Keith Jarrett: Fort Yawuh

Te imaginas un concierto de jazz liderado por un pianista donde el piano no sea lo más importante, esto es lo que sucede en Fort Yawuh, álbum grabado en directo en 1973 en el Village Vanguard. En el tema de apertura del disco, Jarrett se retira a mitad de la canción en un acto de escuchar a su grupo para así reinterpretarse a sí mismo y cuando regresa lo hace soplando como solista un saxo tenor, también juega con elementos de percusión, una forma que el pianista tiene de evadir su creación artística hacía otros instrumentos y de alguna manera le exime tocar con sus dedos el blanco y negro del teclado de su Steinway, es como dar un paso atrás para dar brillantez a sus acompañantes y a la par coger energías para volver con más fuerza.
Aunque desde la perspectiva actual Jarrett es conocido como maestro del piano, en sus primeros discos quiso demostrar que podía imponer una visión potente que iba más allá del dominio del teclado, aún sorprende más la cosa, si en esta época Jarrett ofrece algunos de sus mejores conciertos de solo piano (Bremen, Colonia), en definitiva, trata de subvertir el papel tradicional del pianista en una formación de jazz.
El cuarteto lo forman: Keith Jarrett al piano, saxo soprano y pandereta, Paul Motian a la batería y percusión, Dawey Redman saxo tenor y maracas, Charlie Haden al bajo y Danny Johnson (invitado) a la percusión. El álbum se graba el 24 de febrero de 1973 y cuenta en su versión original de vinilo con cuatro temas.
Motian y Redman provienen de trabajar con Ornette Coleman y eso se hace oír sobre todo, al inicio del disco donde por momentos el free jazz campa a sus anchas. Flota durante toda la grabación "un exceso" de sonidos de percusión ajenos a los que es lo habitual en jazz, que invocan aspectos rituales, alguna visión o búsqueda de lo desconocido, incluso recuerda el ritual de alguna ceremonia primitiva o una danza de posesión de culturas lejanas y desconocidas.

Valoración Personal: 8

Charlie Haden & Pat Metheny: Beyond The Missouri Sky

No soy amigo de escribir un post por la ida de un músico, más bien oigo su música, hoy ha fallecido el gran bajista Charlie Haden, D.E.P. Haden me ha acompañado musicalmente durante las últimas décadas, desde el Free Jazz de Ornette Coleman hasta las tranquilas y sosegadas composiciones de sus últimos años, en ambos lados de ese péndulo me encuentro cómodo. En estos momentos de tristeza he ido a mi biblioteca musical y he elegido el disco maravilloso que grabó con su paisano Pat Metheny "Beyond The Missouri Sky", grabado en 1996 y lanzado al mercado el 25 de febrero de 1997 para la Verve Récords, cuenta con un total de 13 temas, 3 de Haden, 1 de su hijo Josh, y 2 de Metheny, algún otro tema con aire cinematográfico de Henry Mancini o Ennio Morricone, en total 69:11 minutos maravillosos.
Es sin duda, un sublime dueto, que trasciende el género, ambos compartiendo el linaje de Missouri, como argumento temático, entre ambos maestros forjan un estilo lírico, íntimo, acústico, centrándose en la pureza del tono y la armonía. Metheny hace predominar las guitarras clásicas y Haden moviéndose con toda facilidad por los registros altos de su instrumento, ambos dando un ejemplo de coherencia emocional y musical, en un dialogo generacional bello, una sólida comunicación musical que transciende sus respectivos caminos profesionales, profundizando en los ámbitos de la calma, la tranquilidad, a través del minimalismo, una compartida visión musical de los orígenes y del alma, desarrollan una complicidad tierna, delicada en un discurso musical simple: Guitarra y Contrabajo.
Beyond The Missouri Sky, es un disco bello y emotivo, para momentos especiales, si tuviera que definirlo con una imagen sería la de unas hojas flotando por la lenta corriente de un bello arroyo. Gracias Haden.

Valoración personal: 8

Ornette Coleman: Free Jazz

Portada del disco realizada por el
pintor Jackson Pollock

Hace treinta años que escuché por primera vez el Free Jazz de Ornette Coleman, aquello me pareció una jaula de grillos que no tenía ni pies ni cabeza, han tenido que transcurrir los años para conocer el contexto de la època y para que mi concepto de aquel disco varíe 180º. El disco despertó fuertes polémicas por el cambio tan profundo que supuso conceptualmente, con su revolucionaria idea de la improvisación y de la armonía que sentó las bases del free jazz. Ocho músicos entran en la sala de grabación de la discográfica Atlantic, forman dos cuartetos, uno a la izquierda formado por Ornette Coleman al saxo alto, Don Cherry en la trompeta (de un tamaño menor al habitual), Scott LaFaro al contrabajo y Billy Higgins a la batería; otro cuarteto a la derecha formado por Eric Dophy con el clarinete bajo, Freddie Hubbard a la trompeta, Charlie Haden al contrabajo y Ed Blackwell a la batería, así además aparecen luego en la grabación estéreo, cada cuarteto por su canal. La norma es que no hay norma, es una improvisación colectiva que se convirtió en una de las piedras angulares en la evolución del jazz, una obra creada de forma espontánea, en ese mismo acto. El disco se grabó en 1960 y se lanza al mercado en 1961, cuenta con un sólo tema de alrededor de 40 minutos, donde los músicos tocan en una esquizofrenia musical que hace 50 años rompió todos los moldes. Free Jazz es considerada la obra fundacional del movimiento como estilo consolidado.
Ornette Coleman es un icono del jazz, un músico original, que supo proyectarse con una entereza genial, agregó a su música la libertad intrínseca que hay en el jazz, hizo trizas la idea de que la improvisación se hacía sobre los acordes, destrozó el concepto que se tenía sobre la melodía, usando sonidos nuevos que hasta ese momento sólo eran lo que se conoce como "cacofonías", cambió la métrica rítmica y dio absoluta libertad a sus músicos, creando espacios para las ideas y la imaginación. Coleman poseía una convicción artística que era inmune al rechazo de los demás, lo que le hizo avanzar y progresar en sus ideas, realizando un logro asombroso y que ha sido reconocido como se merece. Hasta éste momento el jazz iba desde el orden hacía el desorden, con el free jazz, con Ornette Coleman su música va en sentido opuesto desde el caos al orden relativo, creando el fenómeno por el cual la música comienza sin ataduras, hasta que las ideas empiezan a confluir.
Un disco y un estilo lleno de controversias que no deja indiferente a nadie.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Dejo un vídeo con esta ensalada esquizofrenica...

Michael Brecker: Michael Brecker

Te dejo este vídeo del tema "Sea Glass", primer

corte del álbum

Primer álbum como líder del saxofonista de Filadelfia, anteriormente dedicó mucho tiempo de su carrera como músico de estudio que era constantemente reclamado por artistas de la talla de Frank Sinatra, James Taylor,  Eric Clapton o Bruce Springsteen entre otros, da un primer paso con su hermano creando la Brecker Brothers y no es hasta 1987 cuando decide caminar sólo y sacar al mercado el álbum "Michael Brecker".
Si algo me gusta de Brecker (1949-2007) es la forma que tiene de soplar el instrumento, concisa, clara, ágil, nítida, sin fisuras ni escapes, con energía y vitalidad que desborda cualquiera de sus interpretaciones, incandescente, siempre al rojo vivo y eso te lo sabe transmitir como nadie, se mete en la piel, se hace con tu audiencia, y experimentas algo profundo que muy pocos músicos te transmiten. Brecker tiene ese privilegio.
El álbum se graba en NYC, producido por Don Grolnik y el propio Brecker, cuenta con un total de siete temas, tres de ellos compuestos por el saxofonista, con una duración total de 56 minutos, se graba para la discográfica MCA/Impulse y los créditos del disco son inmejorables en la batería Jack DeJohnette está deslumbrante, Charlie Haden en el bajo, como siempre pulcro y elegante, Kenny Kirkland en los teclados y sutil y sugerente en la guitarra Pat Metheny, más arropado en tu primer lanzamiento no se puede estar, un Quinteto de lujo.

Portada del disco

El disco es un regalo para los oídos, de un jazz academicista, puro y transparente y a la vez impredecible, con unos temas que ponen a prueba a los músicos en un desafío constante, donde Brecker lidera con autoridad y determinación, estando brillante durante toda la grabación. A partir de este álbum Brecker que contaba con 38 años se hace asiduo en los circuitos de jazz afianzándose como saxo tenor y dejándonos un gran legado musical. El disco es altamente recomendado.


De 5 > 10, mi valoración es: 8

Charlie Haden & Michael Brecker: "American Dream"

Portada del disco

http://www.youtube.com/watch?v=yTI9oRXlvoY Clickea este enlace y saborea este aperitivo.

Disco grabado para la discográfica Verve en 2002. Charlie Haden como director y líder con el contrabajo, Michael Brecker soplando con fuerza contenida el saxo alto, Brad Mehldau con su elegancia y virtuosismo en el piano y Brian Blade con un elegante trabajo en la batería.  Haden y Brecker ambos consiguen con las teclas de Mehldau de fondo momentos de gran emotividad, de alta sensibilidad, con bellos rasgos líricos, con estilo, consiguiendo sonidos apasionados, armonizados, sonidos únicos que enriquecen el alma, virtuosismo que no es otra cosa que pura sensibilidad, los primeros segundos de escucha son suficientes para tomar el pulso a este gran álbum para empaparte de su introspección, de su calidez. En definitiva conversaciones musicales extraordinarias entre bajo, saxo y piano todo ello arropado por las baquetas del batería, como digo diálogos íntimos, precisos, con exquisitez que convierten el disco en una joya.
Acompañando al cuarteto hay una orquesta de 34 instrumentos de cuerda "La String Orchestra de Los Angeles" quien de forma discreta y lejana establece diálogos con el cuarteto pero a lo lejos en el horizonte, sin alterar la esencia del mismo, más bien produciendo un feedback de ida y vuelta que enriquece el conjunto, estando latente durante todo el conjunto como una súplica de la orquesta de cuerda por tener más protagonismo, cosa que consiguen en algunos fragmentos de la obra.
El disco lo componen un total de 12 temas entre los que se interpretan algunos de Keith Jarret o Pat Metheny, la mayoría de las canciones tienen aire experimental como la de Ornette Coleman "Bird food" aportando un poco de neo bop al conjunto y en la sentimental y popular sobre todo por las películas "America the beautiful" donde el peso lo lleva Haden con su contrabajo reforzado por la orquesta de cuerdas.
Un disco intimista, lírico, bello, con unos impresionantes arreglos y una grabación muy equilibrada, donde todos los músicos se dejan embaucar por la magia de Charlie Haden y que tiene como resultado final una auténtica obra de arte, cuanto más lo escuchas más te llena.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Charlie Haden, Paul Motian & Geri Allen: "Etudes"

Portada del disco

Dos mitos del jazz junto a una joven promesa, el contrabajista Charlie Haden que es como esos vinos buenos que con el tiempo mejoran, famoso por compartir música con Ornette Coleman, hoy Haden (1937) está en su mejor momento reivindicando el lugar que le corresponde por su trayectoria, por otro lado, el recientemente fallecido Paul Motian (1931-2011) quien hizo lo mismo con su batería al lado de Bill Evans. Dos veteranos reconocidos del jazz que aúnan esfuerzos para arropar a Geri Allen (1957), ellos ya habían triunfado cuando ella aún no había visto las teclas de un piano, pero la diferencia generacional nunca ha sido un obstáculo en el arte y en la música en particular, así "Etudes" se convierte en la primera colaboración de este trío y sin duda alguna su mejor grabación de estudio, el disco se graba en septiembre de 1987 en NYC y cuenta con nueve temas que rezuman la experiencia de una increíble base rítmica, tocada con lirismo, con cariño, contrabajo y batería unen la experiencia de años de manera tranquila, sosegada, reposada, cálida como arropando con su experiencia a la joven promesa que sobre el blanco y negro del teclado de su piano toca resuelta, consciente de su responsabilidad, decidida, cogiendo la alternativa que se le ofrece y que resuelve de manera magistral.
El disco ya convertido en un clásico, fue innovador en el sentido que cuando se grabó había mucho trío y pianista en particular tocando standars del jazz, Geri Allen nos abrió nuevos caminos, cosa que apreciamos nada más escuchar "Lonely Woman" tema que abre la grabación donde Allen nos obsequia con un refinamiento que para nada denota estar inhibida ante la presencia de dos dioses del Olympo, toca con gusto, elegancia, convicción y mucha sensibilidad, incluso con cierto aire "Monk", el resto de composiciones se lo reparten entre los tres, dando como resultado global un álbum sin artificios, sin adornos innecesarios, un disco tranquilo, sencillo y con tintes azulados.

de 5>10 mi valoración es: 7

Danilo Pérez: Providencia

Carátula del álbum Providencia

   Cada vez son más los músicos latinos que entran en el escenario del Jazz con fuerza como es el caso del Panameño Danilo Pérez, quien ya desde pequeño se empapó de la música que le enseñó su padre, Danilo recibe formación clásica y estudia con distintas becas en Estados Unidos, siendo aún estudiante ya toca con músicos como Paquito D´Rivera, en la década de los 80´s tiene una larga lista de colaboraciones Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Nuñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Gary Burton o Steve Lacy. Es en la década de los 90´s cuando adquiere madurez como músico llegando a grabar álbumes tan importantes como PanaMonk, dedicado al legendario Thelonious Monk,  el disco es nombrado "obra maestra del jazz" por el New York Times, siendo además elegido como uno de los 50 mejores álbumes de jazz piano.
     Providencia es su último trabajo en el que se exponen ideas nuevas, estilos singulares, donde se funden ritmos panameños como "el tamborito" con complejos ritmos. El disco suena a jazz renovado, en él se crean nuevos vocabularios musicales donde se entrelazan en perfecta armonía estilos, instrumentos y voces en una mezcla compleja que nos muestra otra manera de entender la música y el jazz en particular, lo clásico, el free, el hard, lo folklorico, lo afrocubano, el be bop, hasta reminiscencias de fado y como no el famoso bolero Panameño "es la historia de un amor" (Eleta Almaran) donde Danilo sin perder la armonía original del bolero crea ambientes mágicos. En definitiva el músico crea nuevas propuestas para el jazz contemporáneo.
     El disco se graba en 2010 para la discográfica Mack Avenue y son once los temas de este magnífico trabajo de jazz moderno, los músicos que conforman la grabación son: Danilo Pérez con el piano, Ben Street en el contrabajo, Adam Cruz como batería, Rudresh Mahanthappa con el saxo alto, Jamey Haddad en percusión, con las congas Ernesto Díaz, con una magnifica voz está Sara Serpa, Matt Marvuglio en flauta, Barbara Laffitte con el nada jazzístico oboe, Amparo Edo Biol con el desconocido corno francés, Margaret Phillips con el fagot y José B. Meza con el clarinete. Con este disco Danilo Pérez nos demuestra que es un músico comprometido con abrir nuevos caminos y nuevos aires al mundo del jazz.

 Clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=51OmGV8_H74 y escucha un ensayo de Danilo Pérez del tema Providencia.

De 5>10 mi valoración es: 8 

Charlie Haden: Sophisticated Ladies

Sophisticated Ladies es uno de los útimos trabajos del bajista Charlie Haden, nacido en 1937, es sin duda, un clásico dentro del panorama jazzístico, sus primeras intenciones fueron ser cantante, pero una enfermedad le estropeó las cuerdas bucales, decidiéndose entonces por cogerle prestado el contrabajo a su hermano, llegando a ser uno de los que más técnica tienen con este instrumento, que ya de por sí, no luce mucho y hay que ser muy bueno para hacerse notar. Haden se dio a conocer interpretando free jazz con el saxofonista Ornette Coleman, más tarde tocó con el pianista Keith Jarret y ha grabado discos con todos sus contemporáneos, algunos de esos discos muy especiales como el que grabó con Pat Metheny, guitarra y contrabajo ¿te imaginas?, un gran trabajo.
El disco cuenta con un total de doce temas, muy cuidadosamente elegidos, se hace acompañar en el saxo  tenor por Ernie Watts, en el piano Alan Broadbent y Rodney Green en la batería, en total nos ofrecen 60:00 minutos de un vintage musical de muy alto nivel, a todo ello añadir la inclusión de cuerdas a través de violonchellos, violines y violas, lo que da un toque refinado al conjunto, pero que por otro lado acapara gran numero de detractores.
Con Sophisticated Ladies Haden culmina una carrera de manera brillante, sacando del baúl algunas de las canciones más bellas de las últimas décadas del jazz con temas como el que da título al álbum, compuesto por Duke Ellington, se hace acompañar de vocalistas como Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot,  Cassandra Wilson o la soprano Renée Fleming, todas ellas realizan interpretaciones magistrales. El álbum suena como si algunos de los mejores jazzmen y jazzladies de todos los tiempos hubiesen regresado a nuestro tiempo, creando un ambiente clásico de hace décadas, un ambiente mágico, a la vez que totalmente actual, la primera vez que lo oí pensé que era como si Billie Holiday hubiese grabado un disco en el siglo XXI , si lo tuviera que definir,  lo haría diciendo que es un disco de libro, de jazz totalmente académico, que te cautiva desde la primera nota, donde Haden sabe lo que se trae entre manos.

Valoración personal: 9

Melody Gardot: My one and only thrill

Carátula del álbum

pincha este enlace que te lleva a una preciosa canción..http://www.youtube.com/watch?v=CBWY6W1dSvE

Melody Gardot, es una recién llegada, nacida en 1985, sólo tiene 26 años, es de la nueva generación que se están incorporando al mundo del jazz, nacida en Estados Unidos, se ha dado a conocer en España, alcanzando unas aceptables ventas con “My one and only thrill”, disco publicado en 2009 y que presenta unos temas muy bien elaborados que pasan por aires latinos, el blues y como no el jazz, a lo largo del álbum se destila cierta melancolía, incluso en temas con aires latinos que debían ser algo más festivos se denota sobriedad, en definitiva el disco está bien estructurado y una vez escuchado uno tiene la sensación de estar escuchando jazz con un sello muy personal, muy moderno, distinto, con personalidad.

No quiero pasar por alto la colaboración que realiza en el disco de Charlie Haden “Sophisticated Ladies” donde interpreta “if  i`m lucky” de forma magistral, para mí lo mejor del disco de Haden. Tan sólo cuenta con dos álbumes de estudio, uno de ellos un EP y un directo. Como curiosidad señalar a los 19 años es atropellada por un automóvil cuando iba en bicicleta y que su médico le induce a que se dedique a la música para paliar las secuelas que le pudieran quedar, así su primer disco lo compone en el mismo hospital. Sinceramente para tener tan poco recorrido musical no está nada mal.

  De 5>10 mi valoración es: 5

Keith Jarrett: Yesterdays

Carátula del disco

Clickea este enlace para oír una pieza del Yesterdays de Jarret http://www.youtube.com/watch?v=ciZFZD8Y38w

Keith Jarret, uno de los pianistas más grandes de la historia de la música y del jazz en particular, nacido en USA en 1945. Versátil y sobretodo virtuoso con el teclado, en su carrera ha interpretado lo mismo a artistas clásicos como J.S. Bach, Haendel o Mozart, que músicos minimalistas, pero destaca en el jazz de vanguardia donde ha tocado con músicos de la talla de Miles Davis, Chíck Corea, Charlie Haden, Roland Kirk, Art Blakey o Gary Burton, entre otros muchos. En 1972 comenzó sus conciertos improvisados con The Köln Concert, que le han dado fama mundial y que sin duda, es su obra más reconocida.

Durante  los últimos treinta años Keith Jarrett es aclamado como uno de los músicos más creativos de nuestra época, reconocido universalmente como un improvisador genial.  Su proyecto más duradero es The Standards Trio junto a Gary Peacock (contrabajo) y Jack DeJohnette (batería), con quienes lleva más de un cuarto de siglo actuando.  En 2009 y para el sello ECM  publica Yesterdays, que  forma una cuatrilogía con”The Out-of-Towners”, , “Always Let Me Go” y “My Foolish Heart”, ya que todos estos discos, pertenecen a la gira de 2001, grabados en el Metropolitan Festival Hall de Tokyo. Aunque hay quienes acusan a  ECM de sacar un disco de esta gira cada vez que necesita un “superventas”, sin duda estamos ante otra magnífica grabación. De lo que no hay ninguna sospecha es de que 2001 fue un año de una cosecha asombrosa para el que es considerado por algunos como  “el mejor trío del mundo”. Sólo los grandes genios son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente, el grupo de Jarrett demuestra un gran dominio del repertorio y sus directos son siempre una caja de sorpresas en la que no sabemos lo que va a pasar. Mencionar “Strollin”’,  en la que la interacción entre los tres músicos, así como el virtuosismo y la sorprendente velocidad de piano y sección rítmica son de un nivel muy avanzado. Sin embargo, quizás este sea uno de los discos en los que más destaca el contrabajo de Peacock, sus solos en “Scrapple from the Apple”  o en “You’ve Changed” se encuentran entre lo mejor que ha interpretado el contrabajista. Como colofón una versión de “Stella By Starlight”  grabada durante la prueba de sonido. Son 75 minutos de contrabajo, batería y piano con giros impredecibles y exquisitos, con una interacción del trío constante y rica en matices que tiene como resultado un disco más de esta serie de conciertos del 2001 del que “Yesterdays” es el último álbum extraído de la que es sin duda la época más productiva del jazzmen americano.

los temas de Yesterdays son:

Keith Jarret, Peacock y Jack DeJhonette

01. Strollin’ (8:12)
02. You Took Advantage Of Me (10:13)
03. Yesterdays (8:55)
04. Shaw’nuff (6:11)
05. You’ve Changed (7:55)
06. Scrapple From The Apple (9:02)
07. A Sleeping’ Bee (8:18)
08. Smoke Gets In Your Eyes (9:01)
09. Stella By Starlight (7:50)

De 5>10 mi valoración es: 8