Phil Woods: Altology

Un jovencisimo Phil Woods
en la caratula del doble vinilo

Al referirnos a Phil Woods (1933) hablamos de uno de los mejores saxos altos de la historia del jazz, aunque también toca el clarinete y es compositor. Estudia y es muy influenciado por Lennie Tristano, se le apodó como el nuevo "Bird" cuando él estaba influenciado por Charlie Parker, pero nunca trató de imitarlo, a pesar de lo cual se dijo que era la mejor influencia "blanca" que había dejado Parker. Es uno de los mejores exponentes del Be bop y en "Altology" nos da un botón como muestra.
Altology es un vinilo doble que edita el sello discográfico Prestige en 1976 remasterizado y que corresponde a grabaciones de la década de los 50´s, en concreto las caras 1 y 2 se graban el 15 de junio de 1956 y el segundo Lp y sus caras 3 y 4 se graban el 29 de marzo de 1957 y donde además se introducen temas de la época de su quinteto y sexteto "Bird feathers" y " Phil and Quill". En el primer vinillo Phil Woods toca magistralmente el saxo salto y se hace acompañar por los trompetas Donald Byrd y Kenny Dorham, el también saxo alto Gene Quill, Tommy Flanagan al piano, Doug Satkins en el bajo y Philly Joe Jones en la batería y en el segundo vinilo además del propio Woods y Gene Quill ambos con saxo alto, encontramos a George Syran en el piano, Teddy Kotick en el contrabajo y Nick Stabulas con la batería.
Lo mas destacable del disco es el emparejamiento entre Phil Woods y Gene Quill donde constantemente se complementan y se inspiran uno a otro, cosa por otro lado que también ocurre con el magnífico trompetista Donald Byrd, mientras que las dos secciones rítmicas aparecen bien diferencias en las dos grabaciones, se percibe como los dos saxos comparten el mismo estilo, y que se manifiesta en la excelente calidad de los solos, así a Woods le gusta interpretar pasajes musicales largos y ágiles mientras que Quill prefiere hacer ráfagas musicales dentro de la melodía, donde crean patrones con este estilo que los repiten incansablemente.
El doble álbum lo componen un total 12 temas, 4 para el primer disco y 8 para el segundo y hora y media aproximadamente de duración. Salvo un tema de Sonny Rollins y otro de Miles Davis, el resto son temas propios. El disco rezuma buen jazz por todas partes, auténtico be bop, una excelente grabación, unas magníficas secciones rítmicas y unos músicos solistas llenos de energía, fuerza e inspiración que nos hacen viajar por una de las etapas más brillantes del jazz.

De 5 > 10 mi valoración es: 7

George Benson: Body Talk

Caratula del disco

http://www.youtube.com/watch?v=kIDx5r0JkZY en este enlace tienes un tema de Body Talk para escuchar.

Body Talk pertenece a esa época dorada en la que el guitarrista George Benson graba para la discográfica CTI, se trata de un álbum de estudio grabado en 1973 en Van Gelder Studio de New Jersey, en la edición de vinilo cuenta con cinco temas y ya en la edición digital para CD incluye un bonus track. En la guitarra se encuentran George Benson y el también grande Earl Klugh muy compaginados, asumiendo cada cual su papel de primera y segunda guitarra, con el bajo están Ron Carter y Gary King, en la batería nada más y nada menos que Jack Dejohnette y un extra de percusión a cargo de Mobutu, Harold Marben toca el piano electrico,  cuenta también con el acompañamiento de una cuerda de instrumentos de viento formada por dos trombones, tres trompetas y un saxo tenor, que en este disco juegan un papel menor, el papel principal lo asumen las dos guitarras, el bajo y la batería, ya que a veces rozan el jazz funk. El disco está dirigido y arreglado por Pee Wee Ellis.
Body Talk pertenece a esas grabaciones legendarias que Benson realizó entre 1971 y 1976, ese camino lleno de buen sonido donde casi llegó a crear un estilo propio, con un sonido fresco, distinto, muy del momento, como siempre acompañando con sonidos guturales las notas de su guitarra, a esta época pertenecen "Bad Benson", "White Rabbit" o "Beyond the horinzon blue", todos junto a "Body Talk" forman sin duda, la mejor etapa del guitarrista, una época llena de creatividad y vitalidad que desgraciadamente se ve truncada por un cambio de tendencia de Benson que le arrastra hacía sonidos pop.

De 5 > 10 mi valoración es: 6

Charlie Haden & Michael Brecker: "American Dream"

Portada del disco

http://www.youtube.com/watch?v=yTI9oRXlvoY Clickea este enlace y saborea este aperitivo.

Disco grabado para la discográfica Verve en 2002. Charlie Haden como director y líder con el contrabajo, Michael Brecker soplando con fuerza contenida el saxo alto, Brad Mehldau con su elegancia y virtuosismo en el piano y Brian Blade con un elegante trabajo en la batería.  Haden y Brecker ambos consiguen con las teclas de Mehldau de fondo momentos de gran emotividad, de alta sensibilidad, con bellos rasgos líricos, con estilo, consiguiendo sonidos apasionados, armonizados, sonidos únicos que enriquecen el alma, virtuosismo que no es otra cosa que pura sensibilidad, los primeros segundos de escucha son suficientes para tomar el pulso a este gran álbum para empaparte de su introspección, de su calidez. En definitiva conversaciones musicales extraordinarias entre bajo, saxo y piano todo ello arropado por las baquetas del batería, como digo diálogos íntimos, precisos, con exquisitez que convierten el disco en una joya.
Acompañando al cuarteto hay una orquesta de 34 instrumentos de cuerda "La String Orchestra de Los Angeles" quien de forma discreta y lejana establece diálogos con el cuarteto pero a lo lejos en el horizonte, sin alterar la esencia del mismo, más bien produciendo un feedback de ida y vuelta que enriquece el conjunto, estando latente durante todo el conjunto como una súplica de la orquesta de cuerda por tener más protagonismo, cosa que consiguen en algunos fragmentos de la obra.
El disco lo componen un total de 12 temas entre los que se interpretan algunos de Keith Jarret o Pat Metheny, la mayoría de las canciones tienen aire experimental como la de Ornette Coleman "Bird food" aportando un poco de neo bop al conjunto y en la sentimental y popular sobre todo por las películas "America the beautiful" donde el peso lo lleva Haden con su contrabajo reforzado por la orquesta de cuerdas.
Un disco intimista, lírico, bello, con unos impresionantes arreglos y una grabación muy equilibrada, donde todos los músicos se dejan embaucar por la magia de Charlie Haden y que tiene como resultado final una auténtica obra de arte, cuanto más lo escuchas más te llena.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Miles Davis: Star People

Carátula del álbum de Davis

Clickea este enlace y escucha a Davis con su trompeta y su inconfundible sordina en "star people" http://www.youtube.com/watch?v=Eefjvxnlgbc

Desde 1975 a 1981 Miles Davis se mantiene apartado de la música, problemas con drogas y problemas de salud hacen que tenga una apatía total y una falta de creatividad, no se sentía " en absoluto capaz de tocar la trompeta y no quería saber nada de la música", es en 1981 cuando supera sus problemas y a partir de aquí graba tres discos para Columbia récords, del que "Star People" es el segundo de ellos, el tema que da título al álbum es un Blues clásico en el que la guitarra de John Scofield y la sordina de Davis anestesian los oídos y hace que te adentres, como en un sueño, en un mar de sonidos nuevos, sí de nuevo Davis investigando, no podía escapar a su necesidad de investigar con sonidos. En "Star People" se acerca al mundo del funk, del blues, de lo eléctrico, de lo mágico, de la fusión. Pese a todo, es Davis y su sonido tiene entidad por sí mismo, su trompeta, su forma de soplar, su sordina son inconfundibles.
El disco se graba en 1983, tiene aires setenteros, una duración de 58:54 minutos y consta de seis temas, de los que el tema homónimo del álbum es el eje sobre el que gira toda la obra. Miles Davis toca la trompeta y se hace acompañar por Mino Cinelu en la percusión quién está brillante y discreto, Bill Evans en los saxos tenor y alto y no con mucho protagonismo dentro del disco, Al Foster en la batería, Marcus Miller en el bajo marcando el ritmo de blues, John Scofield y Mike Stern en la guitarra eléctrica, quienes además entablan diálogos interesantes a lo largo del disco, por último también en el bajo Tom Barney.
Un álbum que merece la pena escuchar, tanto por lo intenso y complejo de las composiciones como porque se rodea de grandes músicos de los que sólo se puede esperar algo grande, como es "Star People". Un factor, sin embargo, permanece invariable y es la manera de tocar la trompeta de Miles Davis, íntenso, ágil, majestuoso, ligero, lírico, frágil, claro, como sólo lo puede hacer el Maestro.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Duke Ellington: The Ellington Suites

Duke Ellington

El pianista, compositor, director y arreglista Duke Ellington (1899-1974) apodado el Duke porque al contrario de lo habitual a principios del siglo XX, él pertenecía a una familia acomodada, por lo que con envidia, le apodaron aristocraticamente el Duke (Duque). Hablar de Duke Ellington es hablar de la historia misma del jazz desde sus inicios hasta casi sus actuales formas, elevó el jazz a niveles excelsos, convirtiéndose en el genuino Duke del jazz, aunque por derecho propio es el verdadero Rey Orquestal del género, capaz de sobrevivir como director de grandes Big Band al Be Bop y la proliferación que éste trajo consigo de solistas y pequeños grupos. Renovó el concepto de jazz orquestal hasta el último día de su vida, engrandeciendo y dignificando el concepto de orquesta utilizando para ello todas las expresiones musicales, desde el blues, el dixie hasta el post bop, pasando por la música clásica o el cine todo ello con un uso acertado del swing que fue tan exitoso en la primera mitad del siglo XX.
The Ellington Suites es un álbum de estudio que recoge una época musicalmente madura del pianista y director y que lo conforman tres Suites grabadas en 1951, 1971 y 1972 y que publica la discográfica Pablo en 1976, después de la muerte de Ellington. El disco ganó un premio Grammy a la mejor interpretación de Jazz por una Big Band. Este tipo de composiciones hacen que se produzca un giro de concepto, tanto a la hora de componer como de interpretar, pasando a ser más "formales" y con un mayor peso temático, "The Queen´s suite" con seis cortes se graba en NYC entre Febrero y Abril de 1959, "The Goutelas suite" también con seis cortes se graba en NYC en 1971 y "The uwis suite" con tres cortes se graba en NYC en octubre de 1972, cada una de las suites tiene una formación musical distinta y que por extensas no voy a nombrar aquí en su totalidad solo como muestra, músicos como Clark Terry, Cootie Williams o el propio Ellington.
El creador de "Mood indigo" o "Sophisticated Ladies" nos muestra en The Ellington Suites otra cara menos popular, con menos swing y cercana a veces al impresionismo clásico, con un disco muy bien estructurado y dirigido que nos hace ver la Big Band desde otra perspectiva más culta, más intimista, sofisticada, elegante y elaborada. El resultado es de los mejores trabajos del pianista.

De 5>10 mi valoración es: 9

Stan Getz & Bill Evans: Night and Day

Caratula del disco

Corría el mes de Mayo de 1964 en NYC, concretamente los días 5 y 6, para la grabación de este álbum en los estudios de la discográfica Verve, allí se reunieron en estas dos únicas sesiones Stan Getz (1927-1991) con su saxo tenor, Bill Evans (1929-1980) en el piano, Getz y Evans, Evans y Getz, dos talentos de la música, cada uno con un fuerte ego, tuvieron el tino de juntarse y dejar esta grabación para los anales de la historia, era la única que vez que se reunieron para una grabación de estudio. Cuando dos músicos de la talla de Getz y Evans se reúnen con un mismo objetivo, que no es otro que el de tocar jazz, el resultado sólo puede ser magnífico. Se hacen acompañar el primer día de sesión por el contrabajo Richard Davis quien deja paso a un muy joven Ron Carter el segundo día de grabación, en la batería se encuentra nada más y nada menos que Elvin "tambores" Jones.
"Night and Day" coge el título de un famoso tema de Cole Porter, consta de un total de 11 temas y 62 minutos de muy buen jazz, del mejor, de ese que se establece cuando hay química dejando momentos memorables, Stan Getz con el calor que sabe dar a sus tonos y el delicado y cuidadoso fraseo de su saxo, hay que unir el lirismo, la elegancia y delicadeza  de Bill Evans, la rudeza, a veces, de Elvin Jones y los dos contrabajistas bordan su trabajo, en conjunto consiguen un sonido bien armonizado, donde Stan Getz logra solos de una absoluta belleza que químicamente enlazan con el pianista que hace que la música fluya de manera natural y formidable. Hablamos de uno de los grandes álbumes del jazz de una enorme calidad jazzística realizada por dos gigantes, un disco que ha de ser saboreado por todos los amantes del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 8

Charlie Mariano: Helen 12 Trees

Portada del vinilo

El disco está grabado los dias 6,7 y 8 de mayo de 1976 en Alemania en la Unión Studio Munich-Solin para la discográfica MPS, todos los temas (excepto "Thorn of a white rose" de Jam Hammer) del mismo están compuestos por el saxofonista (alto y soprano) Charlie Mariano (1923-2009) quien además toca la flauta. Muy influenciado por John Coltrane aunque su carrera musical adolece de constancia, diferenciando dos etapas bien marcadas, una ortodoxa junto a Charles Mingus, Toshiko Akiyoshi, Chico Hamilton o Quincy Jones, de aquí al final de su carrera se mueve en distintos ámbitos musicales, mostrando gran interés por las diversas modalidades de la música asiática, lo que hace que su trayectoria musical sea irregular con muchos aciertos y también muchos errores, aún así crea un discurso musical propio, lleno de referencias a Coltrane pero con sello personal y creando un sonido distinto.

"Helen 12 Trees" es sin duda, uno de los mejores discos grabados por Mariano como líder, con un estilo de jazz fusión y jazz rock, consigue una musicalidad con cuerpo y espíritu a la par, combinando con sabiduría los elementos del jazz rock con los de la fusión de la música híndú, de esta cultura toca un instrumento llamado nagaswaran de aspecto similar al oboe, pero con una tonalidad más peculiar, casi exótica, lo podemos oír en varios temas. El disco consta de siete temas y una duración total de unos 40 minutos. Se hace acompañar por el checo Zbigniew Seifert, referente europeo junto a Jean Luc Ponty con el violin, Jan Hammer piano acústico y eléctrico y sintetizador con un sonido más aterciopelado que el usado en la Mahavishnu, Jack Bruce con un bajo Fender con aires jazzísticos, John Marshal con fuerza rockera en la batería y Nippy Noya con aires exóticos en la percusión, con este personal sólo se puede esperar un disco de primera como así es, dando como resultado un disco con cierto misticismo, con aires setenteros, bien elaborado, fresco y con una fusión equilibrada, el disco lo adquirí a principios de los 80´s y para mí es una referencia obligatoria del jazz-fusion-rock.

De 5>10 mi valoración es: 6