Keith Jarrett: Fort Yawuh

Te imaginas un concierto de jazz liderado por un pianista donde el piano no sea lo más importante, esto es lo que sucede en Fort Yawuh, álbum grabado en directo en 1973 en el Village Vanguard. En el tema de apertura del disco, Jarrett se retira a mitad de la canción en un acto de escuchar a su grupo para así reinterpretarse a sí mismo y cuando regresa lo hace soplando como solista un saxo tenor, también juega con elementos de percusión, una forma que el pianista tiene de evadir su creación artística hacía otros instrumentos y de alguna manera le exime tocar con sus dedos el blanco y negro del teclado de su Steinway, es como dar un paso atrás para dar brillantez a sus acompañantes y a la par coger energías para volver con más fuerza.
Aunque desde la perspectiva actual Jarrett es conocido como maestro del piano, en sus primeros discos quiso demostrar que podía imponer una visión potente que iba más allá del dominio del teclado, aún sorprende más la cosa, si en esta época Jarrett ofrece algunos de sus mejores conciertos de solo piano (Bremen, Colonia), en definitiva, trata de subvertir el papel tradicional del pianista en una formación de jazz.
El cuarteto lo forman: Keith Jarrett al piano, saxo soprano y pandereta, Paul Motian a la batería y percusión, Dawey Redman saxo tenor y maracas, Charlie Haden al bajo y Danny Johnson (invitado) a la percusión. El álbum se graba el 24 de febrero de 1973 y cuenta en su versión original de vinilo con cuatro temas.
Motian y Redman provienen de trabajar con Ornette Coleman y eso se hace oír sobre todo, al inicio del disco donde por momentos el free jazz campa a sus anchas. Flota durante toda la grabación "un exceso" de sonidos de percusión ajenos a los que es lo habitual en jazz, que invocan aspectos rituales, alguna visión o búsqueda de lo desconocido, incluso recuerda el ritual de alguna ceremonia primitiva o una danza de posesión de culturas lejanas y desconocidas.

Valoración Personal: 8

Ornette Coleman: Free Jazz

Portada del disco realizada por el
pintor Jackson Pollock

Hace treinta años que escuché por primera vez el Free Jazz de Ornette Coleman, aquello me pareció una jaula de grillos que no tenía ni pies ni cabeza, han tenido que transcurrir los años para conocer el contexto de la època y para que mi concepto de aquel disco varíe 180º. El disco despertó fuertes polémicas por el cambio tan profundo que supuso conceptualmente, con su revolucionaria idea de la improvisación y de la armonía que sentó las bases del free jazz. Ocho músicos entran en la sala de grabación de la discográfica Atlantic, forman dos cuartetos, uno a la izquierda formado por Ornette Coleman al saxo alto, Don Cherry en la trompeta (de un tamaño menor al habitual), Scott LaFaro al contrabajo y Billy Higgins a la batería; otro cuarteto a la derecha formado por Eric Dophy con el clarinete bajo, Freddie Hubbard a la trompeta, Charlie Haden al contrabajo y Ed Blackwell a la batería, así además aparecen luego en la grabación estéreo, cada cuarteto por su canal. La norma es que no hay norma, es una improvisación colectiva que se convirtió en una de las piedras angulares en la evolución del jazz, una obra creada de forma espontánea, en ese mismo acto. El disco se grabó en 1960 y se lanza al mercado en 1961, cuenta con un sólo tema de alrededor de 40 minutos, donde los músicos tocan en una esquizofrenia musical que hace 50 años rompió todos los moldes. Free Jazz es considerada la obra fundacional del movimiento como estilo consolidado.
Ornette Coleman es un icono del jazz, un músico original, que supo proyectarse con una entereza genial, agregó a su música la libertad intrínseca que hay en el jazz, hizo trizas la idea de que la improvisación se hacía sobre los acordes, destrozó el concepto que se tenía sobre la melodía, usando sonidos nuevos que hasta ese momento sólo eran lo que se conoce como "cacofonías", cambió la métrica rítmica y dio absoluta libertad a sus músicos, creando espacios para las ideas y la imaginación. Coleman poseía una convicción artística que era inmune al rechazo de los demás, lo que le hizo avanzar y progresar en sus ideas, realizando un logro asombroso y que ha sido reconocido como se merece. Hasta éste momento el jazz iba desde el orden hacía el desorden, con el free jazz, con Ornette Coleman su música va en sentido opuesto desde el caos al orden relativo, creando el fenómeno por el cual la música comienza sin ataduras, hasta que las ideas empiezan a confluir.
Un disco y un estilo lleno de controversias que no deja indiferente a nadie.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Dejo un vídeo con esta ensalada esquizofrenica...

Cecil Taylor: Conquistador

Caratula del vinilo

No es fácil hablar de Taylor y de su música y es que el pianista de NYC Cecil Taylor (1929) transmite sensaciones musicales que son difíciles de digerir, al principio crees que no te gusta, pero conforme lo oyes te deja buenas vibraciones y es que Taylor era obstinado, desmesurado, excéntrico,  intransigente, exigente, genial y sobre todo visionario. Considerado como uno de los fundadores del movimiento post hard bop conocido como free jazz, en sus composiciones no hay tibieza, ni linea melódica, lo que hace bastante difícil su escucha ya que encontramos una música intensa y visceral, por un lado te agota, te satura y por otro te excita tanto intelectualmente como musicalmente, en cualquier caso es un ejercicio agotador ya que te obliga a prestar atención a cada detalle. Su música no está hecha para todos los oídos, su música si eres un iniciado en jazz no es nada fácil, Taylor es el creador de un nuevo lenguaje en el que se aúnan distintas influencias que pasan por Duke o Monk y acaban en Bartok, su formación de Conservatorio, sus orígenes (norteamericano, irlandes e hindú) le salen a la luz en un batiburrillo musical de difícil encaje. Cuesta entrar en el mundo de Cecil Taylor, pero una vez que lo consigues es bastante gratificante.
Conquistador es su obra cumbre, grabada para la Blue Note el 6 de octubre de 1966 en New Jersey, cuenta con un total de de 2 temas en su lanzamiento original al que se le añade un bonus track cuando se edita en CD, tiene una duración aproximada de 55 minutos. La formación es un sexteto formado por Cecil Taylor al piano, Bill Dixon en la trompeta, Jimmy Lyons en el saxo alto, Henry Grimmes y Alan Silva en el bajo y Andrew Cyrille con la percusión. Todos los temas están compuestos por Cecil Taylor quien no tuvo fácil que las compañías discográficas aceptaran su proyecto debido a lo poco comercial de su música, lo que le obligó años más tardes a crear su propia compañía discográfica (Unit Core).
Taylor trató y consiguió transgredir el orden establecido, creando un nuevo lenguaje que analizado con la perspectiva del tiempo no varió significativamente, lo que puede causar una sensación de uniformidad, es cuando uno logra traspasar esa barrera impuesta por el músico cuando aprecia los diferentes matices, la variedad y la riqueza de su lenguaje sonoro. Se caracteriza por un toque de piano percusivo, casi con golpeos sobre el teclado por momentos y es que estaba obsesionado con conseguir un nuevo timbre a su sonido, nuevos registros no explorados hasta la fecha y es que cada sonido, cada nota, terminan mostrando la potencia que las inspiraba.
De él escribió el crítico de jazz Kurt Gottshalk: "Nada es fácil en la música de Taylor. Es rápida, es iracunda,  muy cercana a lo incomprensible y a lo genial".

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Te dejo un vídeo de Taylor: Conquistador Parte I

  

Chick Corea: Inner Space

Portada del doble álbum de Chick Corea

Estamos ante un disco de colección. El álbum recoge la primera grabación de Chick Corea como líder, se trata de un doble disco de vinilo grabado en NYC para la Atlantic Récords entre el 30 de Noviembre y el 1 de Diciembre de 1966, en España lo distribuye Hipavox en 1975. Posteriormente se edita en versión CD y por "arte de magia" la Atlantic decide quitar dos de los más emblemáticos temas "This is new" y "Tones for Joan´s Bones", descafeinando la discográfica el álbum original. A su vez "Inner Space" es una segunda edición del original titulado "Tones for Joan´s Bones", en fin un poco lío y falta de respeto la que se trajo la Atlantic con estas grabaciones y que sin duda han influido a la hora de valorarlo como un icono dentro de la discografía de Chick Corea. Son aproximadamente 77 minutos de vibrante jazz que se distribuyen en 8 temas, 7 de ellos compuestos por el propio Corea. Su sonido es ágil, veloz y estimulante muy próximo a las innovaciones más vanguardistas de aquellos años, ya aquí se reconoce el germen de Chíck Corea y el juego que daría con posterioridad, de estilo Hard Bop, a veces muy cercano al Free Jazz.
Los créditos son inmejorables Chick Corea con el piano, Joe Farrel con el saxo tenor y la flauta, Woody Shaw en la trompeta, Hubert Laws con la flauta, Carlos Porter en un instrumento no muy jazzístico como es el fagot, Steve Swallow y Ron Carter con el bajo y Joe Chambers y Grady Tate en la batería, alternándose según los temas y pasando por formaciones de trío, cuarteto o quinteto, el fagot sólo interviene en uno de los temas "el trío para flauta, fagot y piano" y que a nivel de composición considero un tema bastante interesante, tiene aire clásico de principios del S.XX. El disco es producido por otro grande: Herbie Mann.
Personalmente opino que es un disco genuino cargado de connotaciones sentimentales, de los primeros que escuché de un Chick Corea, al que luego he tenido muchos años para seguir y confirmar que en "Inner Space" están todos los elementos musicales, tonales, estílisticos, armónicos y jazzísticos que luego desarrollaría tan generosamente. Es un excelente álbum por su variedad tonal y buenas composiciones, con intención de generar una sonoridad "distinta", efecto que consigue y que hace posible con la ayuda de los músicos que se rodea donde destacan Woody Shaw con su desgarradora trompeta, Hubert Laws muy pausado y elegante con la flauta y un desbordante Joe Farrell con su saxo tenor,  empeñados entre ellos durante toda la grabación en una disputa por el virtuosismo.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Danilo Pérez: Providencia

Carátula del álbum Providencia

   Cada vez son más los músicos latinos que entran en el escenario del Jazz con fuerza como es el caso del Panameño Danilo Pérez, quien ya desde pequeño se empapó de la música que le enseñó su padre, Danilo recibe formación clásica y estudia con distintas becas en Estados Unidos, siendo aún estudiante ya toca con músicos como Paquito D´Rivera, en la década de los 80´s tiene una larga lista de colaboraciones Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Nuñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Gary Burton o Steve Lacy. Es en la década de los 90´s cuando adquiere madurez como músico llegando a grabar álbumes tan importantes como PanaMonk, dedicado al legendario Thelonious Monk,  el disco es nombrado "obra maestra del jazz" por el New York Times, siendo además elegido como uno de los 50 mejores álbumes de jazz piano.
     Providencia es su último trabajo en el que se exponen ideas nuevas, estilos singulares, donde se funden ritmos panameños como "el tamborito" con complejos ritmos. El disco suena a jazz renovado, en él se crean nuevos vocabularios musicales donde se entrelazan en perfecta armonía estilos, instrumentos y voces en una mezcla compleja que nos muestra otra manera de entender la música y el jazz en particular, lo clásico, el free, el hard, lo folklorico, lo afrocubano, el be bop, hasta reminiscencias de fado y como no el famoso bolero Panameño "es la historia de un amor" (Eleta Almaran) donde Danilo sin perder la armonía original del bolero crea ambientes mágicos. En definitiva el músico crea nuevas propuestas para el jazz contemporáneo.
     El disco se graba en 2010 para la discográfica Mack Avenue y son once los temas de este magnífico trabajo de jazz moderno, los músicos que conforman la grabación son: Danilo Pérez con el piano, Ben Street en el contrabajo, Adam Cruz como batería, Rudresh Mahanthappa con el saxo alto, Jamey Haddad en percusión, con las congas Ernesto Díaz, con una magnifica voz está Sara Serpa, Matt Marvuglio en flauta, Barbara Laffitte con el nada jazzístico oboe, Amparo Edo Biol con el desconocido corno francés, Margaret Phillips con el fagot y José B. Meza con el clarinete. Con este disco Danilo Pérez nos demuestra que es un músico comprometido con abrir nuevos caminos y nuevos aires al mundo del jazz.

 Clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=51OmGV8_H74 y escucha un ensayo de Danilo Pérez del tema Providencia.

De 5>10 mi valoración es: 8 

John Coltrane: A Love Supreme

Carátula del álbum

John Coltrane (1926-1967), apodado Trane, saxofonista tenor y soprano, compositor controvertido, se mueve en estilos de post bop, como el hard bop o free jazz, en apenas 12 años graba el grueso de su discografía donde no empieza a deslumbrar hasta que toca junto a Miles Davis. Como una maldición la heroína se ceba en los músicos de jazz de la época y Trane cae en sus redes, así su trayectoria musical no evoluciona yendo de banda en banda y de despido en despido, Coltrane recibe una oportunidad que le ofrece Miles Davis ya recuperado, de que él hiciese lo mismo y así fue, en la banda de Davis comienza a brillar y a ser llamado para más y más sesiones como freelance, haciéndose un hueco importante en el mundo del jazz, fruto de esa relación llama la atención de la discográfica Impulse para quien grabará el que fue uno de los mejores discos de la historia del jazz, para muchos el mejor: "A love Supreme". En mi opinion no creo que sea el mejor, pero sí uno de los más inspirados. Es un Opus de jazz dedicado por Trane a la divinidad que para él trascendía a cualquier religión, en agradecimiento a la fuerza espiritual que tuvo para salvar su vida, aunque fallece dos años después.

A love Supreme son 48 minutos vibrantes, alucinantes, la obra es una Suite en cuatro movimientos, en realidad son tres temas y el último de ellos se divide en dos cortes, grabada en 1964 y que interpreta con su célebre cuarteto formado por él mismo, McCoy Tyner y sus genialidades con el piano, el increible Elvin Jones a la batería que realiza un sólo magistral y Jimmy Garrison al contrabajo. Pocos álbumes han tenido la influencia de A Love Supreme, un disco que demostró que el jazz es un medio que se adecuaba a la búsqueda espiritual y creaba una fabulosa expresión de lo inexpresable, con él Trane se encontró en el climax de su carrera y llega a manifestar que: "Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite, esta es la primera vez que lo tengo todo a punto". La escucha del disco merece una dedicación intensa, escuchado atentamente el disco es una genialidad preciosa e inspirada, sin duda uno de los discos más importantes de la historia del Jazz. Esencial para cualquier amante de la música.

John Coltrane "Trane" y su saxo

De 5>10 mi valoración es: 9

Charlie Haden: Sophisticated Ladies

Sophisticated Ladies es uno de los útimos trabajos del bajista Charlie Haden, nacido en 1937, es sin duda, un clásico dentro del panorama jazzístico, sus primeras intenciones fueron ser cantante, pero una enfermedad le estropeó las cuerdas bucales, decidiéndose entonces por cogerle prestado el contrabajo a su hermano, llegando a ser uno de los que más técnica tienen con este instrumento, que ya de por sí, no luce mucho y hay que ser muy bueno para hacerse notar. Haden se dio a conocer interpretando free jazz con el saxofonista Ornette Coleman, más tarde tocó con el pianista Keith Jarret y ha grabado discos con todos sus contemporáneos, algunos de esos discos muy especiales como el que grabó con Pat Metheny, guitarra y contrabajo ¿te imaginas?, un gran trabajo.
El disco cuenta con un total de doce temas, muy cuidadosamente elegidos, se hace acompañar en el saxo  tenor por Ernie Watts, en el piano Alan Broadbent y Rodney Green en la batería, en total nos ofrecen 60:00 minutos de un vintage musical de muy alto nivel, a todo ello añadir la inclusión de cuerdas a través de violonchellos, violines y violas, lo que da un toque refinado al conjunto, pero que por otro lado acapara gran numero de detractores.
Con Sophisticated Ladies Haden culmina una carrera de manera brillante, sacando del baúl algunas de las canciones más bellas de las últimas décadas del jazz con temas como el que da título al álbum, compuesto por Duke Ellington, se hace acompañar de vocalistas como Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot,  Cassandra Wilson o la soprano Renée Fleming, todas ellas realizan interpretaciones magistrales. El álbum suena como si algunos de los mejores jazzmen y jazzladies de todos los tiempos hubiesen regresado a nuestro tiempo, creando un ambiente clásico de hace décadas, un ambiente mágico, a la vez que totalmente actual, la primera vez que lo oí pensé que era como si Billie Holiday hubiese grabado un disco en el siglo XXI , si lo tuviera que definir,  lo haría diciendo que es un disco de libro, de jazz totalmente académico, que te cautiva desde la primera nota, donde Haden sabe lo que se trae entre manos.

Valoración personal: 9

Herbie Hancock: River, the Joni letters

Clickea este enlace para escuchar una pieza del disco http://www.youtube.com/watch?v=TazdEF9vIAE

Hoy me he dado cuenta que el 90% de los post que he publicado en este Blog tiene que ver con artistas que tocan piano o guitarra, no era consciente de ello hasta ahora. Curioso.

Herbie Hancock es uno de esos músicos todoterreno que estando dentro del panorama jazzístico siempre le ha gustado coquetear con otras influencias y estilos, creo que menos freejazz, ha tocado de todo desde el Be Bop hasta nuestros días, en una palabra le gustan “todas” y ha bailado con todas en su momento, frivolidades aparte Hancock es uno de los grandes músicos contemporáneos no voy a relacionar aquí los músicos con los que ha tocado porque la lista sería interminable, ha bebido y cogido lo mejor de cada uno de ellos y le ha dado su toque personal, estílisticamente podemos denominarlo como cambiante, dicho ésto su estilo al piano y a los teclados son totalmente reconocibles como del autor con sus rasgos complejos y urbanos.

River, the Joni letters es un álbum que dedica a la cantante Joni Mitchell y que recicla y arregla una serie de temas habituales de la artista, grabado en 2007,  los interpreta con su banda de all star habitual : Lionel Loueke (guitarra), Wayne Shorter (saxos), Dave Holland (bajo) y Vinnie Colaiuta (batería). Además incluye una serie de artistas vocales entre las que se encuentra la propia Mitchell, que canta  Tea leaf prophecy, Norah Jones, Corinne Bailey Rae, Tina Turner, Luciana Souza y Leonard Cohen, que más que cantar recita en Jungle line. Son un total de 10 temas los que componen el disco, cuatro intrumentales y el resto con vocalista, todos compuestos por Mitchell salvo Nefertiti (W. Shorter) y Latitude (Duke Ellington) con un estilo sosegado, tranquilo (como el que transmite Joni Mitchell), de jazz auténtico, con un toque urbano, a veces oscuros, casi underground,  con toques armónicos complejos que tienen como resultado un excelente álbum que cuando lo oyes, sabes que es distinto, sabes con la primera escucha que es bueno, muy bueno y que te llega y llena completamente, es de esos discos, además que no te cansas de escuchar porque siempre suena fresco. Ni que decir que las vocalistas están todas en estado de gracia. Genial.

De 5>10 mi valoración es: 8

The Bad Plus: Never Stop

Carátula del disco

Clickea este enlace y oye esto http://www.youtube.com/watch?v=I8XWMU9m4lE ¿raro?

Lo habitual en el mundo del jazz y del arte en general es la singularidad del artista, el que se destaque por ser un genial guitarrista, un potente baterista o un virtuoso con el piano y eso se escribe normalmente con nombre y apellidos. Lo inusual es que dentro del jazz o del arte en general existan grupos que aúnen esfuerzos artísticos con una identidad común, éste es el caso de The Bad Plus, grupo musical de origen norteamericano compuesto por el pianista Ethan Iverson, el bajista Reid Anderson y el batería David King. Trio de jazz contemporáneo influenciados sobremanera por el rock y el pop, La realidad es  una mezcla de estas dos disciplinas musicales, pero en el  mundo del jazz postmoderno existen como en todas las disciplinas “crisis de identidad” que hacen que uno investigue nuevas tendencias de expresión musical. El trío se formó a fines del año 2000 en Minesotta, contando con nueve álbumes del que Never Stop es su última grabación, en 2002 firman contrato con Columbia Records, que al poco tiempo edita su segundo álbum “These are the Vistas” que sorprende por su estupenda versión de Smells Like Teen Spirit de Nirvana. A partir de aquí comienza una serie de exitosas giras en  festivales por Estados Unidos y Europa.

Su música mezcla elementos  de jazz tradicional y de free jazz,  con influencias de música Rock y Pop. Han grabado versiones de canciones de Nirvana, Aphex Twin, Blondie, Ornette Coleman, Pixies, Rush, Tears for Fears, David Bowie, Black Sabbath y Radiohead, “raros” les han llamado y es lo primero que piensa uno la primera vez que los escucha y no sabe muy bien uno como catalogarlos si es que hay que hacerlo, los cierto es que estos tres músicos que decidieron unir  sus caminos hace once años no navegan por el jazz académico, sino que son intérpretes inquietos, astutos,  y siempre intentan llevar su música un paso más allá. Es precisamente eso, la inquietud por dar una nueva vida al jazz, un nuevo sonido, una  nueva imagen más progresista, moderna, contemporánea y actual, para que el género no tenga que volver sobre sí mismo a cada instante, lo que motiva a Ethan Iverson (piano), Reid Anderson (contrabajo) y David King (batería). ¿Cómo hacerlo?   fácil,  se toman canciones que uno jamás hubiese imaginado dentro del panorama del jazz, las pasan por su filtro particular  y ahí está el resultado: The Bad Plus. 

Actuación del "raro" The Bad Plus

Una vez familiarizados con su sonido el disco resulta que te engancha y no paras de oírlo una y otra vez y cada vez descubres algo nuevo, un bajo y una batería atípicas dentro del mundo del jazz  y un piano que lo mismo interpreta free jazz que una dulce y cándida balada, todo con un sonido muy genuino y de fuerte personalidad. Con tonos dentro de gamas medias, sin que destaquen demasiado graves y agudos. En definitiva aire fresco al mundo del Jazz.

De 5>10 mi valoración es: 6