ROUND MIDNIGHT

 

Charles Tolliver and his All Stars: Paper Man

Charles Tolliver es uno de esos músicos que con frecuencia pasa inadvertido para la gran mayoría de amantes del jazz, también para las discográficas que no han relanzado su obra, cosa que parece inadmisible, ya que hablamos de un talento en la ejecución de la trompeta, se inició en los sesenta con Max Roach, fue en esta época cuando fue nº 1 como "trompetista promesa" por la revista Down Beat. El propio Tolliver hace un paréntesis en su carrera quizá demasiado largo y que dio pie a que su nombre no suene como se merece.
Tolliver en la década de los sesenta y setenta, era un músico tan brillante como Lee Morgan o Freddie Hubbard, discípulo de los Jazz Messengers de Art Blakey, lleva el jazz en las venas. Utiliza una técnica verdaderamente notable, de tono brillante y agresivo, excelente improvisador, consiguió que su música fuese un hard bop que sin abandonar los cánones establecidos, de forma vibrante y vanguardista, se asomaba siempre un poco más allá de la ortodoxia bopper de la época, su música sonaba a inconformismo y a permanente búsqueda.
Tres grabaciones realizó Tolliver para el sello Black Lion, Paper Man se grabó en julio de 1968, cuenta con un total de seis temas, todos compuestos por el trompetista de Jacksonville, tiene una duración cercana a los cuarenta minutos y se hace acompañar por Herbie Hancock al piano, Ron Carter al bajo, Joe Chambers en la batería y en los temas de la cara B, además interviene el saxo alto Gary Bartz. Con este acompañamiento y la calidad de las composiciones, el disco te invita a su continua escucha, destaco los temas Peace With Myself y el blues funky Paper Man. La grabación es buena,  el piano suena a la derecha, el bajo a la izquierda y batería y vientos al centro.
Con frecuencia el éxito viene por la sencillez, por lo simple, lo que constituye un desafío formidable para la improvisación e inventiva de los músicos, tornándose más difícil sostener un flujo de ideas sobre una estructura simple que sobre una compleja secuencia de acordes, en eso Tolliver era un maestro.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Un vídeo con el tema Earl´s World, primer corte del vinilo

Lee Morgan: Search for the New Land

Lee Morgan y caratula del disco sobreimpresionada

Search for the New Land  es seguramente el álbum que Lee Morgan (1938-1972) tuvo con una formación más moderna e innovadora, el trompetista de Philadelphia fijó su atención en la búsqueda y exploración de lo que fue su disco más exitoso, hablamos de The Sidewinder, del que trató de sacar el máximo provecho posible apurando el filón comercial, hasta el extremo de que la discográfica no lanzó el disco al mercado hasta dos años después de su grabación, con la intención de sacar la máxima rentabilidad posible al disco anterior, comercialmente tendrá su explicación, pero artísticamente es algo inexplicable. En Search for the New Land nos encontramos con un Morgan más intimista, más abstracto y a la vez centrado, en definitiva más maduro, con lo que consigue un álbum de una alta calidad técnica, más introspectivo y maestramente interpretado por una formación de lujo que estaba compuesta por Lee Morgan en la trompeta, Reginald Workman quien da un excelente juego con su bajo, Billy Higgins en la batería, arropa a todos los instrumentos y no destaca, lo mejor que le puede suceder en esta grabación, Grant Green está soberbio con la guitarra y aporta una calidad especial, como de otro mundo al conjunto, sobre todo en la pista que da título al álbum, Herbie Hancock elegante con el piano y Wayne Shorter disputando liderazgo con su saxo y ofreciendo un excelente juego de vientos con la trompeta. Un sexteto de lujo, formación que Morgan no juntaba desde 1950 y es que con este álbum consiguió uno de sus mejores registros. Todos los músicos están frescos y consiguen un estimulante resultado donde estiran los límites del  hard bop, corriente principal del jazz moderno de la época con especial creatividad.
El disco se graba en New Jersey el 15 de febrero de 1964, en los estudios del afamado Rudy Van Gelder, tiene una duración de 42 minutos, la posterior reedición en CD es un duplicado del LP origínal, son cinco temas intensos  todos ellos compuestos por Morgan, donde brilla como un compositor de gran talento, cronológicamente el álbum se sitúa entre The Sidewinder (1963) y Tom Cat (1964), sin duda años claves para el jazz y prolíficos para el trompetista.
En definitiva, la grabación es magnífica consiguiendo un doble objetivo, convencer y gustar a los puristas y también a los más vanguardistas, ya que es musicalmente innovadora, pero firmemente atada a la tradición, dando como resultado un disco estimulante, agradable y coherente que te invita a su escucha una y otra vez.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Te dejo un video con el tema Morgan the pirate

Steve Turre: Rhythm Within

"Rhythm within" constituye una rareza en el panorama del jazz y de la música en general, una singularidad especial de su autor Steve Turre (1948), el músico boliviano es un virtuoso del trombón, con este instrumento ha colaborado con la élite del jazz, pero también es virtuoso de otro instrumento, cuya afición le viene de su época en la banda de Roland Kirk, en efecto fue el saxofonista quien lo introdujo en la afición de tocar "conchas marinas", así el músico se ha especializado en tocar distintas caracolas de distintos tamaños procedentes del fondo de los océanos. Puede parecer frívolo pero Steve Turre ha desarrollado técnicas con estos instrumentos que lo hacen un verdadero especialista, consiguiendo sonidos tan puros que a veces uno duda si realmente se trata de caracolas marinas o instrumentos de metal en todo su esplendor. Dicha la "rareza" del disco hay que señalar también que ésta es su singularidad, su principal peculiaridad y su mayor atractivo musical, ya que es un álbum muy original.
En la grabación de "Rhythm within" Steve Turre muestra sus dotes como músico, director y arreglista, consiguiendo un sonido de conjunto muy rico en diferentes texturas, donde la combinación de los instrumentos de viento tradicionales con las conchas marinas crean un ambiente exuberante con una fuerte carga de aires funk y de un seductor latin jazz que preside todo el disco. Pocos músicos pueden igualar la habilidad de Turre con el trombón, su técnica con este instrumento le han hecho merecedor de las más altas calificaciones de la prensa especializada, también como "shellits" es capaz de extraer el más cálido lirismo de estos instrumentos naturales, alguien dijo de él "probablemente podría extraer melodías de una vieja cafetera".
El disco cuenta con un total de 9 temas de los que cuatro son compuestos por Turre, el resto son estándares como "All Blues" de Davis o "Body and Soul", tiene una duración total de 65 minutos y se graba en el año 1995 para PolyGram Récords. Durante toda la grabación está acompañado por su banda habitual y por músicos de la talla de Britt Woodman con el trombón, el trompetista Jon Faddis, en el saxo tenor está Pharoah Sanders, en la batería está Victor Lewis y en el piano Herbie Hancock. Turre durante todo el disco cambia las formaciones pasando de grupos de un máximo de diez componentes a un mínimo de seis, en algunas pistas Turre se dobla con las caracolas, además de utilizar su coro de "shells" y darle a todo una fuerte carga rítmica con hasta tres percusionistas a la vez. Un disco con unos arreglos excelentes, muy cuidado, con temas meticulosamente elegidos y con la combinación exacta de músicos para cada tema y sobre todo bien dirigido, el resultado Rhythm Within donde Steve Turre tuvo la habilidad de combinar con mucha profesionalidad, el jazz más tradicional con la originalidad y singularidad de la rareza "shell".

De 5 > 10, mi valoración es: 6

Dexter Gordon: Round Midnight

El film nos lleva a un callejón oscuro, a la profundidad de un Club de Jazz, en París, en cuyo escenario encontramos a Dexter Gordon dando vida a un saxofonista alcohólico y drogadicto, sin más vida que su hotel y su Club de Jazz, su vida se transforma cuando un aficionado entra en su mundo y hace cambiar su destino renaciendo artísticamente, ésta es una resumida sinopsis de la película del francés Travernier para entrar en ambiente de lo que es su B.S.O. "Round Midnight" es ante todo un musical donde importantisimos músicos tocan en directo sobre un escenario de jazz (sin playblacks), en una sola toma, a músicos que hacen de actores como Herbie Hancock, Bobby Hutcherson o el mismísimo Dexter Gordon, donde podríamos decir que se interpretan a sí mismos. La música la arregla y compone en parte un joven Herbie Hancock quien recibió un Oscar por ello. El elenco musical es: Cedar Walton, Bobby McFerrin, Lonette Mckee, Ron Carter, Pierre Michelot, Chet Baker, Tony Williams, Billy Higgins, John Mclaughlin, Bobby Hutcherson, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Dexter Gordon. Seguramente enumerando sólo a los músicos está todo dicho.
Los verdaderos protagonistas son los músicos y la música misma, donde se vive el jazz en cada nota, en una auténtica atmósfera de club de jazz, donde la  música es sublime, hasta la voz de Dexter Gordon parece parafrasear a su saxo.
El tema que da nombre al film "Round Midnight" es aquel que compuso Thelonious Monk y que aquí modula las lineas melódicas con su voz el sinuoso Bobby McFerrin sin que pierda el aire "Monk". Dexter Gordon está como en familia, a sus anchas, como en sus mejores y gloriosos tiempos, sublime, a destacar el emparejamiento musical entre Gordon y Wayne Shorter al interpretar el tema "una noche con Francis" dedicada a Bud Powell y a Francis Paudras, verdaderos protagonistas de la historia real en la que está basada el film, Gordon y Shorter, dos generaciones unidas con un resultado increible. Por su lado, Herbie Hancock está inspiradisimo y quiero resaltar la presencia testimonial de Chet Baker en "Fair Weather" dando un toque de elegancia y belleza al conjunto que le confiere caché al producto, su voz y su trompeta cautivan.
La peli tiene una segunda parte musical y publicada con posterioridad,  Dexter Gordon: "The other side of Round Midnight", pero ese será otro post.

De 5 > 10 mi valoración es: 10

Wayne Shorter: "Speak No Evil"

Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter

Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.

De 5>10 mi valoración es: 10

George Benson: White Rabbit

Carátula del disco

White Rabbit como el conejo de Alicia en el país de las maravillas así tituló George Benson el disco que hoy voy a comentar, para empezar puedes degustar su sonido clickeando este enlace http://www.youtube.com/watch?v=SUuDAOaBT64 El disco se grabó en Noviembre de 1971 para el sello discográfico CTI, época en la que Benson compone un jazz más genuino, más académico, porque el autor ha tenido en su dilatada carrera musical vaivenes entre unos estilos y otros, con CTI está desde 1971 a 1976 y graba sus mejores discos, a partir de esa fecha firma con la WB y acaricia un estilo más popero que a mí personalmente me defraudó.

Su época de jazz es fructífera y muy buena, con grabaciones como “Body talk”, “Beyond the Blue horizon”, “Bad Benson” o “Weedend in L.A.” ya grabado para la Warner, pero en directo y donde bebe de grabaciones de CTI. White Rabbit forma parte de esta época dorada de Benson, el disco está producido y arreglado por Don Sebesky quien lo que toca lo convierte en oro, el disco tiene aires de sonidos españoles (Sebesky ya produjo el Concierto de Aranjuez de Jim Hall) que por los años 70 estaba muy de moda incorporar sonidos aflamencados o ritmos españoles a ritmos puramente jazzísticos con unos resultados espléndidos, de hecho algunas de esas versiones son ya clásicos dentro del jazz. el Lp tiene un sonido espectacular, cuenta con cinco temas White rabbit, Theme from summer of´42, little train, California dreaming y el mar. George Benson toca la guitarra con un sonido dulce, bien encadenado y es muy típico que acompaña al unísono las notas de las cuerdas de su guitarra con un sonido gutural muy característico y que es uno de sus sellos personales inconfundibles.

Para la grabación del disco se hace acompañar nada más y nada menos que por Herbie Hancock en los teclados, por los guitarras acusticos Jay Berliner y Earl Klugh, al bajo el gran Ron Carter, Bill Cobham dando su toque especial a la batería, en la percusión Airto Moreira y Phil Kraus y Gloria Agostini toca pasajes con el harpa , Hubert laws en flauta y clarinete. ahí queda eso. El disco se ha convertido por méritos propios en un clásico dentro del panorama jazzístico, es una gran obra musical a tu alcance. De 5>10 mi valoración es: 6

Benson y su guitarra

Herbie Hancock: River, the Joni letters

Clickea este enlace para escuchar una pieza del disco http://www.youtube.com/watch?v=TazdEF9vIAE

Hoy me he dado cuenta que el 90% de los post que he publicado en este Blog tiene que ver con artistas que tocan piano o guitarra, no era consciente de ello hasta ahora. Curioso.

Herbie Hancock es uno de esos músicos todoterreno que estando dentro del panorama jazzístico siempre le ha gustado coquetear con otras influencias y estilos, creo que menos freejazz, ha tocado de todo desde el Be Bop hasta nuestros días, en una palabra le gustan “todas” y ha bailado con todas en su momento, frivolidades aparte Hancock es uno de los grandes músicos contemporáneos no voy a relacionar aquí los músicos con los que ha tocado porque la lista sería interminable, ha bebido y cogido lo mejor de cada uno de ellos y le ha dado su toque personal, estílisticamente podemos denominarlo como cambiante, dicho ésto su estilo al piano y a los teclados son totalmente reconocibles como del autor con sus rasgos complejos y urbanos.

River, the Joni letters es un álbum que dedica a la cantante Joni Mitchell y que recicla y arregla una serie de temas habituales de la artista, grabado en 2007,  los interpreta con su banda de all star habitual : Lionel Loueke (guitarra), Wayne Shorter (saxos), Dave Holland (bajo) y Vinnie Colaiuta (batería). Además incluye una serie de artistas vocales entre las que se encuentra la propia Mitchell, que canta  Tea leaf prophecy, Norah Jones, Corinne Bailey Rae, Tina Turner, Luciana Souza y Leonard Cohen, que más que cantar recita en Jungle line. Son un total de 10 temas los que componen el disco, cuatro intrumentales y el resto con vocalista, todos compuestos por Mitchell salvo Nefertiti (W. Shorter) y Latitude (Duke Ellington) con un estilo sosegado, tranquilo (como el que transmite Joni Mitchell), de jazz auténtico, con un toque urbano, a veces oscuros, casi underground,  con toques armónicos complejos que tienen como resultado un excelente álbum que cuando lo oyes, sabes que es distinto, sabes con la primera escucha que es bueno, muy bueno y que te llega y llena completamente, es de esos discos, además que no te cansas de escuchar porque siempre suena fresco. Ni que decir que las vocalistas están todas en estado de gracia. Genial.

De 5>10 mi valoración es: 8

An evening with HERBIE HANCOCK & CHICK COREA in concert

sólo dos pianos de cola, carátula del vinilo

Clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=Ly7xD8Sj6W0 para disfrutar de solo piano.

El momento álgido de todo músico debe ser cuando decide dar conciertos al desnudo, cuando debe enfrentarse a un auditorio repleto con la desnudez de un sólo instrumento, este acto requiere valentía y sin duda, debe coincidir con un gran momento de autoestima, esto es lo que sucede con esta grabación que dos músicos consolidados, admirados por innovadores, procedentes de mundos distintos, pero paralelos, tecladistas más que pianistas, ya que tocan todo tipo de teclados electrónicos y que coquetean con el mundo del jazz-rock, del jazz-soul del jazz-fusión, es decir, el post-bop, hacen de repente, un parón en sus trayectorias musicales y deciden unir sus talentos, y enfrentarse al mundo musical con un concierto de solo piano, además pianos de cola, es una unión de lujo, los músicos el uno frente al otro y cada uno frente a su piano. Poco más se puede decir que no imaginéis, porque “An evening with Herbie Hancock & Chick Corea in concert” es un excelente disco. Da igual el estilo de jazz que te guste, incluso el género musical que escuches habitualmente, este concierto, este disco debe estar en tu biblioteca musical sin excusas y por supuesto en tu memoria musical sin dilación, sus vibraciones deben oscilar con tus vibraciones vitales. Es un disco de los que se debe estudiar en las academias musicales, un disco para los amantes del piano, instrumento protagonista de la grabación, hasta en la breve presentación que hace Chíck Corea de Herbie Hancock hay musicalidad en su voz.

El disco grabado para Columbia (CBS) ofrece una selección de los más inspirados temas que el dúo interpretó a lo largo de una serie de conciertos ofrecidos a principios de 1.978, grabado con una excelente calidad acústica y respetando en todo momento las grabaciones tal cual se dieron en los distintos conciertos, así como el orden de los temas que aparecen en el vinilo, manteniendo así intacta la integridad y el espíritu de estos conciertos y la relación entre músicos y público. El disco se grabó en directo en Masonic Auditorium de San Francisco; Dorothy Chadler Pavilion de Los Angeles; Golden Hall de San Diego y Hill Auditorim, Ann Arbor en Febrero de 1978 y es muy importante indicar para el oyente que el piano de Herbie Hancock aparece a la izquierda y el de Chíck Corea a la derecha en todo el disco.  Al interesante comienzo con Someday my Prince will come, pieza infantil que sacó del olvido Miles Davis, le sigue el bello estándar Liza , de Geoge Gerswhin, uno de los grandes aciertos del álbum. Del resto, destacan las versiones de Maiden voyage, composición de Herbie Hancock La fiesta de Chíck Corea. Son seis temas en total donde la pieza más corta dura 8:59 minutos (Liza) y la más larga 22,00 minutos (La fiesta). moviéndose el resto entre éstos parámetros.

El concierto, el disco es una genialidad, un reto superado con éxito, un deleite para nuestros oídos, un clásico ya, dentro del panorama jazzístico y musical de todos los tiempos, dos maestros, dos pianos de cola y dos vinilos para la historia.
De 5>10 mi valoración es: 10