Lo que más destaca del disco nada más oírlo, es el feeling, la gran compenetración, una complicidad musical que discurre por toda la grabación, pura quimica y es que, aunque es la primera vez que graban juntos como solistas, ya tienen un gran recorrido con el quinteto de Phil Woods durante la década los los noventa, lo que se nota tema a tema, porque están sueltos, apacibles, cómodos, sin perder por ello, la frescura de un primer encuentro, recreándose en sus instrumentos, en un continuo dialogo trompeta-piano que roza la perfección por su belleza y es que sobre todo es un álbum bello, interpretado con el alma y el corazón, además de técnicamente impecable.
El cuarteto lo componen además de Brian Lynch a la trompeta y el fliscornio, Bill Charlap al piano, Dwayne Burno al bajo y Joe Farnsworth a la batería. Se graba para el sello Sharp Nine Récords el 16 de mayo de 2003, aunque no sale al mercado hasta el 17 de febrero de 2004, cuenta con un total de nueve temas, seis de ellos estándares y tres compuestos por Lynch, todos de espléndida factura.
Piano y trompeta, Charlap y Lynch, son dueños durante toda la grabación de sus instrumentos, impregnando el ambiente con un excelente estado de ánimo, con momentos líricos y reflexivos bien ejecutados, preciosos solos sobre el blanco y negro del teclado de Charlap y no menos bonitos los solos con trompeta, con una delicada y aterciopelada sordina, que de vez en cuando abandona para soplar el fliscornio. Be Bop, Post Bop del siglo XXI.
El álbum se graba en Toronto el 10 y 11 de septiembre de 1975, el guitarrista Jim Hall conforma un trío con el bajo Don Thompson y el batería Terry Clarke, entre los tres supieron abstraerse de la corriente setentera del momento y ofrecernos un post bop de mucha calidad. La grabación capta a un Hall en uno de sus mejores momentos, donde nos recrea con solos de guitarra largos, algo que no es habitual en él. El disco que tiene una duración de 41:29 h., cuenta con 5 temas todos ellos estándares, Hall usa su gran imaginación y maestría para no caer en clichés o patrones que nos suenen repetitivos, consiguiendo que la grabación que es en vivo, tenga una espontaneidad y frescura que a veces le falta a las grabaciones de estudio.
El rasgueo de Hall a las cuerdas de su guitarra es lento, pausado, a veces entrecortado, relajado, además increíblemente sofisticado, realizando un trabajo sutil e inteligente, donde en cada escucha se descubren nuevos elementos y matices. El éxito del álbum se debe principalmente a la interacción de los tres músicos, todos tocando a un mismo nivel, Don Thompson en particular es casi otro guitarrista tocando a dúo con Hall, por su parte Clarke controla las baquetas con maestría y mucho estilo.
El guitarrista de Búfalo, nos dejó un gran legado con este gran álbum que huele a música fresca, llena de sutilizas elegantes, interacciones muy estudiadas y a la par espontáneas y ese toque y estilo tan característico de Hall que le hace inconfundible. Tengo el vinilo desde finales de los setenta y lo guardo como lo que es: un tesoro.
Joe Henderson con el saxo tenor, Chíck Corea al piano, Billy Higgins en la batería y Ron Carter al bajo, por separados todos líderes y maestros indiscutibles en sus instrumentos, reunidos en cuarteto, juntos no dan el resultado que se podría esperar, el feeling entre músicos no es el adecuado, o quizá el liderazgo de Henderson no fue suficiente... cosas que pasan, una de esas sesiones donde todos son muy buenos y el resultado no es tan bueno como se esperaba, ronda a toda la sesión un penetrante sentido de "igualdad", de que todo está bajo control, echando en falta más juego y más pasión. El resultado es un disco raro, difícil de digerir, extraño, casi sin alma, está claro que los cuatro no tuvieron su mejor día. "Mirror, Mirror" se graba en Los Angeles en enero de 1980, para el sello Polygram, cuenta con un total de seis temas, con una duración total de 43: 23 h. con los que Chíck Corea contribuye con dos temas y Ron Carter con otros dos y Henderson aporta el bolero de Joe, junto con Keystone, lo mejor del álbum, El bolero de Joe da un toque algo latino a esta parte de la audición y donde quizá Henderson más se luce con su saxo tenor y Higgins suena como una máquina popper de palomitas, genial aquí el batería. No hay que perder la referencia de la fecha de la grabación, lo digo porque a principios de los ochenta Corea suena a Corea, controlándose excesivamente y Ron Carter hace bien su trabajo. Mirror,Mirror es un buen disco desprovisto de alma, no brilla lo suficiente, le falta fuerza y pasión, aún así es una referencia en la carrera de altibajos de Henderson.
De 5 > 10, mi valoración es: 7
Dejo un vídeo con el Bolero de Joe, atención al juego de "palomitas" del batería. Genial.
"Cambio día a día, minuto a minuto", así se definía Mal Waldron (1926-2002), decididamente un pianista inclasificable, como muestra, señalar que se inicia en el jazz tocando el saxo alto y no es hasta que se licencia en piano clásico, cuando decide dar el salto definitivo al blanco y negro del teclado para deleitarnos y fascinarnos con su estilo, donde con una gran economía de medios, tanto en el estilo como en la escritura y como no, en una gestión virtuosa cuando improvisa reiterativamente, momento en el que engendra una especie de flash, de fascinación mágica que te envuelve y te atrapa. No en vano haber sido el último acompañante de Billie Holiday, tener como profesor a Charles Mingus y como maestro a Thelonious Monk, deja una huella a mezcolanza de estilos, corrientes y singularidades tan marcadas que te acompañan de por vida, Maldron no perteneció a ninguna escuela o estilo y a la vez a todos, sus grabaciones con Eric Dolphy, John Coltrane o Steve Lacy corroboran su genio. Está dentro y a la vez fuera, como ostentando la condición de miembro y a la par de intruso. Soul Eyes, es una balada de Waldron del año 1957 y que da nombre a este álbum, originalmente se grabó para el disco interplay para 2 trompetas y 2 tenores, donde uno de los tenores era John Coltrane, el tema se convirtió en un estándar del jazz y ha sido grabado cientos de veces, entre esas grabaciones, en 1962 John Coltrane la rescata, la populariza y eleva a los altares en su álbum para el sello Prestige "Coltrane", de hecho Waldron la escribió pensando en las melodías que el tenor era capaz de sacar a su saxo.
El preludio de esta grabación es el concierto que Waldron diera en el Jazz Middelheim de Amberes, con Andrew Cyrille, en la batería, Reggie Workman al bajo, Joe Henderson en el saxo tenor, Jeanne Lee y Abbey Lincoln como vocales. De aquí se graba un disco de estudio para RCA Víctor, grabado entre los días 15 y 17 de agosto de 1997, en los estudios Groove de Amberes, aunque los temas Judy y Soul Eyes se graban en NYC el 10 de octubre de ese mismo año, además aquí se añade al grupo el saxo alto Steve Coleman. El álbum lo componen un total de diez temas, todos compuestos por Waldron, excepto God Bless the Child de Billie Holiday y Arthur Herzog. Son 57 minutos mágicos, donde piano, bajo y batería están presentes en todos los temas, y el resto de componentes se alternan, así Steve Coleman aparece en los temas 1 y 2, Jeannie Lee canta en los temas 2, 3 y 10 y Abbey Lincoln es vocal en los temas 5 y 7 y Joe Henderson aparece en el corte 9. El resultado soberbio, un disco reposado, equilibrado, donde saxo alto y tenor dan lo mejor de sí, las dos vocalistas acariciando cada tema que interpretan, bajo y batería dando lo que se espera de la sección rítmica y Waldron y su piano liderando el grupo con la maestría que dan las tablas y ese singular estilo suyo.
Se percibe la madurez del artista, el relajamiento de haberlo dado todo al mundo del jazz, el orgullo de pertenencia y esa seguridad que solo se adquiere después de haber caminado mucho. Su imagen inconfundible será siempre la de sus largos dedos sujetando un humeante cigarrillo y ese mechón blanco tan característico de su cabellera.
De 5 > 10, mi valoración es: 9
Dejo un vídeo con el tema grabado con Joe Henderson
Lo primero que destaca del disco Pensativo, es el ritmo, más "cargado" de lo habitual, que suele ser un acompañamiento de bajo y batería, aquí además encontramos múltiples instrumentos de percusión que suenan durante toda la grabación por aquí, por allá, cuando digo "cargado" no quiero decir agobiante, bien al contrario, arropan elegantemente a los instrumentos solistas dando un toque exótico y un aire latino al conjunto muy agradable. Jerry González (1949) neoyorkino de orígen puertorriqueño, sabe combinar la música que escuchó desde pequeño en el Bronx con la música heredada por su origen, y esa combinación la realiza con toda naturalidad, habiendo creado un estilo marcado por su fuerte personalidad. Lo fácil sería encasillar su música dentro del latin jazz, o quizá dentro del post bop, o porqué no, dentro del jazz afroamericano. Jerry González ha sabido absorber cada estilo y luego adaptarlo a su forma interpretativa y en su música encontramos un poco de todo, diversos estilos y tendencias que González ha sabido aunar, fusionar y cohesionar de forma inteligente, sin desvirtuar la esencia de ninguna de las tendencias, por eso, todos los que intentan catalogar su música, no se equivocan, porque cada oyente es capaz de captar aquel matiz musical que realmente le gusta. Pensativo, es un álbum que se graba el 10 de octubre 1995 para el sello Milestone, nominado para el Grammy, el disco cuenta con nueve temas con algunos estándares y un tema compuesto por el autor. Los créditos son: Jerry González que toca la trompeta, el flugelhorn y las congas, Joe Ford toca los saxos alto y soprano, John Stubblefield, toca el saxo tenor, el gran Larry Willis se sienta al piano, el hermano de Jerry, Andy González toca el bajo y Steve Berrios, toca la batería, la marimba y otros instrumentos de percusión. A destacar los constantes diálogos y acompañamientos de los tres instrumentistas de viento, siempre a la caza por el piano de Willis, los cuatro están a una gran altura, el ritmo lo arropa, lo cubre todo y a veces parece ir por libre, aunque también da paso mediante el silencio para el lucimiento de González, todos los componentes de este sexteto tienen oportunidad para demostrar su valía individual y su compenetración grupal que es alta.
El resultado final es un disco fresco, bien elaborado, muy bien interpretado, con una gran selección de temas, con muy buenos arreglos y una calidad interpretativa de lujo, además es un disco que gusta porque en él podemos paladear distintos sabores de la música de jazz.
De 5 > 10, mi valoración es: 7
Te dejo un video con el tercer corte del album "Midnight Train"
Tuve la oportunidad de conocer "Together" en 1979, un año después de su edición, ya que el disco se graba entre el 31 agosto y el 3 septiembre de 1978, de estilo Post Bop, correspondiendo en su etapa con la discográfica Milestone, donde de alguna manera McCoy Tyner (1938) despega definitivamente, ya hacía más de una década de su presencia con John Coltrane y viajaba en busca del camino hacía el reconocimiento personal del que sobradamente goza hoy en día con todo merecimiento.
"Toghether" es un disco que cuenta con seis temas y unos 42 minutos de vibrante música. De todos los temas el que abre el álbum "Nubia", uno de los dos temas compuestos por Tyner, me enganchó enseguida por su frescura y por la magistral interpretación de Tyner con el piano y Hubbard que se luce en un sólo espectacular de trompeta, es un tema de alto voltaje que llama tu atención de inmediato por explosivo. "Bayou fever" de Jack DeJohnette es otro de esos temas mágicos quizá el tema con un espíritu más libre de toda la grabación, aunque sigo prefiriendo a Lester Bowie interpretando este mismo tema en The New Directions de Jack DeJohnette. El resto de composiciones son de Hubert Laws, Freddie Hubbard y Hutcherson.
Los créditos son inmejorables es un octeto formado por McCoy Tyner al piano, Freddie Hubbard magistral con la trompeta, Hubert Laws con flauta y flauta alta, Bennie Maupin con saxo tenor y clarinete bajo, Bobby Hutcherson con el vibráfono, Stanley Clarke con bajo acústico, Jack DeJohnette con la batería y Bill Summers en la percusión.
El disco en su globalidad es un volcán donde todos los componentes tratan de expulsar lo mejor de sí, todos los miembros tocan como si tuvieran algo que demostrar, la grabación no se puede quitar de encima un cierto tufo a aire setentero alentado por el potente bajo de Stanley Clarke y la batería de DeJohnette. McCoy Tyner merece mención aparte ya que se trata de uno de los protagonistas que ha dado forma a lo que conocemos hoy por jazz moderno, sus sofisticados acordes y una endiablada mano izquierda que hace que trascienda de los convencionalismos para llegar a ser uno de los sonidos más personales del jazz, dando forma al lenguaje que actualmente utilizan la mayoría de pianistas. Sin ninguna duda "Together" es una de sus obras más vibrantes.
Te dejo un enlace con el electrizante "Nubia" http://www.youtube.com/watch?v=RvO4wW16984
El pianista, compositor, director y arreglista Duke Ellington (1899-1974) apodado el Duke porque al contrario de lo habitual a principios del siglo XX, él pertenecía a una familia acomodada, por lo que con envidia, le apodaron aristocraticamente el Duke (Duque). Hablar de Duke Ellington es hablar de la historia misma del jazz desde sus inicios hasta casi sus actuales formas, elevó el jazz a niveles excelsos, convirtiéndose en el genuino Duke del jazz, aunque por derecho propio es el verdadero Rey Orquestal del género, capaz de sobrevivir como director de grandes Big Band al Be Bop y la proliferación que éste trajo consigo de solistas y pequeños grupos. Renovó el concepto de jazz orquestal hasta el último día de su vida, engrandeciendo y dignificando el concepto de orquesta utilizando para ello todas las expresiones musicales, desde el blues, el dixie hasta el post bop, pasando por la música clásica o el cine todo ello con un uso acertado del swing que fue tan exitoso en la primera mitad del siglo XX.
The Ellington Suites es un álbum de estudio que recoge una época musicalmente madura del pianista y director y que lo conforman tres Suites grabadas en 1951, 1971 y 1972 y que publica la discográfica Pablo en 1976, después de la muerte de Ellington. El disco ganó un premio Grammy a la mejor interpretación de Jazz por una Big Band. Este tipo de composiciones hacen que se produzca un giro de concepto, tanto a la hora de componer como de interpretar, pasando a ser más "formales" y con un mayor peso temático, "The Queen´s suite" con seis cortes se graba en NYC entre Febrero y Abril de 1959, "The Goutelas suite" también con seis cortes se graba en NYC en 1971 y "The uwis suite" con tres cortes se graba en NYC en octubre de 1972, cada una de las suites tiene una formación musical distinta y que por extensas no voy a nombrar aquí en su totalidad solo como muestra, músicos como Clark Terry, Cootie Williams o el propio Ellington.
El creador de "Mood indigo" o "Sophisticated Ladies" nos muestra en The Ellington Suites otra cara menos popular, con menos swing y cercana a veces al impresionismo clásico, con un disco muy bien estructurado y dirigido que nos hace ver la Big Band desde otra perspectiva más culta, más intimista, sofisticada, elegante y elaborada. El resultado es de los mejores trabajos del pianista.
Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter
Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.
John Coltrane (1926-1967), apodado Trane, saxofonista tenor y soprano, compositor controvertido, se mueve en estilos de post bop, como el hard bop o free jazz, en apenas 12 años graba el grueso de su discografía donde no empieza a deslumbrar hasta que toca junto a Miles Davis. Como una maldición la heroína se ceba en los músicos de jazz de la época y Trane cae en sus redes, así su trayectoria musical no evoluciona yendo de banda en banda y de despido en despido, Coltrane recibe una oportunidad que le ofrece Miles Davis ya recuperado, de que él hiciese lo mismo y así fue, en la banda de Davis comienza a brillar y a ser llamado para más y más sesiones como freelance, haciéndose un hueco importante en el mundo del jazz, fruto de esa relación llama la atención de la discográfica Impulse para quien grabará el que fue uno de los mejores discos de la historia del jazz, para muchos el mejor: "A love Supreme". En mi opinion no creo que sea el mejor, pero sí uno de los más inspirados. Es un Opus de jazz dedicado por Trane a la divinidad que para él trascendía a cualquier religión, en agradecimiento a la fuerza espiritual que tuvo para salvar su vida, aunque fallece dos años después.
A love Supreme son 48 minutos vibrantes, alucinantes, la obra es una Suite en cuatro movimientos, en realidad son tres temas y el último de ellos se divide en dos cortes, grabada en 1964 y que interpreta con su célebre cuarteto formado por él mismo, McCoy Tyner y sus genialidades con el piano, el increible Elvin Jones a la batería que realiza un sólo magistral y Jimmy Garrison al contrabajo. Pocos álbumes han tenido la influencia de A Love Supreme, un disco que demostró que el jazz es un medio que se adecuaba a la búsqueda espiritual y creaba una fabulosa expresión de lo inexpresable, con él Trane se encontró en el climax de su carrera y llega a manifestar que: "Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite, esta es la primera vez que lo tengo todo a punto". La escucha del disco merece una dedicación intensa, escuchado atentamente el disco es una genialidad preciosa e inspirada, sin duda uno de los discos más importantes de la historia del Jazz. Esencial para cualquier amante de la música.
Larry Coryell, nace en USA en 1943 desde muy joven comienza a tocar rock y country, a los quince años comienza a recibir clases de jazz y esto cambia su futuro, se instala con su familia en NYC donde toca con Charles Lloyd y, después, con la banda del batería Chico Hamilton , también forma parte del grupo de Gary Burton, pasando después por diversas y variopintas formaciones de jazz de muy distinta índole como las de Herbie Mann, Steve Marcus y Mitch Mitchell. Después se incorporará a la Jazz Composer’s Orchestra, hasta formar su propio grupo de jazz rock, “The Eleventh House“, en 1973. Notablemente influenciado por el malogrado J. Hendrix, Larry Coryell goza de un gran virtuosismo en sus dedos que hace que las notas fluyan a una velocidad endiablada, lo que a veces dificulta la audición. en “Spaces” reúne a una constelación de estrellas musicales así: Larry Coryell es la primera guitarra, John McLaughlin: Guitarra, Chick Corea: piano eléctrico, Miroslav Vitous: Bajo, Billy Cobham: Batería.
El álbum se graba en 1969, aunque no se publica hasta 1974, “Spaces” es un excelente disco de jazz-fusión temprana, también podría estar catalogado como jazz-rock, el disco suena como si la electricidad se hubiese instalado en el jazz y le hubiese dado un impulso de energía perdiendo a cambio en el camino algo de swing. Sin duda, “Spaces” es un referente del jazz que se fabricó en los setenta y también lo es por la calidad y excelencia de todos los músicos que intervinieron en la grabación, cada uno de ellos, por separado ha tenido carreras brillantes. Lamentablemente la discografia y la carrera de Larry Coryell tiene muchos altibajos, grandes discos como “Spaces”, no son muy habituales en su trayectoria, tuvo problemas en esta época con las drogas, lo que sin duda, influyó en la constancia del músico. Coryell se incopora más tarde a una serie de exitosos conciertos en trío con John McLaughlin y Paco de Lucía. El grupo realizó diversas giras por Europa y publicó su actuación en el Royal Albert Hall de Londres, titulado “Meeting of Spirits”. A comienzos de 1980, fue precisamente, su adición a las drogas la que motivó su sustitución por Al Di Meola. Coryell de todas maneras, ha seguido componiendo y dando conciertos, así su última grabación es Duality (2011) dueto con Kenny Drew Jr. al piano. En resumen la grabación suena a aires setenteros, le sobra energía y le falta algo de swing, a veces se confunden las guitarras de Coryell y McLaughlin, íncluso éste último le hace sombra y también tiene un exceso de virtuosismo de rapidez en la interpretación por parte de las guitarras, a pesar de todo se trata de un excelente trabajo que hay que saber contextualizar dentro de la agonía del post-bop y en la eclosión del rock.
los temas del disco son:
Coryell y su guitarra
1. Espacios (Infinito) – 9:16
2. Tema de René – 4:06
3. Paso de Gloria – 4:29
4. Lo malo es bueno – 9:00
5. Chris – 9:31
6. Día de Año Nuevo en Los Angeles – 1968 – 0:20
En este disco le sale a Chick Corea su lado más jazzístico y clásico a la vez, la idea era realizar un disco de Cuartetos y adaptarlos al jazz, así sustituye el cuarteto clásico formado por violón, violonchelo, viola y contrabajo, por un cuarteto igualmente clásico, pero dentro del ámbito del jazz: piano, contrabajo, batería y saxo, cambia los intrumentos barrocos, románticos, clásicos por instrumentos de jazz. Es un proyecto personal de Chick Corea donde él asume todo el protagonismo tanto en la composición como en la interpretación, es precisamente su piano el que más claramente evidencia el diálogo entre el jazz y la música clásica. La obra se puede catalogar como Post-bop o Jazz progresivo, fue grabada para la WB y se hace acompañar nada más y nada menos que por: Chick Corea: piano, arreglos, batería, teclados, producción, notas, productor ejecutivo, Michael Brecker: saxo tenor, Steve Gadd: batería y Eddie Gomez: contrabajo. Músicos favoritos de Chick Corea, donde todos tienen un papel estelar, la elegancia de Eddie Gómez con el contrabajo, la fuerza inimitable de Steve Gadd con la batería y un Michael Brecker que se luce con el saxo y Chick Corea que en esta època se encuentra en su momento más creativo y que es un lujo escucharlo con el piano, entre los cuatro reunidos crean una poderosa energía musical que está presente durante toda la grabación.
Grabado en los Estudios de Mad Hatter, Los Angeles, California en enero y febrero de 1981, es una de las obras con mayúsculas del autor quien compone los tres cuartetos, a su vez, el cuarteto nº 2 está dividido en dos partes una dedicada al gran Duke Ellington (quien también tenía formación clásica e hizo acercamientos al mundo clásico pero revestidos de swing) y la otra parte en homenaje al gran saxofonista John Coltrane a quien parafrasea con el piano, cosa nada fácil. En Three Quartets podemos escuchar al mejor Corea, al más creativo, el resto de componentes, sin duda, esta grabación queda entre sus mejores interpretaciones. El disco es muy bueno, del mejor jazz que se puede escuchar. De 5>10 mi valoración es: 8
Elvin Ray Jones, conocido artísticamente como Elvin Jones (1927/2004), Estadounidense de Pontiac, sin formación musical reglada, crece en ambientes de Gospel, a mediado de los 50 se traslada a NYC donde trabaja con artistas ya consolidados como Charles Mingus, Miles Davis o Bud Powell. Se aferra en un primer momento al más puro Bop para ir definiendo con su batería y el paso de los años un estilo propio que marcaría el Post Bop. Hermano de los también músicos de jazz Hank Jones y Thad Jones. Su época dorada se produce junto al gran saxofonista John Coltrane con quién toca desde 1960-66, participando activamente en obras “totem” del jazz como “A love Supreme” o “Crescent”, esta etapa junto al gran maestro del saxo le marca para toda la vida, de hecho su música gira en torno a John Coltrane, a partir de aquí toca con varios grupos pequeños hasta que en 1978 crea el grupo The Elvin Jones Jazz Machine de la que nos han quedado muy buenos testimonios grabados como el álbum “Remembrance”.
Remembrance. Recuerdo, en efecto, es una de sus primeras grabaciones con la Jazz Machine, grupo con el que estuvo más de veinte años recorriendo el mundo y ofreciendo grabaciones y conciertos, además de dar paso por la formación a una serie de nuevos y grandes artistas que tuvieron la oportunidad de comenzar su andadura jazzística con el gran batería Jones. Remembrance huele a Coltrane por todos lados, el gran saxo está presente de hecho es el homenaje que Elvin Jones realiza sobre su maestro, “Cuando tocaba Remembrance, el recuerdo de Coltrane llegaba a mi memoria con la fuerza de una gigantesca avalancha”, el mismo Jones dice que no fue consciente de que mientras tocaba junto a John Coltrane estaba cambiando el curso de las cosas, no era consciente de que habría un antes y un después. Remembrance se graba en Stuttgart los dias 3,4 y 5 de Febrero de 1978, pero no se edita hasta 1980. La Jazz Machine ha sido la máquina de tambores más potente de la historia del Jazz, como curiosidad indicar que esta formación no cuenta con piano en sus grabaciones y actuaciones. Quienes hayáis escuchada a la Jazz Machine estaréis de acuerdo en que Jones es un volcán percusivo, una leyenda de la batería que tiene reservado su lugar en el Olimpo de los grandes del Jazz. Si escuchas el primer tema de este disco no vas a poder resistir la tentación de oír el resto. Elvin Jones tiene un gran sentido del swing y una gran facilidad para con la batería crear el climax adecuado, decía una de sus críticas que “esto se debe a la facilidad que tiene de pensar en tres, constantemente aunque esté tocando en 4/4 meterá frases de 3/4″. Los otros músicos de la Jazz Machine son:
Elvin Jones: batería
Elvin Jones maravilloso percusionista y baterista
Pat LaBarbera: Saxos tenor y soprano
Michael Stuart: Saxos tenor y soprano
Roland Price: guitarra
Andy McCloud III: contrabajo
Ingeniero de sonido: Gibbs Platten
Producido: Joachim E. Berendt
en total el álbum cuenta con siete maravillosos y bien elaborados temas que hacen casi una hora de grabación. Disfrútalo. De 5>10 mi valoración es: 6
