Bobby Bryant : Big Band Blues

Caratula del álbum en España

Bobby Bryant (1934-1998) es uno de esos músicos que el paso del tiempo en lugar de rescatarlos y elevarlos a su justo lugar, les echa encima una capa de polvo hasta cubrirlos en casi su totalidad, éste es el caso del trompetista y fliscornista de Hattiesburg (Mississippi), subestimado como solista, a pesar de ser muy valioso como músico sobre todo por la amplia gama de registros que aporta con su trompeta, con la que conseguía un sonido contundente, aunque también tocó el saxo tenor. La carrera musical de Bryant ha sido más como músico de estudio, profesor o freelance de distintas formaciones, sus colaboraciones más importantes se producen con Charles Mingus, Horace Silver y sobre todo con Oliver Nelson con quién graba tres álbumes. Como líder tiene en el mercado 5 discos grabados, del que Big Band Blues es el primero de ellos, grabado para la discográfica Vee Jay en 1959 y producido por Sid McCoy.
Big Band Blues cuenta con 10 temas donde encontramos el famoso "Round midnight" de Monk o "love for sale" de Cole Porter, tres de los temas son compuestos por el mismo Bryant "Blues excerpt", "Sleepy" y "Harlem rain", los arreglos son también realizados por Bryant y la grabación cuenta con  una duración cercana a los 40 minutos. La Big Band está compuesta por Bobby Bryant, John Howell, Marty Marshack y Fortunatus Ricard en las trompetas, John Avant, Bill Porter y Louis Satterfield en los trombones, James Spaulding, Bill Adkins, Willie Randall, Eddie Wiiliams y George Hunter en la línea de saxofones, donde destaca Adkins en el saxo alto y Spaulding y Williams con el saxo tenor, la sección rítmica está formada por Robare Edmondson al contrabajo y Marty Clausson en la batería, además en el piano está John Young y en la guitarra Wilbur Winn. 16 músicos que dan cuerpo, vigor y energía a esta grabación, hay que precisar que esta no era una formación estable, sino reunida para la ocasión en el estudio para la grabación, por eso resulta sorprendente el ajuste y la precisión que manifiesta la orquesta.
El Blues es uno de los pilares básicos en los que se asienta el Jazz y Bobby Bryant con "Big Band Blues" realiza su reconocimiento personal a este género.

De 5 > 10, mi valoración es: 5

Jazzplay cumple años

Hace un año inicié una nueva aventura cuyo diseño tuve claro desde el principio, aquella andadura en forma de Blog se llamó inicialmente Jazz Play Emotion y se editaba en Word Press, plataforma a la que le estoy muy agradecido. El primer cambio vino a las pocas semanas simplificando el nombre que pasó al actual Jazzplay, algunos meses después vino otro cambio que fue el de plataforma a Blogger con la que me siento más cómodo.
Desde aquel 25 de mayo de 2011 he publicado 93 posts referidos sólo a "Los mejores álbumes de Jazz", el camino por andar es infinito, apenas he comenzado y como la ilusión va en aumento constante Jazzplay tiene un compromiso de seguir publicando posts en esta línea. En este tiempo han visitado el Blog 7043 curiosos de 47 países distintos de todo el planeta, la cifra es modesta, pero a mí me llena de orgullo. También he creado una lista en Twitter y otra en Facebook a las que se puede acceder desde las pestañas superiores del Blog y donde encontrarás un espacio abierto donde intervenir y encontrar todo lo relacionado con el mundo del Jazz.
Jazzplay me ha ayudado a conocer otros muchos Blogs y Personas que reman en la misma dirección y que hacen grande esta disciplina musical, he ganado amigos y he descubierto un mundo interesantísimo. He aprendido mucho sobre Jazz, he re-ordenado mis ideas, mis conceptos, los he puesto en su sitio y no paro de aprender con entusiasmo.
El primer post que publique fue "El Jazz es Vida" una breve declaración de intenciones donde confieso que soy melómano y que el Jazz es un estado anímico, hoy un año después ese estado anímico está intacto y lleno de "endorfinas". Doy las gracias a Jimmy y Tommy Dorsey porque gracias a ellos me interné hace muchos años en el maravilloso mundo del Jazz, mundo que no deja de sorprenderme. Adjunté en ese primer post un vídeo que hoy quiero repetir porque está lleno de vida, de alegría, de entusiasmo como el jazz mismo.
Primer cumpleaños, así que soplamos la velita y a crecer. Gracias a todos los que de vez en cuando os acercáis por aquí.

El vídeo es de Wynton y Ellis Marsalis:

Bobby Watson: Love Remains

Portada del álbum

Es uno de esos álbumes que en la primera audición ya dices "pedazo de disco"; Love Remains es una grabación llena de fuerza, de energía, con ritmos cambiantes desde lo más desenfrenado a las baladas mas tiernas y sugerentes, en un desafío constante que no cesa durante toda la sesión, donde la improvisación y el virtuosismo no dejan de sorprendernos a cada nota.
El saxofonista de Kansas Bobby Watson (1953), proveniente de los Jazz Messengers de Art Blakey, es durante la década de los 80´s uno de los saxos altos más destacados y aunque ha publicado otros álbumes, no ha superado "Love Remains" porque es un disco singular y lleno de belleza interpretativa, de los que marcan época, sin duda, no sólo uno de los mejores trabajos de Watson, sino también uno de los mejores discos de la década de los ochenta. Hard Bop avanzado de altísima calidad.
Un saxofonista de muchos quilates que se hace acompañar por John Hicks al piano, Curtis Lundy al bajo y en la batería Marvin "Smitty" Smith, formación que nos deja temas memorables como el que inicia el disco "The mistery of ebop" o la increíble balada homónima del álbum "Love Remains" que al escucharla te estremece el alma, de la que te dejo abajo un enlace para que la disfrutes, sin olvidar la que dedica a Nelson Mandela "Dark Days". Son un total de siete temas, donde salvo ""Sho Thang", todos están compuestos por Watson, grabados para la Red Récords, tiene una duración de aproximadamente 44 minutos.
Se trata de un gran trabajo donde Watson (que también toca el saxo soprano) destaca con su saxo alto, muy bien arropado por su cuarteto que realizan un muy digno trabajo, haciendo lo que se espera de ellos. El disco es pura dinamita.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Te dejo el vídeo con el estremecedor "Love Remains"

Donald Byrd: Mustang

Portada del vinilo

"Mustang" es un disco de los que gusta oír, por sencillo, de un estilo hard bop bien definido, de melodías muy bien interpretadas y no complicadas en su ejecución, con una excelente base rítmica y una sucesión de solos de viento interesantisima. El pié y el chasquear con los dedos de la mano se te van solos sin que te des cuenta acompañando la música.
 Donald Byrd (1932) hizo muchos discos interesantes durante la década de los sesenta, así "Mustang" se convierte en el primero de los cuatro álbumes que grabó en distintas sesiones para la Blue Note donde trompeta, saxo alto, saxo tenor y piano se convierten en las estrellas del sexteto de la grabación original que se realiza el 24 de junio de 1966, treinta y un años después de remasteriza la grabación y se edita un CD que incluye dos bonus tracks grabados en el estudio de Van Gelder en New Jersey el 18 de noviembre 1964, con Jimmy Heath (saxo tenor) y Joe Chambers (batería). Los créditos de la primera edición son: Donald Byrd con la trompeta, Walter Booker en el contrabajo, Hank Mobley con el saxo tenor, Sonny Red en el saxo alto y que es el músico que más juego da de la formación, en los teclados un prudente y ya destacado McCoy Tyner y en la batería Freddie Waits.
"Mustang" cuenta con 8 temas y tiene una duración de 57 minutos, pistas como "Mustang", "Dixie Lee" o "Fly little bird, Fly" son especialmente brillantes y donde el trompetista de Detroit se luce junto a Sonny Red convirtiéndose en los auténticos protagonistas de la grabación, pero es de justicia destacar a todo el grupo por la energía que derrochan durante toda la sesión, consiguiendo unos registros fantásticos tanto con los temas compuestos por Byrd como con los ajenos que son un tema de Duke Ellington y el que da título al disco que es de Sonny Red, pero que lo firma con su verdadero nombre Sylvester  Kyner, el resto de temas son de Donald Byrd. En definitiva es un disco agradable, muy bien ejecutado y muy equilibrado en conjunto.

De 5 > 10, mi valoración es: 7


Te dejo un video con el tema "Dixie Lee" 

Booker Little: Out Front

Portada del mítico vinilo

Comenzaré diciendo que "Out Front" es uno de los discos incluidos en el libro "los 100 mejores discos del jazz", sin duda el mejor disco como líder  de los cuatro que Booker Little (1938) nos dejó como legado, un disco certero, equilibrado, denso y muy completo.
Pocos músicos pueden dejar una huella tan grande como la que nos dejó Booker y más teniendo en cuenta su efímera vida ya que fallece con apenas 23 años de edad, es decir cuando cualquier músico se está formando. A esa edad Booker Little ya tenía una personalidad como músico muy marcada, se había formado en el Conservatorio de Chicago , donde poco después comienza a colaborar con Sonny Rollins quien a su vez le presenta al batería Max Roach con quien comenzaría una andadura breve pero muy fructífera, tuvo también la oportunidad de grabar junto a John Coltrane "Africa/Brass".
"Out Front" se ha convertido en un disco de culto. El álbum se graba en una sesión celebrada el 17 de Abril de 1961 en los estudios Nola Penthouse de NYC, cuenta con un total de siete temas, todos compuestos por Booker y una duración de 42 minutos. El acompañamiento es de lujo, además del propio Booker Litte con la trompeta, añadimos al explosivo y también entonces muy joven Eric Dolphy con el saxo alto, la flauta y el clarinete bajo, Julian Priester también con los vientos del trombón, el gran Max Roach con la batería, al bajo se intercalan Art Davis y nada más y nada menos que Ron Carter y por último con el piano Don Friedman.
 Con recursos técnicos adquiridos de su formación, tiene además "otros" recursos y habilidades innatas que supo aplicar con maestría y una madurez impropia, se alejó del academicismo creando un estilo musical propio, a veces áspero y demasiado denso, intenso y siempre brillante con un gran potencial y una gran imaginación que demuestran una gran autoridad, fue un buscador, un explorador, logrando un sonido genuino y personal. Adquirí el disco a principios de los 80´s y desde entonces tiene un lugar destacado en mi biblioteca musical, para mí era el disco de un desconocido, hoy es un tesoro.

De 5 > 10, mi valoración es: 9


Te dejo un enlace :

Jack DeJohnette, John Patitucci & Danilo Pérez: Music We Are

Portada del disco

Jack DeJohnette (1942) lidera este disco, el veterano y sorprendente batería se hace acompañar por músicos de otra generación que empujan fuerte desde hace tiempo, hablamos de John Patitucci (1959) bajista nada convencional y Danilo Pérez (1965) con un estilo propio al piano y los teclados. Los tres músicos habían tenido actuaciones o colaboraciones cruzadas, pero nunca habían coincidido lo tres como trío. Sin duda, son tres singulares músicos de jazz de los que no podía salir más que un singular álbum "Music We Are", el disco se graba para la Golden Beams Productions en el estudio de Catskills el 14 de Abril de 2009 y todo él está impregnado de un aire melancólico, alegre y a la vez intimista, se percibe que los músicos se lo pasan bien grabando este disco, pero también se percibe el fuerte carácter de los tres músicos, sus estilos distintos y la fuerte personalidad de cada uno de ellos con sus instrumentos, lo que hace que no se perciba un líder claro, en este caso por cuestión de edad, trayectoria y respeto el líder asumido es DeJohnette.
Se trata de un trío, pero con "trampas" ya que cada músico dobla algunos de los instrumentos, así encontramos a DeJohnette tocando su clásica melódica en dos de los temas, Patitucci toca el bajo acústico, el contrabajo con arco y un bajo de 5 cuerdas, por su parte Danilo Pérez toca lo mismo el piano que los teclados. Lo que se nota durante toda la grabación es que el bajo y el piano de Wayne Shorter tienen mucho peso en esta grabación repleta de cambios de ritmos, de una espontaneidad manifiesta que se traduce en un proceso creativo muy interesante, repleto de atractivas composiciones, donde la música en sí transciende el formato del trío para extenderse más allá, lleno de alegres y a la vez oscuros y profundos matices, una química que se desborda cuando estos tres músicos se reúnen en el estudio de grabación, recorriendo un amplio territorio estilístico que va desde un clasicismo abstracto a los aires folclóricos  y de aquí a la más pura tradición del jazz.
El álbum lo componen un total de 11 pistas y 10 temas ya que uno de ellos se divide en dos movimientos, tiene una duración de 63 minutos y destacan  temas como "Tango African", "Panamá Viejo" o "Cobilla".

De 5 > 10, mi valoración es: 8


te dejo este vídeo de la grabación:

Pat Metheny: What´s It All About

Caratula del álbum de Metheny

Nunca se sabe con qué nos va a sorprender Pat Metheny (1954) en su próximo concierto o en su próxima grabación, ¿ y a continuación qué ?... lo que sí es seguro es el grado de compromiso, fiabilidad y calidad  con la que siempre el guitarrista de Missouri da su especial "Touch" a todo lo que hace. Es intrínseco, coherente consigo mismo, ese grado de búsqueda, de investigación, de cambio constante, de encontrar nuevos caminos por los que el jazz pueda avanzar. Casi cuatro décadas y alrededor de cuarenta discos editados como líder y es el primer álbum donde no encontramos ningún tema compuesto por Metheny, todos son temas ajenos, éxitos o no, de la década de los 60´s de género pop o rock.

 Metheny no ha tenido reparos en publicar What´s It All About donde interpreta con "sus guitarras" diez temas que para él tienen un significado especial, el músico con su guitarra y un puñado de canciones que marcaron los inicios de su afición musical. Todo ésto encaja sin chirriar lo más mínimo en la carrera de uno de los más grandes, destacados y prolíficos compositores de la historia del Jazz, es una ventana que se nos abre al "subconsciente" de Metheny. Interesante. El guitarrista ha tenido una actividad tan intensa durante los últimos años que sin duda What´s It All About marca una cambio de ritmo en su trayectoria, sólo un capítulo más en esa búsqueda incesante a la que nos tiene acostumbrados. Abre el álbum el tema "The Sound of Silence" de Simon & Garfunkel interpretada con la guitarra Pikasso de 42 cuerdas, para a continuación desplegar sus dotes con la acústica en "Pipeline" o "And a love Air" de The Beatles donde le da cierto aire latino y hace un auto-acompañamiento genial ya que parece que hay más de una guitarra, otros temas son "Garota de Ipanema" de Jobim o Slow hot wind" del célebre H. Mancini, así hasta un total de diez temas, algunos de ellos de cuando el propio Metheny aún no tocaba ningún instrumento. Es importante señalar que el tema 1 está interpretado con la guitarra Pikasso de 42 cuerdas, los temas 2,3,5,6,7,8, y 9 con la guitarra barítono, el tema 4 con la guitarra de seis cuerdas y el tema 10 con la guitarra de cuerdas de nylon.

En conjunto es un disco muy interesante, donde cada canción  recibe un trato especial, centrándose en la calidad musical de los temas, en sus melodías que es lo que a él le interesa, dejando a un lado las letras de las mismas que en su opinión juegan un papel superfluo, ofreciendo su particular visión sobre cada uno de los temas. El disco se graba para la WB Récords en los Estudios que el propio guitarrista tiene en su casa.

Un álbum intimista, lírico, tranquilo, capaz de crear un ambiente mágico con su escucha. 

De 5 > 10, mi valoración es: 8


Te dejo este enlace como aperitivo:

Lester Young: The Master´s touch

The master´s touch es de esos discos que pierden peso gracias a una nefasta gestión de las discográficas, se trata de temas alternativos, cogiendo como base 11 temas de Lester Blue y ampliándolos hasta 20 pistas, repitiendo algunas de las tomas hasta en cuatro ocasiones, por otro lado los créditos en algunas de las sesiones es incompleto o inexistente, dependiendo de las ediciones, el mismo disco aparece con caratulas distintas, alguna de ellas no muy afortunada en su diseño, lo que hace que el resultado final sea algo caótico. No obstante, tratándose de Lester Young (1909-1959) o "Prez" como le apodó Billie Holiday, (o tambien "Pres" abreviatura de "Presidente de los saxos tenores")  no puede tratarse de un mal disco.
Son grabaciones realizadas por el sello Savoy en 1944 (entre el 18 de Abril y el 1 de Mayo) y otras cuatro grabaciones realizadas en 1949, todas  ellas son tomas alternativas, así el disco discurre sobre 20 pistas que cubren 11 temas con una duración total de 54 minutos. Otro de los errores de la edición es no explicar en la portada del disco que se tratan de tomas alternativas, creo que es una información necesaria para el comprador.
Los créditos que aparecen son,  además de Count Basie, Harry "Sweet" Edison, Al Killian, Ed Lewis y Joe Newman con la trompeta, Ted Donnelly, Eli Robinson, Lou Taylor y Dickie Wells en los trombones, Jimmy Powell saxo alto y Earl Warren también en saxo alto y voz, Buddy Tate con el saxo tenor, Rudy Rutherford con saxo barítono, Clyde Hart al piano, Freddie Green con la guitarra, Rodney Richardson con el bajo y Jo Jones con la batería.

Imagen típica de Lester Young, con su
enorme saxo, sus trajes ostentosos y
el sombrero de piel de cerdo

A pesar del caos discográfico, la música de Prez es única, fue el creador de un lenguaje musical único, parco y melancólico y a veces excesivamente cerebral, original y muy influyente, además de un auténtico maestro del Blues y un poeta del jazz, con un gran sentido del ritmo y del swing que reflejaba continuamente en sus improvisaciones y sobre la que se construye toda la tradición del saxo tenor en el jazz, sin duda una de las figuras más importantes de la transición entre la preguerra y el Be Bop.
Si tienes varios discos de Lester Young "The Master´s touch" te ayudará a conocerlo mejor, si tu biblioteca musical es escasa en discos de Prez, no te compres este disco. Considero también un ultimo error llamar al disco "The Master´s touch" tratándose de tomas alternativas.

De 5 > 10, mi valoración es: 6

Howard McGhee & Illinois Jacquet: Here comes Freddy

Caratula del disco

Here comes Freddy, es una de esas grabaciones donde se puede disfrutar del dúo McGhee y Jacquet, trompeta y saxo tenor, unidos por el productor Sam Charters.
Howard McGhee (1918-1987) fue uno de los primeros trompetistas Be Bop, con una actividad un tanto irregular, lo mejor de su carrera musical lo podemos encontrar durante el último lustro de la década de los cuarenta, encontrándose después épocas de inactividad importantes sobretodo de los 50´s a los 70´s, lo que hace que que su nombre suene a artista segundón, cuando en realidad hablamos de un trompetista de primera. Por su lado Illinois Jacquet (1922-2004) que comienza tocando el saxo alto para finalmente decantarse a iniciativa de Lionel Hampton por el saxo tenor con el que nos ha brindado durante décadas momentos inigualables, de una trayectoria uniforme y brillante.
Sam Charters de alguna manera, con esta unión, además de juntar a dos grandes del jazz, quiso a través de Jacquet, revitalizar a un casi olvidado McGhee, así con mucho respeto hace que Jacquet se una al quinteto del trompetista para darle brillo al conjunto, así aparece McGhee como líder y Jacquet como co-líder y la idea funcionó bastante bien y gracias a este disco podemos escuchar a un brillante trompetista de la época dorada del Be Bop donde aún hace aportaciones muy interesantes y a un brillante y rugiente  Illinois Jacquet que vertebra toda la grabación.
"Here comes Freddy" se graba el 31 de marzo de 1976 en NYC y el disco cuenta con un total de 8 temas, tres de ellos de McGhee, dos del batería W. Bolden y otros tres standars, donde además del tema que da nombre al álbum, destaco "Suite for Dru" y "Stardust" donde se ve la categoría de estos dos músicos. El sexteto está formado por Howard McGhee en la trompeta, Illinois Jacquet con el saxo tenor, Bugs Dyer con el saxo alto, Jim Roberts al piano, Lisle Atkinson con el contrabajo y Walter Bolden en la batería, como digo, todos miembros habituales del grupo de McGhee, entre todos configuran un estupendo disco, imaginativo y a la par conservador y sobretodo bastante equilibrado.

De 5 > 10, mi valoración es: 6