiento que para nada denota estar inhibida ante la presencia de dos dioses del Olympo, toca con gusto, elegancia, convicción y mucha sensibilidad, incluso con cierto aire "Monk", el resto de composiciones se lo reparten entre los tres, dando como resultado global un álbum sin artificios, sin adornos innecesarios, un disco tranquilo, sencillo y con tintes azulados.

de 5>10 mi valoración es: 7

Wayne Shorter: "Speak No Evil"

Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter

Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.

De 5>10 mi valoración es: 10

MJT + 3: Make Everybody Happy

Caratula del disco

MJT + 3 o el Modern Jazz two + 3, es un grupo hard bop reunidos a iniciativa del batería Walter Perkins, quien realizó trabajos con Lester Young, Coleman Hawkins, Ben Webster o Sonny Rollins, entre otros, tenía una idea fija en su cabeza, era la creación de su propia banda, así en 1957 forma la MJT + 3 logrando sobrevivir como grupo hasta el año 1962, Perkins había alimentado durante años el sueño de poder mantener el quinteto trabajando por todo Estados Unidos y no solamente como un "grupo local" de Chicago, finalmente su tesón fue recompensado y el grupo fue reconocido no sólo en EE.UU. sino que su reputación traspasó sus fronteras, formando parte de la historia del jazz. El vinilo "Make Everybody Happy" se graba en 1960 en NYC para la Vee Jay Récords, en total graban tres discos para esta discográfica, siendo éste el segundo, habiendo alcanzado los mismos bastante popularidad. El grupo está formado por el saxo alto Frank Strozier, en la trompeta Willie Thomas, Harold Mabern con el piano, en el contrabajo Bob Cranshaw y el fundador Walter Perkins a la batería. Presentan un estilo hard bop, consistente, compacto, donde saxo y batería tienen un fuerte protagonismo, pero a la vez se les percibe como grupo bien armonizado. Frank Strozier es el músico más destacado, su saxo suena entre el sonido atropellado de Jackie McLean y la elegancia de Art Peppers. Saxo y trompeta hacen frente común estableciendo una linea de vientos muy interesante.
El álbum lo componen un total de siete temas y unos 46 minutos de música bien elaborada, bien compactada, tienen un sonido genuino, original que enseguida se les reconoce. Adquirí este Lp a principios de los 80´s y desde entonces ha sido uno de los favoritos de mi biblioteca musical. Tan corta vida, cinco años no dan mucho de sí, pero esta grabación "Make Everybody Happy" es un trabajo que por interesante se hace un hueco entre los grandes discos de la historia del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 5

McCoy Tyner Trío: Infinity (Featuring Michael Brecker)

Portada del disco de McCoy Tyner con
Michael Brecker

En este enlace puedes clickear y escuchar "Impressions" de John Coltrane donde Michael Brecker se luce http://www.youtube.com/watch?v=lWIt4PtJwM0

Me niego a hablar del gran McCoy Tyner (1938) como el pianista de John Coltrane, que lo fue, y que fue una etapa brillante que le sirvió para cimentar su interesante carrera, habiendo contribuido durante los últimos 50 años a ser uno de los pianistas que más influencia han ejercido, sólo superado claramente por Bill Evans, aunque hablamos de estilos distintos. Tyner mantiene vivo el estilo que tantos frutos le dio décadas atrás, por tanto, se mantiene fiel a la originalidad que fue capaz de crear en los sesenta, por otro lado, Michael Brecker (1949-2007), saxofonista tristemente desaparecido, quizás el mejor saxo de la década de los ochenta y noventa, en esta grabación lleno de fuerza, energía y vitalidad, no he conocido a ningún saxofonista que sople el instrumento como Brecker, su técnica con la boquilla y la caña del instrumento es perfecta produciendo sonidos vigorosos llenos de luz y energía y eso se nota en esta grabación donde encontramos a un McCoy Tyner que no arriesga y que hace lo que sabe hacer y a un Michael Brecker que es la verdadera estrella del disco y nos demuestra todo lo que era capaz de hacer.
El disco está grabado para Impulse en 1995 y pianista y saxofonista se entienden a las mil maravillas, es uno de esos discos donde se funden lo clásico y lo innovador, Tyner y Brecker, la mayoría de los nueve temas que conforman el disco están compuestos por el pianista salvo dos excepciones una de Thelonious Monk "I Mean y Good morning, heartheache" y el famosisimo "Impressions" de John Coltrane, que es uno de los temas en que Brecker se luce, el disco está plagado de momentos álgidos, entre ellos el demoledor tema con el que el disco comienza Flyin high donde podemos ver la buena empatía existente entre los músicos. Los otros dos miembros del trío de McCoy Tyner son el bajo Avery Sharpe y el batería Aaron Scout, ambos, no muy conocidos pero que realizan un trabajo impecable.

Michael Brecker

Buen equipo, buena empatía, buena música. En mi opinión el disco se escora del lado de Michael Brecker que creo que está inspiradisimo en esta grabación y esa inspiración se la contagia al resto de músicos incluido el mismísimo McCoy Tyner, donde el pianista está haciendo lo que se espera de él y el saxo se convierte en una demostración de lo que Brecker era capaz de tocar, roza la excelencia. Es una pena que su desaparición  nos haya privado de lo que éste músico nos podría haber brindado con su saxo tenor.

De 5>10 mi valoración es: 9

Brandford Marsalis Quartet: "Metamorphosen"

Caratula del álbum, estética de fondo
de escritorio para Pc

Clickea este enlace y oye al quartet de Marsalis http://www.youtube.com/watch?v=8wvI-vLsVGs


Brandford Marsalis (1960) es miembro de una de las familias con más prestigio de la historia del jazz, Wynton, Jason y Delfeatyo (hermanos) y Ellis (padre) completan la saga de New Orleans.
El Brandford Marsalis Quartet es una de las formaciones  más solidas que existen en la actualidad en el circuito internacional, el cuarteto lleva diez años juntos, manteniendo su formato original desde su creación, durante este tiempo el grupo no ha parado de crecer, ofreciendo una imagen compacta, fuerte, sólida, desarrollando una intuición común y un fuerte sonido colectivo, todos tienen algo que decir y aunque la banda lleve la marca "Marsalis" cada uno de sus componentes tiene un fuerte poder específico dentro de la misma, de hecho en Metamorphosen, Marsalis sólo compone uno de los nueve temas que conforman el álbum, el resto lo firman los otros tres miembros del Quartet y otro es del legendario Thelonious Monk. El grupo está formado por: Marsalis con el Saxofón (alto), Joey Calderazzo con el piano, Eric Revis con el bajo, y en la batería Jeff Tain Watts.
La grabación, de estudio, se realiza en marzo de 2009 para la "Marsalis Music" sello creado por el propio Brandford en 2002. Metamorphosen, metaformosis en alemán, se mueve entre lo novedoso, lo moderno, lo contemporáneo a la vez que muestran un gran respeto, casi reverencial por las formas clásicas del jazz. El sonido es muy bueno, único, potente, sólido, rocoso, compacto y a la par ágil, frágil, lírico y ligero  por momentos, ganando en intensidad conforme la audición del disco va avanzando, donde se observa la gran compenetración que existe entre los músicos que tocan si como de una unidad se tratase, una batería potente y ágil, perfectamente armonizada con un bajo rotundo, sinuoso y limpio y saxo alto y piano tocando e improvisando como si de un vuelo raso se tratase, sobre la base rítmica de forma magistral, el resultado es este "Metemorphosen" que de alguna manera, nos muestra la metamorfosis lenta, pausada, hacia la calidad y la excelencia musical, que el Brandford Marsalis Quartet ha llevado a cabo.

De 5>10 mi valoración es: 8

Brandford Marsalis Quartet

Bill Evans: Waltz for Debby

Caratula del disco de Evans

Bill Evans (1929-1980) peinado hacía atrás con gomina, moreno,  de piel muy blanca, gafas de concha negra y perenne cigarrillo en los labios, traje oscuro, camisa blanca y corbata negra, ésta era la imagen de Bill Evans, la imagen de un país, la imagen del sueño americano. Bill Evans es uno de los músicos más controvertidos del jazz por su fuerte personalidad con el piano, carente del suficiente "swing" se abraza al estilo clásico  impresionista europeo abandonando el predominante "afro" del momento, lo que hace que sea distinto al resto, más austero e introvertido, definido como un "poeta del piano", es simple, elegante, intenso, así era Evans con el piano.
Waltz for Debby es una grabación en directo realizada en el Village Vanguard de NYC en 1961, en concreto es la última grabación que realizaron. El disco está dedicado a la sobrina de Evans llamada Debby. Algunos de los tops lo incluyen entre los mejores 100 discos de la historia, éste año 2011 se han cumplido 50 años de la grabación del disco, de la gestación de esta maravilla, uno de los grandes hitos musicales del Siglo XX. Bill Evans pone de manifiesto en Waltz for Debby todo el potencial armónico del jazz, logrando en unánime expresión poner de acuerdo a músicos, críticos y seguidores en cuanto a la calidad interpretativa del disco que se convierte por méritos propios en el mejor de su carrera musical.
El trío de Evans formado por él al piano, Scott LaFaro al contrabajo y Paul Motian en la batería, donde el bajo y la batería cobran protagonismo para ponerse a la altura de instrumentos solistas, así piano, bajo y batería establecen diálogos , conversaciones, donde se consigue una atmósfera desconocida en el jazz hasta ese momento, todos los tríos actuales de jazz beben de esta formula. Quiero destacar también la excelente grabación donde Evans está inconmensurable por el canal derecho, el excelente contrabajo de LaFaro por el canal izquierdo y en el centro Paul Motian acaricia a ambos con las escobillas de su batería, para que el disco sea más auténtico de fondo se oyen chocar de copas, risas y murmullos. Temas como "Waltz for Debby" o "Milestone" de Miles Davis, se convierten en clásicos del jazz a partir de esta edición, siendo reeditada  por decenas de músicos. Estilo cool del bueno, un clásico entre los clásicos que hizo que Bill Evans esté considerado uno de los tres mejores pianistas de jazz de todos los tiempos.

Valoración Personal: 10 

Lee Konitz New Nonet

Carátula del álbum de Konitz

De nuevo el saxofonista alto Lee Konitz (1927), nos deleita con un nuevo noneto, no es la primera vez que tiene este tipo de formación, ya lideró el Lee Konitz Nonet en los años 70´s, concretamente es la tercera vez que Konitz reúne a su noneto en sesenta años de carrera musical (se dice pronto), sigue liderando el grupo de forma indiscutible aunque delega funciones en el también saxofonista en este caso tenor Ohad Talmor, la experiencia funciona a las mil maravillas, del grupo surge música para archivar en nuestra memoria. El disco se grabó en vivo en el Standar Jazz de NYC en 2006 y temas como la "Suite ChromaticLee" que se divide en seis partes, tiene influencias claras de Miles Davis (1949 Miles Davis Noneto) y aires de una gran modernidad, aportada por la gran cantidad de músicos jóvenes entre los que se encuentra el Director de la Banda Ohad Talmor. Todos los temas del álbum han sido compuestos por Konitz a excepción de un tema que compone Talmor, así Konitz muestra al mundo del jazz el rodaje de sus años de carrera. El dúo funciona bien, Lee Konitz es un tesoro y Talmor un perfecto arreglista y su mano se nota a lo largo de toda la grabación, pero no todo el trabajo lo hacen ellos dos, el trabajo de campo lo hace el noneto y la astucia de Konitz está en la combinación de los músicos y de los instrumentos.
La Suite abre magistralmente el álbum, aunque parece que el trabajo se vuelve más solido en los temas individuales, que ganan en fuerza con un aire cool indudable, donde se aprecian más las distintas gamas tonales y que deleitan el paladar auditivo, de ello se encargan : Bob Bowen en el bajo; Jacob Garchik con el trombón; Dimos Goudaroulis en el cello; Russ Johnson con la trompeta; Lee Konitz saxo alto; Dennis Lee con el clarinete bajo; Ben Monder con la guitarra; Oscar Noriega con clarinete; Ohad Talmor saxo tenor y director musical y Matt Wilson con la batería. Quiero destacar el uso impecable, inteligente, innovador, elegante de la batería que le da un aire fresco a toda la grabación, de las mejores intervenciones con la batería que he escuchado nunca. Doce temas de un álbum innovador (incluida la Suite), no debe ser fácil tener sesenta años de historia a las espaldas y sonar fresco y satisfacer a la vez a quienes te escuchan por tu cool, por tu bop y por tus innovaciones o por la modernidad, éste disco lo tiene todo se mueve en el alambre del funambulista creando equilibrios con clase entre el pasado y el presente. Un gran disco.

De 5>10 mi valoración es: 9

Lee Konitz New Nonet

Bob James & Earl Klugh: "One on One"

Portada del disco

Clickea este enlace y escucha el tema Kari http://www.youtube.com/watch?v=SmQpAKhcuV4

No hablamos de un disco de jazz al uso, es jazz, pero es distinto, es smooth jazz o jazz lento, suave, música cálida con sabor a verano, belleza en las notas, serenidad que te hace viajar a tu interior y pasear entre tus recuerdos evocando lugares y cosas hermosas, podríamos decir que es jazz aterciopelado.
Bob James y Earl Klugh cada uno de ellos vale por si solo, cada uno de ellos tiene una exitosa carrera musical, sin embargo son dos genios que parecen que nacieron para trabajar juntos, discográficamente comparten sólo tres producciones One on One 1979, Two of a kind 1982 y Cool en 1992. Bob James habla de Klugh como su guitarra favorito. Piano y guitarra acompañados por un elenco de músicos impresionantes Eric Gale en la guitarra, Ron Carter con el bajo, también con el bajo está Gary King, Ralph McDonald con la percusión, Harvey Mason en la batería y detrás de todos ellos una orqueta dirigida por David Nadien y formada por 7 violines, 2 violas, 2 cellos y 5 vientos. El disco que se grabó en 1979 para CBS tiene una excelente grabación de la que Bob James es el Productor, Director y Arreglista. En total el álbum lo componen 6 temas a cual de ellos mejor, las composiciones de los temas se los reparten a partes iguales entre los dos, el disco se abre con Kari que ya de por sí es una maravilla, ya vale por todo el disco, todo el álbum tiene el objetivo de deleitarnos y acariciar nuestra sensibilidad de susurrarnos musicalmente los oídos. Compré este vinilo en 1980 desde entonces lo he escuchado miles de veces y siempre suena fresco, dulce, siempre me evoca el mismo estado anímico de rélax, de belleza, de armonía, de suavidad, de elegancia, de ese smooth jazz tan preciosista que generan estos dos músicos,  James y Klugh, piano y guitarra en una armonía tan perfecta que no debieron separarse nunca, son la cara amable de la fusión.

Bob James & Earl Klugh

los temas del disco son:
 1.- Kari
2.- The Afterglow
3.- Love Lips
4.- Mallorca
5.- I´ll See You Smile Again
6.- Winding River

De 5>10 mi valoración es: 7      

The George Shearing trio: 500 milles high

Carátula del disco de Shearing

     George Shearing (1919-2011) pianista ciego de jazz, nacido en Londres. Su estilo se mueve entre el bop, el swing y el cool y ha sido gran admirador de pianistas como Earl Hines, Teddy Wilson, Errol Garner, Art Tatum o Bud Powell. Para abrirse camino dentro del mundo del jazz se traslada a vivir a NYC donde termina nacionalizándose. Durante su carrera toca con músicos tan dispares como Oscar Pettiford o Buddy de Franco. Sus grabaciones más emblemáticas las realiza para las discográficas MGM récords y Capitol, cuenta en su haber con dos premios Grammys. 

     Shearing se ha movido muy bien dentro del bop y eso es lo que rezuma este álbum un hábil equilibrio entre el swing, el cool y el bop moviéndose hábilmente entre distintos estilos como si estuviese en aguas neutrales, extrayendo sus propias e interesantes conclusiones, dando vida a través del piano a sus ideas musicales. A mi personalmente George Shearing me recuerda a un músico de jam sessions, de bar, de estar escuchándolo con el murmullo de la gente de fondo, en realidad muchos de los mejores músicos de la historia del jazz han forjado su historia en garitos y bares, sobre todo pianistas, es todo un tópico, un bar y un pianista ciego, eso es lo que me evoca su forma de tocar jazz. "500 milles high" coge el título de un tema de Chíck Corea y dentro del álbum están Charlie Parker, Duke Jordan o Ben Webster entre otros que ya son historia, todos tratados por el piano de Shearing con mucho respeto y con el denominador común del bop. El disco se graba en junio de 1977 en los estudios de MPS en Villingen (Alemania), son 9 temas de un repertorio elegido minuciosamente que nos hará disfrutar de unos 45 minutos de buen jazz.

     El trío está formado por un piano, una guitarra y un contrabajo, George Shearing, Louis Stewart & Niels Henning Orsted-Pedersen, como vemos prescinde en la sección rítmica de la batería, crea con estos tres instrumentos un ambiente íntimo, suave, atemporal, personal, cercano, sin grandes alardes de virtuosismo, pero con todos los elementos necesarios para escuchar buen jazz.

De 5>10 mi valoración es: 5

Lou Bennett: "I Remember René"

Caratula del vinilo 

     Lou Bennett es el músico estadounidense más europeo, conocido en nuestro continente y desconocido en USA, sobretodo en Francia y España donde comparte residencia y conciertos en un 50%. Nace en Philadelphia en 1926, ya de niño aprende a tocar el piano, crea un trío que se inspira en la figura de Nat King Cole, su afición a la electrónica le hace cambiar el piano por un órgano Hammond, motivado después de escuchar a Jimmy Smith, aquello fue una revelación para Lou y uno de los acontecimientos que marcaron su futuro. Durante un tiempo compaginó el piano y el órgano Hammond hasta que éste último ganó la batalla, aprendió la técnica que a pesar de lo que pueda parecer, es muy diferente a la del piano, perfecciona una técnica propia de la que destaca el desarrollo de manera excelente e innovadora en el uso de los pedales. Muy influenciado desde su juventud por los temas religiosos, su música se mueve entre el gospel, el blues y el jazz, normalmente ha formado tríos de órgano, guitarra y batería, aunque a veces cambia la guitarra por un saxo tenor en cualquier caso posee un irresistible swing y un estilo increíble en los bajos que consigue extraer de su órgano creando un ambiente singular y espectacular.
     "I Remember René" es una grabación dedicada al genio de la guitarra René Thomas con quién Lou comparte estudio y escenario en multitud de ocasiones, el guitarrista murió cuando se disponía a dar su primer concierto en España junto a Lou de una crisis cardiaca. La grabación de este disco es de principios de los años 60´s  y en ella tenemos la suerte de escuchar a Lou Bennett y René Thomas juntos, junto a ellos está el saxo Jacques Pelzer y una sección rítmica sólida con Gilbert Rovére al bajo y Charles Bellonzi a la batería. El sonido combinado de guitarra, órgano y saxo es uno de los más agradables que el jazz puede ofrecer a sus oyentes. como anécdota contar que cuando se editó este disco en la edición original no figuró el nombre de Lou Bennett por algún tipo de impedimento contractual, así que se editó bajo el nombre de René Thomas, ya en ulteriores ediciones se corrige esta situación, como es evidente René Thomas no puede grabar un disco en homenaje a René Thomas. Lou Bennett a quien tuve la suerte de oír en concierto en la Sala de Jazz Georgia de mi ciudad, ha sabido crearse un sitio dentro de los grandes del jazz y ha sido capaz de crear un estilo propio con su viejo y mil veces reparado órgano Hammond y estar por encima de las críticas que sobre él vertieron otros músicos.
La grabacion realizada para la discográfica Barclay cuenta con seis cortes y tiene un sonido espectacular, donde se interpretan temas de René Thomas, Clifford Gray, West Montgomery o Jackie McLean.

De 5>10 mi valoración es 5.
      

Danilo Pérez: Providencia

Carátula del álbum Providencia

   Cada vez son más los músicos latinos que entran en el escenario del Jazz con fuerza como es el caso del Panameño Danilo Pérez, quien ya desde pequeño se empapó de la música que le enseñó su padre, Danilo recibe formación clásica y estudia con distintas becas en Estados Unidos, siendo aún estudiante ya toca con músicos como Paquito D´Rivera, en la década de los 80´s tiene una larga lista de colaboraciones Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Nuñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Gary Burton o Steve Lacy. Es en la década de los 90´s cuando adquiere madurez como músico llegando a grabar álbumes tan importantes como PanaMonk, dedicado al legendario Thelonious Monk,  el disco es nombrado "obra maestra del jazz" por el New York Times, siendo además elegido como uno de los 50 mejores álbumes de jazz piano.
     Providencia es su último trabajo en el que se exponen ideas nuevas, estilos singulares, donde se funden ritmos panameños como "el tamborito" con complejos ritmos. El disco suena a jazz renovado, en él se crean nuevos vocabularios musicales donde se entrelazan en perfecta armonía estilos, instrumentos y voces en una mezcla compleja que nos muestra otra manera de entender la música y el jazz en particular, lo clásico, el free, el hard, lo folklorico, lo afrocubano, el be bop, hasta reminiscencias de fado y como no el famoso bolero Panameño "es la historia de un amor" (Eleta Almaran) donde Danilo sin perder la armonía original del bolero crea ambientes mágicos. En definitiva el músico crea nuevas propuestas para el jazz contemporáneo.
     El disco se graba en 2010 para la discográfica Mack Avenue y son once los temas de este magnífico trabajo de jazz moderno, los músicos que conforman la grabación son: Danilo Pérez con el piano, Ben Street en el contrabajo, Adam Cruz como batería, Rudresh Mahanthappa con el saxo alto, Jamey Haddad en percusión, con las congas Ernesto Díaz, con una magnifica voz está Sara Serpa, Matt Marvuglio en flauta, Barbara Laffitte con el nada jazzístico oboe, Amparo Edo Biol con el desconocido corno francés, Margaret Phillips con el fagot y José B. Meza con el clarinete. Con este disco Danilo Pérez nos demuestra que es un músico comprometido con abrir nuevos caminos y nuevos aires al mundo del jazz.

 Clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=51OmGV8_H74 y escucha un ensayo de Danilo Pérez del tema Providencia.

De 5>10 mi valoración es: 8 

Dave Brubeck & Paul Desmond: Take Five

Carátula del mítico "Time Out" del Dave Brubeck Quartet

     Clickea este enlace y escucha el mítico Take Five http://www.youtube.com/watch?v=A_ngyWAbLKc

     No sé si para el post de este disco tengo que hablar de Dave Brubeck o de Paul Desmond, lo digo porque "take five" lo compone Paul Desmond pero, alcanza el éxito dentro del cuarteto de Dave Brubeck, así que voy a darle a cada uno su parte alícuota como he hecho ya en el titular, en realidad el disco se vende como  The Dave Brubeck Quartet y se titula "Time Out". Al hablar del disco me sale solo el tararear el famoso "take five" tara...tara..tarararara..tara...del saxo de Paul Desmond, debe ser algo parecido al reflejo de Paulov. No hace mucho vi en televisión la película "Un plan brillante" de Demi Moore y Michael Cane donde el take five suena en varias partes de la película, no es por cierto el único film en el que aparece, su música te transporta a NYC y sus calles en los años 60´s, también he leído por ahí que el inicio de take five se asemeja al inicio del "Mediterráneo" de J.M. Serrat y estoy totalmente de acuerdo. La melodía se hace famosa por el uso de un compás no muy habitual en el jazz, el tiempo quíntuple, compuesto en 5/4 y de donde el tema adquiere su nombre, en definitiva es una forma ternaria A-B-A donde A es un Ostinato que propicia la improvisación.

     En 1951 Dave Brubeck crea su famoso Cuarteto junto al saxo alto Paul Desmond, en 1956 se incorpora el excelente batería Joe Morello quien toca la batería de una forma suave como si le diese miedo golpearla, aunque cuando lo hace es de forma contundente, también se incorpora el contrabajo Gene wright en 1958, quedando así configurado uno de los mejores cuartetos de la historia del jazz hasta que en 1967 Paul Desmond abandona la formación. Quiero mencionar especialmente a Paul Desmond quién para mí es el auténtico alma del disco, además de ser el compositor del "take five" es una maravilla como lo interpreta con esa suavidad, con ese sonido tan característico que cuando lo oyes sabes que es su saxo, es rara su interpretación que no deja escapar un leve sonido, una leve fuga de aire por la boquilla de su saxo que acompaña lógicamente a la melodía y que es uno de sus sellos personales e inconfundibles además del de ralentizar la interpretación, él se preciaba de ser el saxo alto más lento del mundo.

     El disco se graba para la discográfica Columbia y en su momento fue un éxito sin precedentes, hoy es todo un clásico que forma parte de nuestra memoria musical.

The Dave Brubeck Quartet

     Los temas de Time Out son:

- Blue Rondo á la Turk - 6:44

- Strange Meadow Lark - 7:22

- Take Five - 5:24

- Three to Get Ready - 5:24

- Kathy´s Waltz - 4:48

- Everybody´s Jumpin´- 4:23

- Pick Up Sticks - 4:16

De 5>10 mi valoración es: 9

James Carter: "Chasin" the Gypsy

James Carter (Detroit 1969), nace en una familia de músicos donde todos los miembros tocan algún instrumento, crece en este ambiente musical y pronto en 1985 Wynton Marsalis lo llama para que se incorpore a su formación, pocos años más tarde se traslada a NYC donde graba y toca con el gran Lester Bowie, donde colabora con Julis Hemphill, la Mingus Big Band y la Lincoln Center Jazz Orchestra,. Queda marcado por Marsalis, Bowie y Mingus por todo el significado histórico que representan y que van desde la más pura ortodoxia a la más loca aventura y experimentación. Participa en la película "Kansas City" de Robert Altman, en el papel trasunto de Ben Webster. Toca toda la gama de saxos desde el tenor al barítono con una depurada técnica y una gran variedad de exquisiteces en los sonidos que produce, también toca flauta y clarinete.
Su debut discográfico se produce en 1993 con "James Carter On the Set" lo que le permite obtener status de músico revelación  y a la vez entrar por la puerta grande al mundo del jazz contemporáneo, musico prodigio así lo atestiguan las siguientes grabaciones que realiza algo camaleonicas ya que cambia de estilo no solo entre distintos álbumes, sino dentro de un mismo tema y lo hace de forma natural.
"Chasin the Gypsy" se graba en 2000 y el disco está pensado por Carter como un homenaje al gran músico Django Reihnardt, el disco presenta el lado más romántico de James Carter donde realiza un perfecto tributo a uno de los más grandes creadores de la música de jazz, se interpretan piezas típicas de Django con otros con aires latinos, con ritmos peculiares y un uso algo atípico de la percusión dentro del jazz, su saxo suena espectacular con sonidos que abarcan desde un dulce susurro hasta el rugido más desgarrador. Comienza la grabación con el tema "Nuages" uno de los temas más preciosistas del jazz, hasta un total de 9 temas que componen el álbum para el que se hace acompañar por Regina Carter en el violín, Jay Berliner y Romero Lumbao en las guitarras, Charlie Giordano en el acordeón, Steve Kirby en el bajo, Cyro Baptista con la percusión y Joey Baron como baterista.

James Carter

 El disco suena diferente a lo habitual dentro del jazz, se producen una gran variedad de cambios de ritmos,  unidos a un original uso de la percusión, al violín y al acordeón, así como a los múltiples registros que James Carter es capaz de obtener con su saxo, sin duda, todo un desafío a cualquier convencionalismo de la industria discográfica.
 Los temas que componen el disco son:
1. Nuages
2. La Derniere Bergere
3. Manoir de mes reves
4. Artillerie Lourde
5. Chasin the Gypsy
6. Oriental Shuffle
7. I´ll Never Be The Same
8. Avalon
9. Imari´s Lullaby

De 5>10 mi valoración es: 6

Ben Webster: Soulville

Carátula del Soulville

Ben Webster es de esos músicos genuinos, pioneros de otra época, apodado "el rana" por sus ojos saltones, nace en la cuna de otro gran saxofonista Charlie Parker, su carrera comienza en la cuerda de saxos del gran Duke Ellington, eran los tiempos del Cotton Club, como agradecimiento a su saxofonista el Duke compuso "in a mellotone" una pieza hecha a la medida de Ben Webster y que le acompañaría durante toda su carrera musical. Ha tocado con todos los grandes y que no voy a enumerar aquí porque sería interminable. Tras la II Guerra Mundial se produce el declive de las Big Bands cosa que no viene del todo mal a nuestro protagonista ya que se busca la vida con pequeñas formaciones y puede interpretar temas que con la orquesta de Ellington se encontraban camuflados consiguiendo éxitos que antes le habían sido negados. Junto a Coleman Hawkins y Lester Young forman el mejor trío de saxos tenores de la historia del jazz.

Ben Webster y su saxo tenor

Soulville es una joya, sin duda, de los mejores discos de la historia, es de esa música que no se escucha, que se siente, tras unos instantes uno se da cuenta que es una música sobrenatural compuesta e interpretada con el alma. El sonido del saxo de Webster es cálido, apacible, desgarrado por momentos, suave, delicado y con mucho, mucho swing. El disco grabado el 15 octubre de 1957 en California para la discográfica Verve, tiene una muy buena grabación que a principios de siglo fue remasterizada y donde se incluyó algún bonus track. Un lujo el personal que le acompaña Herb Ellis abre el álbum con el primer tema homónimo y su guitarra bien templada, Oscar Peterson posa sus dedos sobre el blanco y negro del teclado y surge la nota adecuada, no cabe otra, en cada instante de la grabación, Ray Brown con su suave sonido de contrabajo y en la batería un exquisito Stan Levey, todos juntos dan paso al saxo de Ben Webster para que pinte una y otra obra de arte con cada pincelada de su saxofón. De estilo Mainstream lo que hizo que llegara al público de su época y que sin duda como un tesoro ha pervivido hasta nuestros dias.
En Soulville, Ben Webster, nos deleita con sus mejores momentos como saxofonista, es jazz "del bueno" se puede escuchar una y otra vez sin que pierda su brillo original. Ningún seguidor de la buena música y del saxo puede pasar por alto este disco (es pecado) lleno de tan buenos momentos.

de 5>10 mi valoración es: 10

John Coltrane: A Love Supreme

Carátula del álbum

John Coltrane (1926-1967), apodado Trane, saxofonista tenor y soprano, compositor controvertido, se mueve en estilos de post bop, como el hard bop o free jazz, en apenas 12 años graba el grueso de su discografía donde no empieza a deslumbrar hasta que toca junto a Miles Davis. Como una maldición la heroína se ceba en los músicos de jazz de la época y Trane cae en sus redes, así su trayectoria musical no evoluciona yendo de banda en banda y de despido en despido, Coltrane recibe una oportunidad que le ofrece Miles Davis ya recuperado, de que él hiciese lo mismo y así fue, en la banda de Davis comienza a brillar y a ser llamado para más y más sesiones como freelance, haciéndose un hueco importante en el mundo del jazz, fruto de esa relación llama la atención de la discográfica Impulse para quien grabará el que fue uno de los mejores discos de la historia del jazz, para muchos el mejor: "A love Supreme". En mi opinion no creo que sea el mejor, pero sí uno de los más inspirados. Es un Opus de jazz dedicado por Trane a la divinidad que para él trascendía a cualquier religión, en agradecimiento a la fuerza espiritual que tuvo para salvar su vida, aunque fallece dos años después.

A love Supreme son 48 minutos vibrantes, alucinantes, la obra es una Suite en cuatro movimientos, en realidad son tres temas y el último de ellos se divide en dos cortes, grabada en 1964 y que interpreta con su célebre cuarteto formado por él mismo, McCoy Tyner y sus genialidades con el piano, el increible Elvin Jones a la batería que realiza un sólo magistral y Jimmy Garrison al contrabajo. Pocos álbumes han tenido la influencia de A Love Supreme, un disco que demostró que el jazz es un medio que se adecuaba a la búsqueda espiritual y creaba una fabulosa expresión de lo inexpresable, con él Trane se encontró en el climax de su carrera y llega a manifestar que: "Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite, esta es la primera vez que lo tengo todo a punto". La escucha del disco merece una dedicación intensa, escuchado atentamente el disco es una genialidad preciosa e inspirada, sin duda uno de los discos más importantes de la historia del Jazz. Esencial para cualquier amante de la música.

John Coltrane "Trane" y su saxo

De 5>10 mi valoración es: 9

El Jazz es vida

Posted by juanmerkader on 25 mayo, 2011 | EDITAR

Hola, no es la primera vez que publico sobre música en algún medio, pero como si lo fuera, cuando algo es nuevo primero hay que hacer el rodaje, solo quiero expresar mi afición a la música con mayúsculas, desde siempre me ha gustado la música y todos sus géneros, soy melómano confeso, mi intención desde esta página es compartir esta afición con quien de vosotros quiera

De todos los géneros musicales es el Jazz el que más me llena, desde que escuché a Jimmy y Tommy Dorsey en un viejo Lp, que me abrió las puertas al increíble mundo de la libertad musical, de las jam sessions, de la improvisación, de la cuerda, el viento, los teclados, todo por libre y a la vez unido en esa ensalada musical que es el Jazz. No pretendo más que compartir, para otra cosa están los expertos. Me gustaría que esta página fuese un punto de encuentro de cualquiera que sea  aficionado al jazz, o que tenga curiosidad por saber lo que es.

http://www.youtube.com/watch?v=gAGTOKnEJ_M este enlace te lleva a Ellis y Wynton Marsalis  en Ft Germaine Bazzle – Little Birdie

Miles Davis: Kind Of Blue

http://www.youtube.com/watch?v=DEC8nqT6Rrk clickea este enlace para ver vídeo de Miles Davis

No me perdonaría a mí mismo, si no incluyo este álbum  ”Kind of blue” del genio Miles Davis entre mis primeros comentarios sobre el mundo del jazz, como digo el álbum está considerado por muchos, sobre todo por puristas, como la joya del Jazz, lo mejor que ha dado este genero, no sólo por la calidad musical, la magistral composición, la increible interpretación de los músicos de los que se hace acompañar John Coltrane, Paul Chambers, Bill Evans, Cannonball Adderley y Jimmy Cobb, el disco apenas fue grabado en dos dias en NYC allá por 1959.

Son 45 minutos geniales, de una interpretación final sublime, divina, basado en escalas sobre la que los músicos improvisaban casi todo porque apenas conocían lo que tenían que interpretar, rompedor con el estilo  jazzístico existente en el momento e innovador ya que en años sucesivos fueron muchos los músicos que se inspiraron en esta genial composición y no hablo sólo de músicos de jazz. El disco llegó a vender cuatro millones de unidades en USA, siendo el álbum más vendido de jazz de todos los tiempos. hoy día, 52 años después sigue siendo un referente.

   Relájate y disfrútalo.

De 5>10 mi valoración es: 10

Pat Metheny & Brad Mehldau – Metheny Mehldau

pincha este enlace que te lleva hasta el vídeo del disco http://www.youtube.com/watch?v=oiH2XCD-hUo

Metheny Mehldau es uno de esos álbumes que no puedes parar de oír una y otra vez,  grabado en 2005 en NYC, éste dúo de jazzmen contemporáneos se superan, Pat Metheny guitarrista prolífico, astuto, audaz, sobre todo moderno, con un estilo vanguardista que ha creado Escuela, con ese sonido dulce y acústico que es capaz de sacar de su guitarra y envolvernos con un pentagrama invisible de escalas e improvisaciones. por otro lado Brad Mehldau, cuya carrera musical es mucho más corta, entre otras cosas porque es bastante más joven, con un estilo influenciado por Keith Jarret, más sobrio, austero, a veces hasta casi clásico.

el álbum es una obra maestra, que se basa principalmente en interpretaciones solistas de guitarra y piano, aunque también encontramos algunos temas levemente acariciados por una base rítmica de bajo y batería (Grenadier y Ballard), donde los dos autores componen los temas del mismo, notándose claramente la sobriedad del pianista. Es un disco de muy bonitas composiciones, muy agradables al oído, pero a la vez de una gran complejidad musical, durante todo el disco los músicos no chocan jamás, se complementan y entrelazan sonidos de manera fantástica cosa que no es tan fácil en instrumentos armónicos como la guitarra y el piano. Un disco fantástico, un clásico moderno que no  puede faltar en tu memoria musical.

Mehldau

Metheny

De 5>10 mi valoración es: 10

Charlie Haden: Sophisticated Ladies

Sophisticated Ladies es uno de los útimos trabajos del bajista Charlie Haden, nacido en 1937, es sin duda, un clásico dentro del panorama jazzístico, sus primeras intenciones fueron ser cantante, pero una enfermedad le estropeó las cuerdas bucales, decidiéndose entonces por cogerle prestado el contrabajo a su hermano, llegando a ser uno de los que más técnica tienen con este instrumento, que ya de por sí, no luce mucho y hay que ser muy bueno para hacerse notar. Haden se dio a conocer interpretando free jazz con el saxofonista Ornette Coleman, más tarde tocó con el pianista Keith Jarret y ha grabado discos con todos sus contemporáneos, algunos de esos discos muy especiales como el que grabó con Pat Metheny, guitarra y contrabajo ¿te imaginas?, un gran trabajo.
El disco cuenta con un total de doce temas, muy cuidadosamente elegidos, se hace acompañar en el saxo  tenor por Ernie Watts, en el piano Alan Broadbent y Rodney Green en la batería, en total nos ofrecen 60:00 minutos de un vintage musical de muy alto nivel, a todo ello añadir la inclusión de cuerdas a través de violonchellos, violines y violas, lo que da un toque refinado al conjunto, pero que por otro lado acapara gran numero de detractores.
Con Sophisticated Ladies Haden culmina una carrera de manera brillante, sacando del baúl algunas de las canciones más bellas de las últimas décadas del jazz con temas como el que da título al álbum, compuesto por Duke Ellington, se hace acompañar de vocalistas como Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot,  Cassandra Wilson o la soprano Renée Fleming, todas ellas realizan interpretaciones magistrales. El álbum suena como si algunos de los mejores jazzmen y jazzladies de todos los tiempos hubiesen regresado a nuestro tiempo, creando un ambiente clásico de hace décadas, un ambiente mágico, a la vez que totalmente actual, la primera vez que lo oí pensé que era como si Billie Holiday hubiese grabado un disco en el siglo XXI , si lo tuviera que definir,  lo haría diciendo que es un disco de libro, de jazz totalmente académico, que te cautiva desde la primera nota, donde Haden sabe lo que se trae entre manos.

Valoración personal: 9

Melody Gardot: My one and only thrill

Carátula del álbum

pincha este enlace que te lleva a una preciosa canción..http://www.youtube.com/watch?v=CBWY6W1dSvE

Melody Gardot, es una recién llegada, nacida en 1985, sólo tiene 26 años, es de la nueva generación que se están incorporando al mundo del jazz, nacida en Estados Unidos, se ha dado a conocer en España, alcanzando unas aceptables ventas con “My one and only thrill”, disco publicado en 2009 y que presenta unos temas muy bien elaborados que pasan por aires latinos, el blues y como no el jazz, a lo largo del álbum se destila cierta melancolía, incluso en temas con aires latinos que debían ser algo más festivos se denota sobriedad, en definitiva el disco está bien estructurado y una vez escuchado uno tiene la sensación de estar escuchando jazz con un sello muy personal, muy moderno, distinto, con personalidad.

No quiero pasar por alto la colaboración que realiza en el disco de Charlie Haden “Sophisticated Ladies” donde interpreta “if  i`m lucky” de forma magistral, para mí lo mejor del disco de Haden. Tan sólo cuenta con dos álbumes de estudio, uno de ellos un EP y un directo. Como curiosidad señalar a los 19 años es atropellada por un automóvil cuando iba en bicicleta y que su médico le induce a que se dedique a la música para paliar las secuelas que le pudieran quedar, así su primer disco lo compone en el mismo hospital. Sinceramente para tener tan poco recorrido musical no está nada mal.

  De 5>10 mi valoración es: 5

Eva Cortés: El mar de mi vida

picha el siguiente enlace para ver vídeo de Eva Cortés   http://www.youtube.com/watch?v=EeIkZ2AyLk0

El mar de mi vida es el tercer disco que edita Eva Cortés, Hondureña educada en Sevilla y con residencia en Madrid. El disco tiene un estilo personal innegable jazz fusión donde se mezclan ambientes acústicos de blues, jazz, ritmos latinoamericanos como el bolero, el tango o andaluces como el flamenco, todo ello en un cocktail musical de muy buena estructura. Eva que es la autora de la mayoría de temas, canta cada uno de ellos en español, francés o portugués, con una cierta cadencia latinoamericana lo que le da un punto exótico al álbum, un toque de originalidad que la primera vez te choca, pero que enseguida te familiarizas.

el álbum cuenta con doce temas algunos versionados como Alfonsina y el mar o el clásico de la chanson francesa c´est si bon que interpreta junto al cantaor Miguel Poveda haciendo unos arreglos de la canción muy interesantes, el resto tienen buena fluidez musical y riqueza armónica. Se hace acompañar por Pepe Rivero al piano, además de producción y arreglos, se nota su presencia en todo el disco, Toño Miguel y Hadrien Feroud en contrabajo y bajo, Mondesir a la batería, Piraña con el cajón, toca el trombón Santi Cañada.

Eva Cortés

Su discografía es ciertamente corta ya que el primer álbum lo edita en 2007, contando hasta la fecha con un total de cuatros discos, éste del que hablamos es el tercero. Eva Cortés irrumpe para reclamar un hueco en el panorama jazzístico cantado en español. La primera vez que lo oí me chocó, luego cada vez que lo escucho le encuentro algún matiz distinto bien en los ritmos, en lo músical o en esa bonita voz con acento exótico que a veces resulta raro oír cantando ritmos de jazz en español a lo que no estamos muy acostumbrados. Suena fresco, suena joven, suena innovador, suena bien.

De 5>10 mi valoración es: 5