Thelonious Monk: Monk´s Blues

Thelonious Monk es uno de esos músicos con mucho peso especifico, poseedor de un estilo único y personal, su música se ha extendido a generaciones de músicos que le han venerado por excéntrico y adelantado a su tiempo. Me gusta el Monk de formaciones pequeñas o el mejor Monk enfrentándose solo al blanco y negro del teclado de su piano, ahí, en las distancias cortas era un gigante. En 1968 decide dar un triple salto mortal y hacer algo que nunca antes hizo, tocar con una Big Band, Monk´s Blues, grabación detestada y muy criticada por los snobs del jazz, sobre todo por la dirección que estuvo a cargo de Oliver Nelson y que no estuvo a la altura del personaje, lo mismo que el productor Teo Macero que incluye dos temas livianos, superficiales y que dañan la imagen de Monk, además el piano no luce como se merece, se asfixia detrás de unos vientos sobreexcitados, aún así es Thelonious Sphere Monk y el álbum nos guarda momentos inéditos, por poder oír a Monk con una Big Band y momentos donde el piano gana por goleada a la multitud de instrumentos que intentan ir al unísono, si bien se aprecia que el pianista de Rocky Mount se maneja mejor en ambientes más íntimos y relajados.
El disco se graba para la Columbia Récords, tiene en su edición en vinilo nueve temas, a los que en 1994, en la edición digital en CD se añaden dos nuevos temas Blue Monk y Round Midnight, ésta última en sólo piano en vivo, la duración total del disco es de 56:27 minutos. Los créditos son: Thelonious Monk al piano, Larry Gales al bajo, Ben Riley y John Guerin a la batería, Ernie Small, Gene Cipriano, Buddy Collette y Tom Scott en la cuerda de saxofones, Bobby Briant, Freddie Hill y Conte Candoli en la cuerda de trompetas, Lou Blackburn, Bob Bralinger, Billy Byers y Mike Wimberley en trombones y Howard Roberts en la guitarra.
Una obra atípica, de un autor atípico, donde encontramos interpretaciones que no casan con el estilo del autor, pero donde ese mismo autor, nos deleita con algunos solos francamente buenos e interesantes.

Valoración personal : 7

Miles Davis: Tallest Trees

Caratula del doble vinilo

Talles Trees es un álbum de Davis que recoge distintas grabaciones de los cincuenta, en concreto entre el 53 y el 56, distintos momentos del trompetista de Alton (1926-1991) quien en esos años se encontraba en uno de sus momentos más inspirados y creativos, donde dio personalidad y definió el sonido que era capaz de exprimir de su trompeta, aunque estuvo toda su vida por distintos derroteros que le condujeron a distintos momentos musicales (cool, hard-bop, jazz modal, vanguardia, fusión...), a mediados de los cincuenta Davis rezumaba Bebop por todos los poros de su piel, como todo lo que hizo en su carrera artística brilló con una fuerza inusual y con un fuerte liderazgo entre sus colegas de la época, ya en esos años Davis era un innovador que destacaba por su forma pausada, suave, melódica que le daban ese toque tan personal e intimista. Sacaba un sonido a su trompeta que le pertenecía, era el sello indiscutible del artista, su marchamo de calidad y originalidad, embriaga oír su sordina de acero Harmon.
El disco aún siendo un recopilatorio de varias sesiones, es una auténtica joya por la calidad que albergan sus temas, la mayoría estándares del jazz y por el elenco de músicos que le acompañan en esas sesiones, todo un lujo que dan como resultado un trabajo brillante digno de Davis y sus distintas formaciones. El doble vinilo sale a la venta en 1972 por el sello discográfico Prestige y recoge distintas selecciones, cada una de ellas con distintas secciones y músicos, son en total 12 temas: Bag Groove, The Man I Love, Swing Spring y Bermsha Swing se graban el 24 de diciembre de 1954 y los créditos son Davis a la trompeta, Milt Jackson al vibráfono, Thelonious Monk en el piano, Percy Heath al bajo y en la batería Kenny Clarke, suenan a MJQ sobre todo en Bag Groove tema que abre el disco; el tema Smooch se graba el 19 de mayo de 1953 y Davis toca la trompeta, encontramos uno de esos momentos en los que Charles Mingus deja el contrabajo y se sienta delante del piano (genial), Percy Heath en el bajo y Max Roach en la batería, Miles Ahead se graba en la misma fecha que el tema anterior con la diferencia de que el piano lo coge John Lewis, el resto del cuarteto permanece invariable;  Grabado el 29 de junio de 1954 los temas Airegin, Oleo, But Not for Me y Doxy,  están interpretadas por un quinteto memorable con Davis en la trompeta, Sonny Rollins con el saxo tenor, además compone tres de los temas, Horace Silver en el piano, Percy Heath al bajo y Kenny Clarke en la batería; Blue Haze se graba el 15 de marzo de 1954 con Davis en la trompeta, Horace Silver al piano, Percy Heath al bajo y Art Blakey en la batería; El corte mas tardío es Round About Midnight que se graba el 26 de octubre de 1956 y que cuenta con Davis en la trompeta, John Coltrane con el saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones en la batería, quizá el tema más flojo, o como mucho una versión más del afamado tema, que aquí no destellea como debiera.
Los créditos de todos los temas son un lujo para los sentidos, aquí está lo mejor de lo mejor de la época, tanto buen músico junto no podía tener otro efecto que el de un disco impecable en su ejecución e insuperable en la interpretación, con una excelente grabación y remasterización de la que se encargó el gran Rudy Van Gelder, le pongo un pero, es que se han mezclado los temas de las distintas sesiones, lo que le quita valor, aunque la grabación conserva un estilo uniforme y homogéneo. Cuando se escucha Talles Trees se está escuchando historia viva del jazz, brilló tanto en su día que sus destellos llegan hasta nuestros días.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Disfruta de este vídeo del tema Bags´Groove que abre el disco

Horace Silver: Song for My Father

En la portada del disco, la imagen
pertenece al Padre de Horace Silver
John Tavares Silva

Como bien indica el nombre del álbum el pianista de Connecticut,  Horace Silver (1928) dedica el disco a su padre al que amaba mucho y lo hace a modo de reconocimiento, de él recibe sus primeras influencias musicales, música folclórica de Cabo Verde que escuchaba a su padre que era oriundo de Portugal, ésto junto a las influencias de Monk y Bud Powell, dan como resultado uno de los músicos que mejor ha trabajado y entendido la fusión, si bien, probablemente fue el músico de jazz más subestimado de su época.
" Song for My Father", se graba para la BlueNote en 1963 en New Jersey, cuenta con un total de 7 temas , que en la edición en cd se le suman tres bonus track, todos de una excelente factura, abre el disco el tema homónimo del álbum, se trata de una Bossa en la que se pueden apreciar las influencias de sus raíces caboverdianas, aunque sin olvidar nunca el hard bop del que es considerado una figura indiscutible, aunque el mismo Horace Silver reconoció que un viaje realizado a Brasil le sirvió de inspiración para componer este tema, aunque en todo el álbum nos demuestra su destreza para abordar otros géneros como el funky, gospel, R&B, blues, pasando por temas latinos u orientales, creando una amplia y rica textura multicultural en sus grabaciones.
En cuanto a la formación del grupo utiliza el quinteto para la interpretación del tema "Song for Muy Father", si bien durante toda la grabación va alternando los músicos, así encontramos a Horace Silver en el piano en todo el álbum, en los temas 1,2,4 y 5 la formación era: Carmell Jones en la trompeta, Joe Henderson  con el saxo tenor, Teddy Smith con el contrabajo, Roger Humphries en la batería, por otro lado en los temas 3,6 y 10 la formación estaba compuesta por Blue Mitchell en la trompeta, Junior Cook con el saxo tenor, Eugene Taylor en el bajo y Roy Brooks en la batería.
El álbum marca un antes y un después en la carrera de Horace Silver y es considerada su obra maestra, se encuentra incluido en el libro "los 100 mejores discos de Jazz". El secreto consta de varios elementos: ráfagas musicales pegadizas unidas a una sección rítmica que tira para adelante en todo momento como intentando levantar la música, creando pausas instrumentales a menudo complejas que surgen sin esfuerzo en un constante feedback creando además ricas melodías subyacentes a la melodía troncal, todo ello junto a la rica variedad de géneros que aporta un tinte ligeramente exótico y es que Horace Silver siempre fue un maestro en conseguir el equilibrio entre ritmos fugaces y armonías complejas, dotando sus interpretaciones de una mezcla única de terrenalidad y sofisticación. Un desafío intrincado y constante entre el fraseo musical y el ritmo que a veces ocasionaba una ligera tartamudez musical, que por otro lado caracteriza a Silver. Se trata de un disco asequible a todos tanto para expertos como para neófitos.Un disco que se hace indispensable en tu biblioteca musical.

De 5 > 10, mi valoración es: 9


Te dejo un video con "Song for My Father"

Thelonious Monk: Brilliant Corners

Caratula del disco

Brilliant Corners es seguramente la obra maestra de Monk y la más perdurable en el tiempo, uno de los más hermosos y uno de los mejores discos de la historia del jazz. Lo que supuso para Thelonious Monk (1917-1982) fue un reto, una firme reivindicación después de serle retirada por un asunto de drogas la licencia como músico, estuvo más de un lustro sin poder tocar en los clubs de NYC. Brilliant Corners es aire fresco para Monk, así en otoño de 1956 tuvo la oportunidad de grabar un álbum con temas propios y con los mejores músicos disponibles y Monk no perdió esta oportunidad, compuso tres de los cinco temas con los que cuenta el álbum, siendo el tercer disco que graba para Riverside, se hizo en tres sesiones el 9 y 15 de octubre y el 7 de diciembre de 1956, lo produce Orrin Keepnews y cronológicamente se sitúa entre "The unique Thelonious Monk" (1956) y "Thelonious Hinself" (1957), se lanza al mercado en 1957.
La grabación cuenta con cinco temas y tiene una duración cercana a los 43 minutos. El primer corte homónimo es una compleja composición, conocida por su extraña melodía y la duplicidad del tempo, que necesitó más de 25 tomas diferentes para finalmente sólo ser posible gracias a un empalme de dos tomas distintas, un tema audaz que nunca ha perdido su poder para sorprender y seducir décadas después. El otro tema por importancia es "Pannonica", el tercer corte y dedicado a su protectora Nica Rothschild, la baronesa de Koeningswarter, en cuya casa murió cuidado por ella, una década después de retirarse bruscamente de la vida pública. "Pannonica" es un tema que destaca por dos razones, la primera porque Monk toca la celesta un instrumento a medio camino entre el piano y el vibráfono y simultánea piano y celesta y el segundo motivo es porque Sonny Rollins hace una interpretación genial y uno de sus mejores solos de baladas, es como si el saxofonista hubiera poseído e interiorizado la composición de Monk y éste le respondiera cariñosamente metiéndose en su solo.
Los músicos que acompañan a Monk son: Ernie Henry con el saxo alto, Sonny Rollins al saxo tenor, Oscar Pettirford y Paul Chambers en el doble contrabajo, Max Roach en la batería y Clark Terry con la trompeta. Rollins y Monk vertebran el disco y Max Roach une al grupo con su capacidad polirrítmica.
Pocos músicos tienen la originalidad de Monk, uno de los padres del Be Bop, estrafalario, pero con lógico rigor, que le hace dueño de esas melodías truncadas, distorsionadas, de esos patrones que permiten la interrupción repentina del ritmo, esos extraños vericuetos difíciles de entender, esa música que suena con aspereza urbana, que le hace artífice como innovador y aportar al jazz un sonido nuevo, distinto, diferente, supuso un hito musical en su momento. Thelonious Monk personificó la originalidad artística, la indiferencia a las normas y su excentricidad personal para realizar interpretaciones y composiciones cargadas de elegancia y una extraña belleza.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Un video con el tema "Brilliant Corners"

Dexter Gordon: Round Midnight

El film nos lleva a un callejón oscuro, a la profundidad de un Club de Jazz, en París, en cuyo escenario encontramos a Dexter Gordon dando vida a un saxofonista alcohólico y drogadicto, sin más vida que su hotel y su Club de Jazz, su vida se transforma cuando un aficionado entra en su mundo y hace cambiar su destino renaciendo artísticamente, ésta es una resumida sinopsis de la película del francés Travernier para entrar en ambiente de lo que es su B.S.O. "Round Midnight" es ante todo un musical donde importantisimos músicos tocan en directo sobre un escenario de jazz (sin playblacks), en una sola toma, a músicos que hacen de actores como Herbie Hancock, Bobby Hutcherson o el mismísimo Dexter Gordon, donde podríamos decir que se interpretan a sí mismos. La música la arregla y compone en parte un joven Herbie Hancock quien recibió un Oscar por ello. El elenco musical es: Cedar Walton, Bobby McFerrin, Lonette Mckee, Ron Carter, Pierre Michelot, Chet Baker, Tony Williams, Billy Higgins, John Mclaughlin, Bobby Hutcherson, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Dexter Gordon. Seguramente enumerando sólo a los músicos está todo dicho.
Los verdaderos protagonistas son los músicos y la música misma, donde se vive el jazz en cada nota, en una auténtica atmósfera de club de jazz, donde la  música es sublime, hasta la voz de Dexter Gordon parece parafrasear a su saxo.
El tema que da nombre al film "Round Midnight" es aquel que compuso Thelonious Monk y que aquí modula las lineas melódicas con su voz el sinuoso Bobby McFerrin sin que pierda el aire "Monk". Dexter Gordon está como en familia, a sus anchas, como en sus mejores y gloriosos tiempos, sublime, a destacar el emparejamiento musical entre Gordon y Wayne Shorter al interpretar el tema "una noche con Francis" dedicada a Bud Powell y a Francis Paudras, verdaderos protagonistas de la historia real en la que está basada el film, Gordon y Shorter, dos generaciones unidas con un resultado increible. Por su lado, Herbie Hancock está inspiradisimo y quiero resaltar la presencia testimonial de Chet Baker en "Fair Weather" dando un toque de elegancia y belleza al conjunto que le confiere caché al producto, su voz y su trompeta cautivan.
La peli tiene una segunda parte musical y publicada con posterioridad,  Dexter Gordon: "The other side of Round Midnight", pero ese será otro post.

De 5 > 10 mi valoración es: 10

McCoy Tyner Trío: Infinity (Featuring Michael Brecker)

Portada del disco de McCoy Tyner con
Michael Brecker

En este enlace puedes clickear y escuchar "Impressions" de John Coltrane donde Michael Brecker se luce http://www.youtube.com/watch?v=lWIt4PtJwM0

Me niego a hablar del gran McCoy Tyner (1938) como el pianista de John Coltrane, que lo fue, y que fue una etapa brillante que le sirvió para cimentar su interesante carrera, habiendo contribuido durante los últimos 50 años a ser uno de los pianistas que más influencia han ejercido, sólo superado claramente por Bill Evans, aunque hablamos de estilos distintos. Tyner mantiene vivo el estilo que tantos frutos le dio décadas atrás, por tanto, se mantiene fiel a la originalidad que fue capaz de crear en los sesenta, por otro lado, Michael Brecker (1949-2007), saxofonista tristemente desaparecido, quizás el mejor saxo de la década de los ochenta y noventa, en esta grabación lleno de fuerza, energía y vitalidad, no he conocido a ningún saxofonista que sople el instrumento como Brecker, su técnica con la boquilla y la caña del instrumento es perfecta produciendo sonidos vigorosos llenos de luz y energía y eso se nota en esta grabación donde encontramos a un McCoy Tyner que no arriesga y que hace lo que sabe hacer y a un Michael Brecker que es la verdadera estrella del disco y nos demuestra todo lo que era capaz de hacer.
El disco está grabado para Impulse en 1995 y pianista y saxofonista se entienden a las mil maravillas, es uno de esos discos donde se funden lo clásico y lo innovador, Tyner y Brecker, la mayoría de los nueve temas que conforman el disco están compuestos por el pianista salvo dos excepciones una de Thelonious Monk "I Mean y Good morning, heartheache" y el famosisimo "Impressions" de John Coltrane, que es uno de los temas en que Brecker se luce, el disco está plagado de momentos álgidos, entre ellos el demoledor tema con el que el disco comienza Flyin high donde podemos ver la buena empatía existente entre los músicos. Los otros dos miembros del trío de McCoy Tyner son el bajo Avery Sharpe y el batería Aaron Scout, ambos, no muy conocidos pero que realizan un trabajo impecable.

Michael Brecker

Buen equipo, buena empatía, buena música. En mi opinión el disco se escora del lado de Michael Brecker que creo que está inspiradisimo en esta grabación y esa inspiración se la contagia al resto de músicos incluido el mismísimo McCoy Tyner, donde el pianista está haciendo lo que se espera de él y el saxo se convierte en una demostración de lo que Brecker era capaz de tocar, roza la excelencia. Es una pena que su desaparición  nos haya privado de lo que éste músico nos podría haber brindado con su saxo tenor.

De 5>10 mi valoración es: 9

Brandford Marsalis Quartet: "Metamorphosen"

Caratula del álbum, estética de fondo
de escritorio para Pc

Clickea este enlace y oye al quartet de Marsalis http://www.youtube.com/watch?v=8wvI-vLsVGs


Brandford Marsalis (1960) es miembro de una de las familias con más prestigio de la historia del jazz, Wynton, Jason y Delfeatyo (hermanos) y Ellis (padre) completan la saga de New Orleans.
El Brandford Marsalis Quartet es una de las formaciones  más solidas que existen en la actualidad en el circuito internacional, el cuarteto lleva diez años juntos, manteniendo su formato original desde su creación, durante este tiempo el grupo no ha parado de crecer, ofreciendo una imagen compacta, fuerte, sólida, desarrollando una intuición común y un fuerte sonido colectivo, todos tienen algo que decir y aunque la banda lleve la marca "Marsalis" cada uno de sus componentes tiene un fuerte poder específico dentro de la misma, de hecho en Metamorphosen, Marsalis sólo compone uno de los nueve temas que conforman el álbum, el resto lo firman los otros tres miembros del Quartet y otro es del legendario Thelonious Monk. El grupo está formado por: Marsalis con el Saxofón (alto), Joey Calderazzo con el piano, Eric Revis con el bajo, y en la batería Jeff Tain Watts.
La grabación, de estudio, se realiza en marzo de 2009 para la "Marsalis Music" sello creado por el propio Brandford en 2002. Metamorphosen, metaformosis en alemán, se mueve entre lo novedoso, lo moderno, lo contemporáneo a la vez que muestran un gran respeto, casi reverencial por las formas clásicas del jazz. El sonido es muy bueno, único, potente, sólido, rocoso, compacto y a la par ágil, frágil, lírico y ligero  por momentos, ganando en intensidad conforme la audición del disco va avanzando, donde se observa la gran compenetración que existe entre los músicos que tocan si como de una unidad se tratase, una batería potente y ágil, perfectamente armonizada con un bajo rotundo, sinuoso y limpio y saxo alto y piano tocando e improvisando como si de un vuelo raso se tratase, sobre la base rítmica de forma magistral, el resultado es este "Metemorphosen" que de alguna manera, nos muestra la metamorfosis lenta, pausada, hacia la calidad y la excelencia musical, que el Brandford Marsalis Quartet ha llevado a cabo.

De 5>10 mi valoración es: 8

Brandford Marsalis Quartet

Chuck Mangione: Tarantella

Este enlace te lleva a escuchar Tarantella, tema que da nombre al disco de Mangione http://www.youtube.com/watch?v=WcCpcl4brlk curiosa pieza tradicional italiana interpretada a dúo con el gran Dizzy Gillespie

Chuck Mangione (1940), Nació y creció en NYC. Mangione y su hermano  Gap quién tocaba el piano, dirigieron el grupo The Jazz Brothers, con el cual grabaron 3 discos. Posteriormente se unió al grupo Art Blakey´s Jazz Messengers, ocupando el puesto de trompetista, siendo influenciado por grandes maestros como Clifford Brown, Kenny Dorham, Bill Hardman y Lee Morgan. Mangione se hace famoso por tocar un genuino y singular instrumento el  fliscorno, un instrumento de viento parecido a la trompeta, aunque con registros más graves. Tiene un estilo sencillo, sin demasiadas complicaciones armónicas, hace un Jazz-pop que incluso se puede tildar de facilón, el éxito mundial le llega en 1977 con Feels So Good, rompiendo moldes en cuanto a ventas para un músico de jazz, éste tema llegó incluso a ser nombrado como la melodía más recordada después del “Michelle” de The Beatles y ha permanecido mucho tiempo como nº1 en ventas de jazz de todos los tiempos.

Tarantella, es un vinilo doble, grabado en directo en el salón de baile del American Hotel, en Rochester, New York, el 27 de Diciembre de 1980 y editado en 1981. El disco tiene dos partes bien diferenciadas, por un lado, el vinilo nº 1 donde Chuck Mangione se interpreta a sí mismo, con gran protagonismo de Dizzy Gillespie y el batería Steve Gadd, interpretando temas compuestos por Mangione,  No hay aquí grandes alardes de Jazz, sino el estilo que cultivaba en los 70’s el propio Chuck, eso sí la Big Band a su servicio para recrear temas instrumentales largos, pegadizos y sin excesivas complicaciones, algunos clásicos suyos y algunos singulares como el que da nombre al disco “tarantella” que es una pieza tradicional italiana, que resulta curioso oírla por Dizzy Gillespie, entre otros.

El segundo vinilo, es más auténtico, se toca un jazz más académico, aquí Mangione interpreta a otros músicos como Miles Davis, Thelonious Monk o el propio Dizzy Gillespie, cuyos solos entablan un diálogo interesante con el fliscorno de Chuck Mangione, igualmente, apoyados en todo momento por la Big Band, Chick Corea hace su aparición arrancando con My One And Only Love, introducción a piano y aparición del anfitrión hacia el minuto y medio, desarrollando una sobria melodía hasta desembocar en largas exposiciones a cargo de uno y otro. El disco se cierra con All Blues, excelentemente interpretado, donde se suceden diferentes y deliciosos solos.

El plantel de músicos es espectacular:

Acoustic Guitar – Paul Viapiano
Bass [Electric] – Charles Meeks , Jeff d’Angelo
Conductor – Chuck Mangione
Congas – Ralph McDonald
Drums – Dan D’Imperio , James Bradley, Jr., Steve Gadd
Electric Guitar – Carl Lockett , Eric Gale , Paul Viapiano
Electric Piano – Chick Corea , Chuck Mangione , Gap Mangione
Flugelhorn – Chuck Mangione , Jeff Tyzik , Joe Mosello , Lew Soloff
Flute – Kathyryn Moses
French Horn – Jay Wadenpfuhl , Jerry Peel
Jew’s Harp – Dizzy Gillespie (tracks: C4)
Percussion – Chick Corea , Dan D’Imperio , Dave Mancini , James Bradley, Jr., Ralph McDonald
Piano [Acoustic] – Chick Corea , Gap Mangione
Producer – Chuck Mangione
Saxophone [Alto] – Joe Romano (2)
Saxophone [Baritone] – Bob Militello
Saxophone [Tenor] – Joe Romano (2) , Pat LaBarbera , Sal Nistico
Timpani [Tympani] – Steve Gadd
Trombone – Birch Johnson , Keith O’Quinn , Rick Chamberlain
Trombone [Bass] – Jim Daniels
Trumpet – Chick Corea , Dizzy Gillespie (tracks: C2 to C4) , Jeff Tyzik , Joe Mosello , Lew Soloff.

tenemos hasta el placer de ver a Chick Corea tocando percusión, todo un lujo.

Los temas del disco son:

A1.Tarantellas 3:55
A2.The XIth Commandment Suite 12:39
B1.Legend Of The One-Eyed Sailor 7:47
B2.Bellavia 7:03
B3.Hill Where The Lord Hides 6:20
C1.Lake Placid Fanfare 0:17
C2.Things To Come 5:38
C3.’Round Midnight 8:26
C4.Manteca 11:05
D1.My One And Only Love 11:59
D2.All Blues 8:30

Chuck Mangione y su inseparable fliscorno

El disco tiene una gran grabación, un muy buen directo y es un espectáculo oír a tanto buen músico juntos en un concierto, creo que Mangione escoge bien los temas a interpretar y el disco mantiene un equilibrio entre el jazz-pop y el jazz tradicional, hay sitio para todos en este disco, flauta, fliscorno, trompeta, piano, batería, todos tienen su momento de gloria, especialmente emotivo resulta Dizzy Gillespie, uno de los reyes del be bop, mano a mano, dos generaciones de jazzmen unidos en este  formidable “Tarantella” que resulta un disco fresco y vitalista donde los vientos tienen una importancia primordial a lo largo de toda la grabación y donde el sonido cadencioso y suave del fliscorno de Mangione pone el toque personal del autor.
De 5>10 mi valoración es: 7

The Tatum Group Masterpieces: Art Tatum, Lionel Hampton, Harry Edison, Buddy Rich, Red Callender, Barney Kessel

Legendaria carátula del disco

Arthur Tatum, conocido por Art Tatum (1909-1956), pianista Estadounidense y uno de los mejores músicos de jazz de todos los tiempos.  Tatum raramente abandonó las líneas melódicas originales de las canciones que tocaba, y prefería rearmonizarlas de forma innovadora, cambiando las progresiones de acordes asociadas a las melodías,  tenía tendencia a realizar grabaciones sin acompañamiento, en parte porque relativamente pocos músicos podían seguir su rápido ‘tempo’ y su avanzado vocabulario armónico. El mayor legado de Tatum son sus grabaciones para piano solo,  La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada. Tatum tenía tendencia a realizar grabaciones sin acompañamiento, o como mucho en trío o cuarteto, el disco que traigo aquí está grabado con un sexteto algo totalmente “extraño” en la carrera del pianista, Tatum disfrutaba con los solos de piano, donde daba rienda suelta a su estilo y creatividad, este sexteto para él tuvo que ser algo así como una big band, pero al contrario de sentirse incómodo en un contexto que al final por desacostumbrado debió resultarle estimulante, porque el resultado es este disco que fue un experimento que salió perfecto, el disco habla por sí mismo. Te das cuenta que cuando el pianista toca detrás de otros solistas, está conteniéndose para remodelar la estructura armónica de la pieza, juega un papel de acompañante y demuestra cuán bien  y cuanto se puede disfrutar porque Tatum podía hacer todo con un piano, excepto que sonara banal. Realizó una serie de grabaciones para Norman Granz en los cincuenta para el sello Verve, poco antes de su fallecimiento. De hecho murió tan solo un par meses después de grabar el disco con Webster. Estas grabaciones incluyeron tanto sesiones en solitario, como en pequeños grupos. En los años 70, Norman Granz recuperó los originales en su nuevo sello, Pablo, y las reeditó como dos cajas The Tatum Group Masterpieces y The Tatum Pablo Solo Masterpieces.

Necesitaría otro post para hablar del resto de miembros del sexteto, Lionel Hampton con el vibráfono, en el que en ocasiones Tatum le cede el papel de virtuoso. Harry Edison con una maravillosa trompeta con sordina que suena a ángeles, a veces evoca a su coetáneo Roy Eldridge. de Barney Kessel y su guitarra, poco tengo que decir, es sencillamente genial, Buddy Rich en un discreto y elegante papel en la batería y Red Callender con el contrabajo, estos cinco invitados que trabajan con Tatum conocen a la perfección su cometido.

Es un disco para disfrutar hasta la última nota,   para disfrutar de su estilo que es pirotécnico, exuberante, abundante, rápido, elegante y sobre todo académico, vamos del jazz que se enseña en las Escuelas de Música. No deja ni un segundo el espacio musical sin notas,  resulta increíble que alguien pueda tocar de esa forma tan veloz con ambas manos. Su forma de tocar el piano ha influido posteriormente en muchos pianistas como Bud Powell, Thelonious Monk, Oscar Peterson o Chick Corea. Sin duda, es una obra “Excelente”.
De 5>10 mi valoración es: 10

Ciego de un ojo, apenas veía con el otro las teclas que magnificamente tocaba