Michael Brecker: Michael Brecker

Te dejo este vídeo del tema "Sea Glass", primer

corte del álbum

Primer álbum como líder del saxofonista de Filadelfia, anteriormente dedicó mucho tiempo de su carrera como músico de estudio que era constantemente reclamado por artistas de la talla de Frank Sinatra, James Taylor,  Eric Clapton o Bruce Springsteen entre otros, da un primer paso con su hermano creando la Brecker Brothers y no es hasta 1987 cuando decide caminar sólo y sacar al mercado el álbum "Michael Brecker".
Si algo me gusta de Brecker (1949-2007) es la forma que tiene de soplar el instrumento, concisa, clara, ágil, nítida, sin fisuras ni escapes, con energía y vitalidad que desborda cualquiera de sus interpretaciones, incandescente, siempre al rojo vivo y eso te lo sabe transmitir como nadie, se mete en la piel, se hace con tu audiencia, y experimentas algo profundo que muy pocos músicos te transmiten. Brecker tiene ese privilegio.
El álbum se graba en NYC, producido por Don Grolnik y el propio Brecker, cuenta con un total de siete temas, tres de ellos compuestos por el saxofonista, con una duración total de 56 minutos, se graba para la discográfica MCA/Impulse y los créditos del disco son inmejorables en la batería Jack DeJohnette está deslumbrante, Charlie Haden en el bajo, como siempre pulcro y elegante, Kenny Kirkland en los teclados y sutil y sugerente en la guitarra Pat Metheny, más arropado en tu primer lanzamiento no se puede estar, un Quinteto de lujo.

Portada del disco

El disco es un regalo para los oídos, de un jazz academicista, puro y transparente y a la vez impredecible, con unos temas que ponen a prueba a los músicos en un desafío constante, donde Brecker lidera con autoridad y determinación, estando brillante durante toda la grabación. A partir de este álbum Brecker que contaba con 38 años se hace asiduo en los circuitos de jazz afianzándose como saxo tenor y dejándonos un gran legado musical. El disco es altamente recomendado.


De 5 > 10, mi valoración es: 8

Jack DeJohnette, John Patitucci & Danilo Pérez: Music We Are

Portada del disco

Jack DeJohnette (1942) lidera este disco, el veterano y sorprendente batería se hace acompañar por músicos de otra generación que empujan fuerte desde hace tiempo, hablamos de John Patitucci (1959) bajista nada convencional y Danilo Pérez (1965) con un estilo propio al piano y los teclados. Los tres músicos habían tenido actuaciones o colaboraciones cruzadas, pero nunca habían coincidido lo tres como trío. Sin duda, son tres singulares músicos de jazz de los que no podía salir más que un singular álbum "Music We Are", el disco se graba para la Golden Beams Productions en el estudio de Catskills el 14 de Abril de 2009 y todo él está impregnado de un aire melancólico, alegre y a la vez intimista, se percibe que los músicos se lo pasan bien grabando este disco, pero también se percibe el fuerte carácter de los tres músicos, sus estilos distintos y la fuerte personalidad de cada uno de ellos con sus instrumentos, lo que hace que no se perciba un líder claro, en este caso por cuestión de edad, trayectoria y respeto el líder asumido es DeJohnette.
Se trata de un trío, pero con "trampas" ya que cada músico dobla algunos de los instrumentos, así encontramos a DeJohnette tocando su clásica melódica en dos de los temas, Patitucci toca el bajo acústico, el contrabajo con arco y un bajo de 5 cuerdas, por su parte Danilo Pérez toca lo mismo el piano que los teclados. Lo que se nota durante toda la grabación es que el bajo y el piano de Wayne Shorter tienen mucho peso en esta grabación repleta de cambios de ritmos, de una espontaneidad manifiesta que se traduce en un proceso creativo muy interesante, repleto de atractivas composiciones, donde la música en sí transciende el formato del trío para extenderse más allá, lleno de alegres y a la vez oscuros y profundos matices, una química que se desborda cuando estos tres músicos se reúnen en el estudio de grabación, recorriendo un amplio territorio estilístico que va desde un clasicismo abstracto a los aires folclóricos  y de aquí a la más pura tradición del jazz.
El álbum lo componen un total de 11 pistas y 10 temas ya que uno de ellos se divide en dos movimientos, tiene una duración de 63 minutos y destacan  temas como "Tango African", "Panamá Viejo" o "Cobilla".

De 5 > 10, mi valoración es: 8


te dejo este vídeo de la grabación:

McCoy Tyner: Together

Portada del disco

Tuve la oportunidad de conocer "Together" en 1979, un año después de su edición, ya que el disco se graba entre el 31 agosto y el 3 septiembre de 1978, de estilo Post Bop, correspondiendo en su etapa con la discográfica Milestone,  donde de alguna manera McCoy Tyner (1938) despega definitivamente, ya hacía más de una década de su presencia con John Coltrane y viajaba en busca del camino hacía el reconocimiento personal del que sobradamente goza hoy en día con todo merecimiento.
"Toghether" es un disco que cuenta con seis temas y unos 42 minutos de vibrante música. De todos los temas el que abre el álbum "Nubia", uno de los dos temas compuestos por Tyner, me enganchó enseguida por su frescura y por la magistral interpretación de Tyner con el piano y Hubbard que se luce en un sólo espectacular de trompeta, es un tema de alto voltaje que llama tu atención de inmediato por explosivo. "Bayou fever" de Jack DeJohnette es otro de esos temas mágicos quizá el tema con un espíritu más libre de toda la grabación, aunque sigo prefiriendo a Lester Bowie interpretando este mismo tema en The New Directions de Jack DeJohnette. El resto de composiciones son de Hubert Laws, Freddie Hubbard y Hutcherson.
Los créditos son inmejorables es un octeto formado por McCoy Tyner al piano, Freddie Hubbard magistral con la trompeta, Hubert Laws con flauta y flauta alta, Bennie Maupin con saxo tenor y clarinete bajo, Bobby Hutcherson con el vibráfono, Stanley Clarke con bajo acústico, Jack DeJohnette con la batería y Bill Summers en la percusión.
 El disco en su globalidad es un volcán donde todos los componentes tratan de expulsar lo mejor de sí, todos los miembros tocan como si tuvieran algo que demostrar, la grabación no se puede quitar de encima un cierto tufo a aire setentero alentado por el potente bajo de Stanley Clarke y la batería de DeJohnette. McCoy Tyner merece mención aparte ya que se trata de uno de los protagonistas que ha dado forma a lo que conocemos hoy por jazz moderno, sus sofisticados acordes y una endiablada mano izquierda que hace que trascienda de los convencionalismos para llegar a ser uno de los sonidos más personales del jazz, dando forma al lenguaje que actualmente utilizan la mayoría de pianistas. Sin ninguna duda "Together" es una de sus obras más vibrantes.
Te dejo un enlace con el electrizante "Nubia" http://www.youtube.com/watch?v=RvO4wW16984

De 5 a 10, mi valoración es: 9

George Benson: Body Talk

Caratula del disco

http://www.youtube.com/watch?v=kIDx5r0JkZY en este enlace tienes un tema de Body Talk para escuchar.

Body Talk pertenece a esa época dorada en la que el guitarrista George Benson graba para la discográfica CTI, se trata de un álbum de estudio grabado en 1973 en Van Gelder Studio de New Jersey, en la edición de vinilo cuenta con cinco temas y ya en la edición digital para CD incluye un bonus track. En la guitarra se encuentran George Benson y el también grande Earl Klugh muy compaginados, asumiendo cada cual su papel de primera y segunda guitarra, con el bajo están Ron Carter y Gary King, en la batería nada más y nada menos que Jack Dejohnette y un extra de percusión a cargo de Mobutu, Harold Marben toca el piano electrico,  cuenta también con el acompañamiento de una cuerda de instrumentos de viento formada por dos trombones, tres trompetas y un saxo tenor, que en este disco juegan un papel menor, el papel principal lo asumen las dos guitarras, el bajo y la batería, ya que a veces rozan el jazz funk. El disco está dirigido y arreglado por Pee Wee Ellis.
Body Talk pertenece a esas grabaciones legendarias que Benson realizó entre 1971 y 1976, ese camino lleno de buen sonido donde casi llegó a crear un estilo propio, con un sonido fresco, distinto, muy del momento, como siempre acompañando con sonidos guturales las notas de su guitarra, a esta época pertenecen "Bad Benson", "White Rabbit" o "Beyond the horinzon blue", todos junto a "Body Talk" forman sin duda, la mejor etapa del guitarrista, una época llena de creatividad y vitalidad que desgraciadamente se ve truncada por un cambio de tendencia de Benson que le arrastra hacía sonidos pop.

De 5 > 10 mi valoración es: 6

Danilo Pérez: Providencia

Carátula del álbum Providencia

   Cada vez son más los músicos latinos que entran en el escenario del Jazz con fuerza como es el caso del Panameño Danilo Pérez, quien ya desde pequeño se empapó de la música que le enseñó su padre, Danilo recibe formación clásica y estudia con distintas becas en Estados Unidos, siendo aún estudiante ya toca con músicos como Paquito D´Rivera, en la década de los 80´s tiene una larga lista de colaboraciones Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Nuñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Gary Burton o Steve Lacy. Es en la década de los 90´s cuando adquiere madurez como músico llegando a grabar álbumes tan importantes como PanaMonk, dedicado al legendario Thelonious Monk,  el disco es nombrado "obra maestra del jazz" por el New York Times, siendo además elegido como uno de los 50 mejores álbumes de jazz piano.
     Providencia es su último trabajo en el que se exponen ideas nuevas, estilos singulares, donde se funden ritmos panameños como "el tamborito" con complejos ritmos. El disco suena a jazz renovado, en él se crean nuevos vocabularios musicales donde se entrelazan en perfecta armonía estilos, instrumentos y voces en una mezcla compleja que nos muestra otra manera de entender la música y el jazz en particular, lo clásico, el free, el hard, lo folklorico, lo afrocubano, el be bop, hasta reminiscencias de fado y como no el famoso bolero Panameño "es la historia de un amor" (Eleta Almaran) donde Danilo sin perder la armonía original del bolero crea ambientes mágicos. En definitiva el músico crea nuevas propuestas para el jazz contemporáneo.
     El disco se graba en 2010 para la discográfica Mack Avenue y son once los temas de este magnífico trabajo de jazz moderno, los músicos que conforman la grabación son: Danilo Pérez con el piano, Ben Street en el contrabajo, Adam Cruz como batería, Rudresh Mahanthappa con el saxo alto, Jamey Haddad en percusión, con las congas Ernesto Díaz, con una magnifica voz está Sara Serpa, Matt Marvuglio en flauta, Barbara Laffitte con el nada jazzístico oboe, Amparo Edo Biol con el desconocido corno francés, Margaret Phillips con el fagot y José B. Meza con el clarinete. Con este disco Danilo Pérez nos demuestra que es un músico comprometido con abrir nuevos caminos y nuevos aires al mundo del jazz.

 Clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=51OmGV8_H74 y escucha un ensayo de Danilo Pérez del tema Providencia.

De 5>10 mi valoración es: 8 

Michel Portal: Bailador

Carátula del disco

Michel Portal (Bayona 1935), el clarinetista y compositor francés, nos deleita con un nuevo álbum “Bailador”. De formación musical totalmente clásica,  se especializa en el clarinete, teniendo una relación muy estrecha con la música folklorica del País Vasco Francés y por supuesto con el jazz, muy influenciado por W.A. Mozart, Brahms y Schumann. Es en la década de los 70´s cuando forma un grupo experimental, el Michel Portal Unit, con el que se sumerge definitivamente en el campo del jazz, ocupando un lugar preferente dentro del panorama jazzístico europeo, en Francia es considerado el padre  del jazz francés moderno.

“Baïlador” es el que hace el nº 23 entre sus álbumes. Ha formado un nuevo quinteto con dos artistas con mucha historia dentro del jazz y con caché como son Jack DeJohnnette y Scott Colley en la sección rítmica, por el contrario, apuesta por dos promesas del jazz contemporáneo: el interesantísimo pianista Bojan Z, que a la vez produce el disco y el trompetista revelación  Ambrose Akinmusire .  Excelente mezcla de veteranía y savia nueva lo que hace de Bailador una obra muy interesante y ya recién nacida casi una obra esencial de su discografía.

Componen el álbum un total de ocho temas de los que seis son nuevas composiciones, brillantes, coquetas, complejas  y sofisticadas. La esencia de Michel Portal está en este álbum realizado con el rigor,  la relajación, el conocimiento, la generosidad, la técnica, el disfrute, la precisión y su estrecho conocimiento de las distintas facetas de la improvisación. El disco ha recibido las mas enfervorizadas críticas tanto en Europa como en Estados Unidos.  Suena francamente bien, su sonido es limpio, bien estructurado, con ricas y entrelazadas armonías, donde todos los músicos tienen su oportunidad para lucirse, se nota una rica y todavía fresca batería de DeJohnnette y un sonido dulce a clarinete, un Quinteto ideal, bajo batería, piano y dos vientos, con esta obra Portal nos demuestra que lo clásico y el jazz, se atraen como los polos opuestos de los imanes, y que nunca ha olvidado su amor por el Jazz.

los temas del disco son:

Clarinetista, Saxofonista, Bandoneista y compositor

Dolce
Bailador
Cuba Si, Cuba No
Ombres
Citrus Juice
Alto Blues
One On One
Tutti No Hystérique

De 5>10 mi valoración es: 8

Keith Jarrett: Yesterdays

Carátula del disco

Clickea este enlace para oír una pieza del Yesterdays de Jarret http://www.youtube.com/watch?v=ciZFZD8Y38w

Keith Jarret, uno de los pianistas más grandes de la historia de la música y del jazz en particular, nacido en USA en 1945. Versátil y sobretodo virtuoso con el teclado, en su carrera ha interpretado lo mismo a artistas clásicos como J.S. Bach, Haendel o Mozart, que músicos minimalistas, pero destaca en el jazz de vanguardia donde ha tocado con músicos de la talla de Miles Davis, Chíck Corea, Charlie Haden, Roland Kirk, Art Blakey o Gary Burton, entre otros muchos. En 1972 comenzó sus conciertos improvisados con The Köln Concert, que le han dado fama mundial y que sin duda, es su obra más reconocida.

Durante  los últimos treinta años Keith Jarrett es aclamado como uno de los músicos más creativos de nuestra época, reconocido universalmente como un improvisador genial.  Su proyecto más duradero es The Standards Trio junto a Gary Peacock (contrabajo) y Jack DeJohnette (batería), con quienes lleva más de un cuarto de siglo actuando.  En 2009 y para el sello ECM  publica Yesterdays, que  forma una cuatrilogía con”The Out-of-Towners”, , “Always Let Me Go” y “My Foolish Heart”, ya que todos estos discos, pertenecen a la gira de 2001, grabados en el Metropolitan Festival Hall de Tokyo. Aunque hay quienes acusan a  ECM de sacar un disco de esta gira cada vez que necesita un “superventas”, sin duda estamos ante otra magnífica grabación. De lo que no hay ninguna sospecha es de que 2001 fue un año de una cosecha asombrosa para el que es considerado por algunos como  “el mejor trío del mundo”. Sólo los grandes genios son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente, el grupo de Jarrett demuestra un gran dominio del repertorio y sus directos son siempre una caja de sorpresas en la que no sabemos lo que va a pasar. Mencionar “Strollin”’,  en la que la interacción entre los tres músicos, así como el virtuosismo y la sorprendente velocidad de piano y sección rítmica son de un nivel muy avanzado. Sin embargo, quizás este sea uno de los discos en los que más destaca el contrabajo de Peacock, sus solos en “Scrapple from the Apple”  o en “You’ve Changed” se encuentran entre lo mejor que ha interpretado el contrabajista. Como colofón una versión de “Stella By Starlight”  grabada durante la prueba de sonido. Son 75 minutos de contrabajo, batería y piano con giros impredecibles y exquisitos, con una interacción del trío constante y rica en matices que tiene como resultado un disco más de esta serie de conciertos del 2001 del que “Yesterdays” es el último álbum extraído de la que es sin duda la época más productiva del jazzmen americano.

los temas de Yesterdays son:

Keith Jarret, Peacock y Jack DeJhonette

01. Strollin’ (8:12)
02. You Took Advantage Of Me (10:13)
03. Yesterdays (8:55)
04. Shaw’nuff (6:11)
05. You’ve Changed (7:55)
06. Scrapple From The Apple (9:02)
07. A Sleeping’ Bee (8:18)
08. Smoke Gets In Your Eyes (9:01)
09. Stella By Starlight (7:50)

De 5>10 mi valoración es: 8

Jack DeJohnette: New Directions

Jack DeJohnette (1942) nacido en Estados Unidos, conocido dentro del jazz por ser un músico vanguardista con la batería, donde introduce nuevas formas y elementos en los ritmos, también es pianista y compositor. Forma parte en 1966 del cuarteto de John Coltrane, también ha sido miembro de la banda de Charles Lloyd, ha tocado y grabado con Jackie McLean, Herbie Hancock, Joe Henderson y Bill Evans, en 1969 se integra enla banda de Miles Davis donde permanece hasta 1972, durante esta época graba con Wayne Shorter, Chick Corea, Lee Konitz, Miroslav Vitous, Freddie Hubbard y otros muchos. Al dejar la banda de Miles Davis se acerca a músicos de muy distinto talante musical como Sonny Rollins, Stanley Turrentine, Keith jarret (con el que permanece 20 años), Cannonball Adderley y McCoy Tyner. Su dilatada carrera nos deja una también dilatada discografía  repleta de buenas grabaciones de estudio y en vivo con los mejores músicos del mundo.

Jack DeJohnette New Directions es un proyecto que nace en 1978 y que sucede a un primer proyecto denominado “Directions”,  en ésta su primera grabación dejan una obra maestra. DeJohnette con la batería y percusión, el gran John Abercrombie toca la guitarra y la mandolina, Lester Bowie da un sonido especial, mágico y acompasado a su trompeta y el sinuoso Eddie Gómez hace maravillas con el bajo, éstos cuatro músicos forman la Jack DeJohnette New Directions que durante el mes de Junio de 1978 en la ciudad de Oslo graban este magnífico vinilo para la discográfica ECM. Trompeta y guitarra alineadas con el contrabajo y la batería.  Es su segundo proyecto

el álbum lo componen cuatro temas, todos de larga duración, el que menos dura 5:56 y el que más 12:27 minutos, en total cerca de 50 minutos de buena e intensa música. Álbumes como este ayudan a conocer la posterior evolución de algunas formas musicales dentro del jazz.liderando un grupo, desde entonces hasta ahora han sido muchos y exitosos los proyectos del baterista. La nueva formación recibe el beneplácito de la crítica y logra crear sonidos originales, nuevas formas de entender el diálogo de los instrumentos dentro de una conversación musical, todo ello dentro del jazz, a veces hace jazz fusión o incluso hay quien cataloga su música como new age, yo no soy de esta opinión, DeJohnette investiga, se atreve y adentra en nuevas aventuras musicales creando nuevos estilos, pero en ningún momento está fuera del jazz, muy al contrario está creando corriente, haciendo contribuciones importante en la evolución del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 6