George Benson: Body Talk

 

Joshua Redman Quartet: Blues for Pat - live in San Francisco

El saxofonista tenor Joshua Redman llegó a la escena del jazz a principios de los noventa, aportando un sonido progresivo y refrescante, en pocos años fue capaz de construir un perfil musical propio, para él lo más importante en el jazz es la improvisación, "Tocar como lo sientes en el momento esa es la manera en la que entiendo el jazz. No necesitas una fórmula en particular sino simplemente dejarte fluir, que domine el espíritu de la sorpresa, lo impredecible y descubrir cosas en el instante”. 
Blues for Pat - live in San Francisco es un álbum en vivo que Redman graba junto al cuarteto formado por Redman al saxo tenor, Pat Metheny a las guitarras, Christian McBride al bajo y Billy Higgins a la batería, con seis temazos grabados durante 70 minutos en un club de San Francisco, donde Redman y Metheny interactúan constantemente en el campo de las emociones, ambos claramente inspirados. Es de señalar el tema St. Thomas de Sonny Rollins donde ambos músicos, saxo y guitarra dialogan incesante y creativamente durante 18:26 minutos sobre el escenario, también digno de mención Carla´s Groove con el que cierra el álbum y el concierto.
Lo peor: la grabación, con una notable falta de calidad en el sonido, ¡hasta cuesta trabajo escuchar los solos del contrabajo! da la impresión de una grabación pirata, una cuestión técnica no bien resuelta que afortunadamente el cuarteto con su trabajo e inspiración hace que te olvides de ello. Blues for Pat, forma parte del inicio de la carrera del saxofonista de Berkeley, ya en este álbum vemos como se reinventa, se reivindica, expande y agrega colores a su paleta musical.

Valoración Personal: 8

Kenny Burell & John Coltrane

Magnífico escaparate de ambos músicos, guitarra y saxo tenor juntos, la primera vez que Coltrane se atreve a dialogar con éste instrumento y la única que hace un dueto guitarra-saxo, es en el primer corte del álbum "Why was i born?", 3:11 minutos maravillosos en una combinación íntima, lírica, sensual, de gran belleza, un auténtico regalo para el alma, donde Burrel y Coltrane se encuentran en un inmejorable momento, aún estarían por venir las mejores grabaciones de ambos, pero ya sería por separados, ya que este fue su último disco juntos. La sesión se grabó el 7 de marzo de 1958 en los estudios de Rudy Van Gelder, cuenta con un total de 5 temas y una duración total de 37:24 minutos, además de Burrell a la guitarra y Coltrane al saxo tenor, el resto del quinteto está formado por Tommy Flanagan al piano, Paul Chambers al bajo y Jimmy Cobb a la batería, cinco maestros que dialogan sin parar durante todo el disco, donde Flanagan tiene también un gran protagonismo sobre todo en el 2º corte "Big Paul", un blues que dura 14:03 minutos, donde cada miembro del quinteto despliega sus mejores artes para lucirse ante el resto.
Es uno de los discos más olvidados de Trane, cuando en realidad es una maravillosa "Jam Session", quizá influye que sólo un mes antes grabó "Soultrane" y éste eclipsa este maravilloso disco, sin embargo lo que hace especial este disco es la contribución de los cinco miembros, lo que en un principio parece el lucimiento de los dos co-líderes, al final es un esfuerzo de grupo, donde cada uno busca el centro de atención. El tono general es agradable, relajado, por momentos íntimo y sobre todo de muy buenas vibraciones entre los músicos, lo que se traduce en que esas buenas vibraciones se transmiten en su escucha.

Valoración personal: 9,5

Jim Hall: Live!

El álbum se graba en Toronto el 10 y 11 de septiembre de 1975, el guitarrista Jim Hall conforma un trío con el bajo Don Thompson y el batería Terry Clarke, entre los tres supieron abstraerse de la corriente setentera del momento y ofrecernos un post bop de mucha calidad. La grabación capta a un Hall en uno de sus mejores momentos, donde nos recrea con solos de guitarra largos, algo que no es habitual en él. El disco que tiene una duración de 41:29 h., cuenta con 5 temas todos ellos estándares, Hall usa su gran imaginación y maestría para no caer en clichés o patrones que nos suenen repetitivos, consiguiendo que la grabación que es en vivo, tenga una espontaneidad y frescura que a veces le falta a las grabaciones de estudio.
El rasgueo de Hall a las cuerdas de su guitarra es lento, pausado, a veces entrecortado, relajado, además increíblemente sofisticado, realizando un trabajo sutil e inteligente, donde en cada escucha se descubren nuevos elementos y matices. El éxito del álbum se debe principalmente a la interacción de los tres músicos, todos tocando a un mismo nivel, Don Thompson en particular es casi otro guitarrista tocando a dúo con Hall, por su parte Clarke controla las baquetas con maestría y mucho estilo.
El guitarrista de Búfalo, nos dejó un gran legado con este gran álbum que huele a música fresca, llena de sutilizas elegantes, interacciones muy estudiadas y a la par espontáneas y ese toque y estilo tan característico de Hall que le hace inconfundible. Tengo el vinilo desde finales de los setenta y lo guardo como lo que es: un tesoro.

Valoración personal: 9

Charlie Haden & Pat Metheny: Beyond The Missouri Sky

No soy amigo de escribir un post por la ida de un músico, más bien oigo su música, hoy ha fallecido el gran bajista Charlie Haden, D.E.P. Haden me ha acompañado musicalmente durante las últimas décadas, desde el Free Jazz de Ornette Coleman hasta las tranquilas y sosegadas composiciones de sus últimos años, en ambos lados de ese péndulo me encuentro cómodo. En estos momentos de tristeza he ido a mi biblioteca musical y he elegido el disco maravilloso que grabó con su paisano Pat Metheny "Beyond The Missouri Sky", grabado en 1996 y lanzado al mercado el 25 de febrero de 1997 para la Verve Récords, cuenta con un total de 13 temas, 3 de Haden, 1 de su hijo Josh, y 2 de Metheny, algún otro tema con aire cinematográfico de Henry Mancini o Ennio Morricone, en total 69:11 minutos maravillosos.
Es sin duda, un sublime dueto, que trasciende el género, ambos compartiendo el linaje de Missouri, como argumento temático, entre ambos maestros forjan un estilo lírico, íntimo, acústico, centrándose en la pureza del tono y la armonía. Metheny hace predominar las guitarras clásicas y Haden moviéndose con toda facilidad por los registros altos de su instrumento, ambos dando un ejemplo de coherencia emocional y musical, en un dialogo generacional bello, una sólida comunicación musical que transciende sus respectivos caminos profesionales, profundizando en los ámbitos de la calma, la tranquilidad, a través del minimalismo, una compartida visión musical de los orígenes y del alma, desarrollan una complicidad tierna, delicada en un discurso musical simple: Guitarra y Contrabajo.
Beyond The Missouri Sky, es un disco bello y emotivo, para momentos especiales, si tuviera que definirlo con una imagen sería la de unas hojas flotando por la lenta corriente de un bello arroyo. Gracias Haden.

Valoración personal: 8

Art Farmer & Jim Hall: Big Blues

Por separado Farmer y Hall tienen trayectorias consolidadas y en cierto modo paralelas, incluso parte del camino lo hacen juntos en los sesenta con una misma formación, aquí se vuelven a reunir para grabar para CTI, lo mejor que ambos dieron al mundo del jazz, ambos tuvieron estilos complementarios, en lo lírico, en lo armónico y un mismo tempo, con esa afinidad natural  Big Blues, nació con la mejor proyección posible.
El álbum se graba entre el 2 y el 3 de febrero de 1978, en los afamados estudios Electric Lady Studios (iniciativa de Jimmy Hendrix), cuenta con cuatro temas, siendo el tiempo de grabación de 34:37 h., los créditos son Art Farmer tocando el fliscorno, Jim Hall con la guitarra, Mike Mainieri con el vibráfono, Mike Moore al bajo y Steve Gadd en la batería.
El primer corte es de Benny Golson, Whisper Not crea un ambiente mágico entre los solos del fliscorno y la guitarra, entremedio el vibráfono y la sección rítmica genial al estilo de la pantera rosa de Henry Mancini, el segundo tema es de Thad Jones, A Child is born donde Hall se luce con su solo de guitarra y Farmer utiliza la sordina con gran fuerza expresiva, el contrapunto lo pone Mainieri; el tercer corte Big Blues lo compone el propio Hall y se percibe un jazz más fresco, más Bop, con reminiscencia a Davis, el bajo y la guitarra juegan sin parar durante toda la pieza, por otro lado, el fliscorno de Farmer adquiere textura de trompeta; el último corte es fascinante Pavane for a Dead Princess,  una obra de Maurice Ravel que fuerza al quinteto a convertirse en grupo de cámara con unos arreglos complejos y de mucha inventiva, Farmer interpreta la inquietante melodía con maestría abrazado por la guitarra y vibráfono, bajo y batería sincronizados con precisión Suiza. Destacar durante toda la grabación la sutileza de Steve Gadd  a la batería, es capaz de lograr una musicalidad con cierta melancolía, cosa que con este instrumento es difícil conseguir.
Farmer y Hall logran un magnifico maridaje en este disco, donde reconozco mi debilidad por Jim Hall, ya que interpreta algunos de los mejores solos de su carrera, por su belleza escarpada, con una forma de tocar directa, deliberada y memorable. El quinteto consigue impregnar el espacio musical de sensaciones maravillosamente alegres y conmovedoras.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Bill Evans & Jim Hall: Undercurrent

Caratula original del LP

La mano izquierda de Evans suena en el lado izquierdo del escenario, la derecha en el lado derecho  y la guitarra de Hall, suena en el centro, ligeramente detrás del centro del teclado. ¡qué espectáculo!, ¡qué genialidad!, todo un lujo para los sentidos. Primera colaboración en dueto entre Evans y Hall, hay otra cuatro años despues intermodulation.
Undercurrent se graba entre el 24 de Abril y el 14 de Mayo de 1962, se lanza al mercado en 1963 para el sello United Artists, en 1968 se reedita por Solid State y posteriormente pasa a la Blue Note. La duración total es de 53: 06 minutos, teniendo la edición original seis temas, en la versión remasterizada de la Blue Note de 2002, se añaden dos temas más y dos versiones alternativas.
Escuchar el disco es como escuchar a través de una rendija, una conversación privada y profunda entre dos genios creativos y ver la posibilidad de cada uno de ahondar en el otro a través de los espacios emocionales, más íntimos, sondear el espacio creativo del otro, hasta el punto de dejarse atrapar por la misma musa y producir uno de los discos más bellos y conmovedores que ha dado el mundo del jazz. El toque elegante, íntimo, culto del piano de  Evans, en perfecta armonía con la clase y sutileza de Hall, en un viaje que nos transporta hasta lo más profundo de las almas de ambos músicos.
Se percibe la madurez de Evans, quien en esta grabación se encuentra en lo mejor de su carrera, mientras el guitarrista comenzaba el transito hacia el maestro que fue años más tarde, desde esta perspectiva son más sesiones de Evans por el liderazgo que ejerce en todo el disco. Necesario para cualquier amante del jazz.

De 5 > 10, mi valoración es: 10 

Pat Martino: Remember

Caratula del disco

A Pat Martino hay que agradecerle doblemente su contribución a la música, guitarrista que despunta en los sensenta, llegando a tener en la década siguiente sus propias formaciones, sin embargo un aneurisma cerebral en 1980 le hace perder la memoria totalmente, así como todas las habilidades adquiridas, por lo que inicia un proceso de aprendizaje personal y posteriormente musical, escuchando sus propias composiciones y grabaciones y aprendiendo de ellas, siete años después en 1987 regresa al mundo musical con el álbum The Return, afortunado regreso que llega hasta nuestros días, convertirse dos veces en uno de los mejores guitarristas de nuestro tiempo en una sola vida, es algo inaudito, dos veces maestro.
Remember es el segundo tributo que rinde Martino al genio de la música Wes Montgomery, muy presente en la carrera del músico de Philadelphia, no es tanto imitar el estilo de otro músico, como rendir un sincero homenaje a otro guitarrista que rompió moldes, con el estilo propio y más pausado de Martino, "Quise tocar como un adulto, con la mentalidad de un niño" declaró el guitarrista a la hora de definir este segundo tributo a Montgomery, recordando la pureza de su admiración infantil, honrándolo. Martino en todo momento usa un amplio, profundo y personal conocimiento del estilo, de las técnicas y de la música de Montgomery, arriesgando el papel de "adentrarse" en la mente, el estilo y el alma de otro músico, muchos han salidos no bien parados de experiencias de este tipo.
El álbum se graba para la Blue Note entre el 9 y 10 de agosto de 2005 y se lanza al mercado el 4 de abril de 2006, tiene una duración de 1:06 h, cuenta con un total de diez temas, que son una excelente selección de lo mejor de Wes (olvida su última época más comercial e indefinida), apuesta por cortes como Four on Six, Twisted Blues, Road song o Unit 7, un repertorio que convierte de forma automática a este álbum en todo un clásico. Los créditos además de la guitarra de Martino, le acompañan David Kikoski al piano, John Patitucci al bajo, Scott Allan Robinson a la batería y Daniel Sadowinck con la percusión. El quinteto realiza un trabajo formidable, con un sonido profundo, inolvidable, lírico, bien concebido y bien ejecutado. Es un disco para los amantes de Martino, de Montgomery y de la buena música, con él Martino paga una deuda con el gran Montgomery, por todo lo que a cambio recibió de él por dos veces en la vida.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Dejo un video con el tema Groove Yard

Jesse Van Ruller: Circles

Caratula del CD

Da gusto escuchar savia nueva por el mundo del jazz, sobre todo si hablamos de un músico joven (1972) que tiene ideas frescas y fluidas que aportar a este apasionante mundillo musical. Jesse Van Ruller es un galardonado guitarrista holandés (Amsterdam) que lleva más de una década liderando y compartiendo liderazgo en varios proyectos musicales y ha colaborado con muchos de los grandes como Pat Metheny, Joe Lovano o Toots Thielemans entre otros, discípulo aventajado del guitarrista de jazz, también holandés Wim Overgaauw. Van Ruller presenta un sonido impactante, limpio, lúcido, con un tono nítido, un fraseo fluido y una vibrante imaginación, donde se las apaña para no desdeñar los clásicos clichés y a la par para no sonar a viejo bop.
Circles es un álbum que se graba el 15 de diciembre de 2002 en Brooklyn (NYC), producido por Max Bolleman para el sello Criss Cross Jazz, no es publicado hasta el 27 de mayo de 2003, cuenta con un total de 8 temas, todos de composición propia, salvo el corte nº 7 que es una preciosa versión de la balada de "lo que el viento se llevó", la duración total del disco es de 58:51 h de excelente jazz interpretada por un cuarteto formado por Jesse Van Ruller a la guitarra y liderando el grupo, Seamus Blake con el saxo tenor y con solos estelares en la grabación, Sam Yahel, con los teclados y su órgano Hammond es quien comparte claramente el liderazgo con Van Ruller, produciéndose preciosos diálogos entre ambos, y por último, el batería Bill Stewart, entre los cuatro conforman Circles, un disco muy elaborado, donde destacan los sonidos singulares de la guitarra de Van Ruller y los teclados de Yahel, entre ambos crean la magia que encierra la grabación. Simplemente un disco hermoso.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Dejo un vídeo de Circles, que lo disfrutres:

Russell Malone: Wholly Cats

Una buena foma de comenzar el año es una escucha atenta a la guitarra de Russell Malone, una Gibson de la que consigue extraer sonidos cálidos, dulzones, aterciopelados, que a la vez, nos recuerdan sonidos pasados de Montgomery o de Benson y a la par, sonar innovador, fresco y creativo aportando su sello personal a esa estela de guitarristas que nos ha dado la historia del jazz. Russell Malone (1963) queda hipnotizado por el George Benson de sus mejores tiempos, para luego profundizar más y autoafirmarse con West Montgomery, autores éstos de los que puede ser digno sucesor, aunque como él afirma "no le gusta que le encasillen" y es que el jazz es eso, la forma y libertad de cada uno para interpretar la música con su propio estilo, puedes escuchar a unos y a otros, pero al fínal el camino lo debe hacer el musico. Afirma el guitarrista de Georgia que él tiene como norma el escuchar mucha música antes de comenzar a tocar y eso es exactamente lo que este autodidacta hizo, empaparse de la música de sus guitarristas preferidos, digerirlas y luego emprender su andadura personal por la senda del jazz, para terminar sonando como Russell Malone.
Wholly Cats, se graba en NYC en el año 1995, antes de que el guitarrista comenzara su andadura con Diana Krall, una joya de disco que sin embargo, el sello discográfico japonés Venus, no lanzó al mercado hasta el 24 de febrero de 1999, cuenta con un total de nueve temas, de los que todos son estándares de autores como B.Goodman o T.Monk, salvo una composición de Malone "Blues Chitlin" donde se produce un impecable dialogo entre guitarra y bajo. Malone se hace acompañar por un trío compuesto por Larry Willis en el piano, quien está discreto, pero con oportunidades para el lucimiento, haciendo bien su papel; en el bajo encontramos a Rodney Whittaker, quien tiene un papel muy activo con su instrumento; en la batería está Yoron Israel quien da a sus baquetas un digno protagonismo. Entre todos, este Cuarteto consigue un sonido limpio, clásico, brillante, sin estridencias, con ritmos que se mueven entre baladas melancólicas y temas estridentes y a veces desafiantes. Bien liderados por Malone, pero con oportunidades para que todos demuestren su talento y es que Wholly Cats es un álbum altamente recomendado para los amantes de la guitarra de jazz.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Escucha este vídeo con el tema que da nombre al álbum Wholly Cats

Jim Hall: "It´s nice to be with you"- Jim Hall in Berlin

Foto por Jutta Matthes, Diseño
caratula por Heins Bahr

Desde el principio confieso mi verdadera debilidad por Jim Hall, pienso que en el arte y en la música en particular no hay que realizar demasiados alardes de virtuosismo y hacer piruetas de "triple nota mortal" para hacer bien las cosas, y esto es lo que hace Jim Hall (1930), toca bien la música y la toca despojado de todo artificio superfluo, toca música con sencillez, con humildad y naturalidad, de forma cercana, cálida, pura, situado en la parte media baja de la escala tonal, puntea su instrumento de forma suave, sin rasgar las cuerdas, como acariciándolas, mimándolas, besándolas,  sin alargar demasiado las notas, más bien al contrario, es de notas cortas y fluidas y sobre ellas monta la estructura melódica.
La introversión, la claridad y la sensibilidad son cualidades del guitarrista de Buffalo, creador de uno de los pilares sobre los que se basa el discurso moderno de la guitarra. Antes de la grabación se dirige a sus compañeros y les dice: "yo toco sencillo, es el único modo en que puedo hacerlo, en realidad", sin duda, toda una manifestación de su sencillez y modestia. Oír a Jim Hall, no es sólo un placer es una lección continua de excelencia. Durante décadas interpreta con frecuencia los mismos temas y siempre vemos como se reinventa cada vez que lo hace, como siempre aporta algo nuevo y lo afronta como si fuera la primera vez, lo que hace que su música nunca suene repetitiva, me atrevería a decir que hay dos personajes dentro del autor que nos hace oír un continuo diálogo entre Mr. Jim y  Mr. Hall.
"It´s nice to be with you" corresponde a un viaje que el guitarrista realiza a Berlín en 1969, en concreto el álbum se graba para la MPS récords los días 27 y 28 de junio de 1969 en los estudios Teldec Studio de la capital alemana, el disco cuenta con ocho temas y una duración total de 38 minutos y durante toda la grabación simultanea temas propios con estándares del jazz como "My funny Valentine", "In a sentimental mood"  o "Body and soul" , en concreto compone tres de los temas " Young one, for Debra" un vals dedicado a su hija de 13 años Debra, "Blue Joe" y "Romaine" que es una Bossa Nova, por cierto nadie reconoce que Jim Hall fue el primer norteamericano en traer este ritmo brasileño a Estados Unidos y Jim Hall es demasiado modesto como para señalarlo. Reseñar que en varias canciones se grabó una segunda guitarra, por lo que podemos escucharlo acompañándose a sí mismo, bien con acordes o introduciendo una segunda improvisación. En la grabación en el bajo le acompaña Jimmy Woode y en la batería Daniel Humair, ambos impecables. El disco es simplemente música bella, sencilla e impecable.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Wes Montgomery: The incredible Jazz Guitar

Portada del disco

The Incredible Jazz Guitar, es un disco que no debe faltar en la colección o en la memoria musical de cualquier buen aficionado al jazz, ya que es un disco que marca un hito dentro de la carrera musical del guitarrista y de la guitarra como instrumento, con este álbum la guitarra obtuvo un lugar destacado en el jazz, Montgomery (1925-1968) fue capaz con su instrumento de generar una dimensión distinta, mística, entrañable, músico e instrumento formaban un todo. "El pulgar de oro"  llamado así por la técnica que empleaba al tocar la guitarra con su pulgar, de manera suave, acogedora; otra técnica distintiva fue el empleo de sus solos basados en octavas, con estas dos técnicas y un entusiasmo único el guitarrista de Indianapolis, supo organizar ritmos, armonías y texturas musicales que siempre suenan a "relajado", independientemente del tempo utilizado.
El álbum se graba en NYC, para el sello Riverside, los días 26 (temas 1,2,4,5, y 6) y 28 ( temas 3,7 y 8) de enero de 1960, el disco lo conforman un total de 8 temas de los que 4 son de composición propia, tiene una duración de 44:04 minutos y cronológicamente se sitúa entre "The Wes Montgomery trío (1959) y "Moving´ Along" (1960) . Con The incredible Jazz Guitar consigue un disco bello, etéreo, acogedor, entrañable, suave, cálido, mágico, uno de los discos más hermosos de guitarra de jazz que tuvo una influencia notable en guitarristas de generaciones posteriores y es que se trata de una grabación insuperable, de las más influyentes, imitadas y recordadas. Logra un equilibrio casi perfecto entre técnica  e inspiración, mostrando al mundo de la música su talento como compositor y su versatilidad e imaginación como músico, además supone su consagración definitiva por varios motivos: porque logra un numero elevado de ventas, por la buena critica que obtuvo, por su reconocimiento como guitarrista y sucesor natural del gran Charlie Christian, a partir de aquí empieza a recibir premios como "músico del año" en Billboard, artista revelación en el Metronome Guitar, etc.
Wes Montgomery con su insustituible guitarra Gibson (L5CES) se convierte en la estrella de la década de los 60¨s, un mito vivo de la guitarra de jazz, con su extraño sonido anómalo causo estragos  y es que supo sacar de su Gibson un sonido suave, dulce, limpio, cálido, acogedor, mágico, preciso, cargado de lirismo que aún hoy, 50 años después conmueve su escucha.
Acompañan a Montgomery Percy Heath (The Modern Jazz Quartet) que está soberbio con su contrabajo, su hermano Albert Heath en la batería y Tommy Flanagan en el piano, quien con su sobria elegancia, resulta la combinación perfecta para el guitarrista, aquí Flanagan nos demuestra su habilidad para deslizarse detrás de Montgomery sin problemas, casi su sola presencia asegura el éxito de la grabación.
El disco se encuentra incluido en el libro "los 100 mejores discos de Jazz" y es muy recomendado para neófitos que quieran introducirse en el mundo del jazz.

De 5 > 10, mi valoración es: 9


Te dejo un vídeo con el tema nº 4 "Four on Six":

Joe Pass: Virtuoso #3

Caratula del Virtuoso #3

No se me ocurre un mejor nombre para este álbum "Virtuoso", con éste título el hábil Norman Granz produce para la Pablo Récords una serie de cuatro discos, siendo éste el tercero de ellos que se denomina "Virtuoso #3",  cuenta con un total de 12 temas todos originales, la grabación se realiza en dos sesiones una el 27 de mayo y otra el 1 de junio de 1977, la duración del álbum es de 59 minutos. Según algunos críticos es el más "flojo" de los cuatro, en mi opinión es un disco brillante de principio a fin. Con Granz,  Joe Pass (1929-1994) resurge de sus cenizas después de más de una década perdida para la música a causa de las drogas, el productor se fija en su trayectoria y le invita a sumarse a su proyecto, así con el sello Pablo grabaría lo mejor de su carrera.
Hablamos de un disco de sólo guitarra, si algo define a este álbum es la pasión que el músico desarrolla durante toda la grabación, liberando melodías sin parar con gran virtuosismo y maestría, también libera un caudal de buenas vibraciones que se perciben, que te empapa hasta el último poro de la piel. Virtuoso y su estilo pulcro, limpio y elegante, su técnica depurada, su sensibilidad y desbordante capacidad de improvisar, lo convierten en una estrella del jazz, donde Pass da rienda suelta a su talento convirtiéndose en un creador e interprete sin igual, consiguiendo un sitio de privilegio entre los grandes genios que este instrumento ha tenido, Pass marca de forma clara y precisa las posibilidades de la guitarra.
Destacar que una de las técnicas que utiliza consiste en utilizar las dos últimas cuerdas graves de la guitarra, creando con ello la ilusión de que un contrabajo acompaña a la guitarra, esta técnica se denomina "walking bass", el efecto creado es el de dos músicos punteando juntos y desarrollando las líneas melódicas. No acaba aquí su estrategia ya que también utiliza el "finger-picking", una manera de aprovechar la resonancia de los acordes  y tocar a continuación la melodía para que ambos sonidos se superpongan durante la escucha, te hace  creer con ello que hay más de un guitarrista. El disco se ha convertido en un referente para estudiantes y guitarristas profesionales. Es un álbum que debes tener en tu memoria y en tu biblioteca musical, indispensable. Termino el post como lo comencé no se me ocurre un nombre mejor para esta serie de grabaciones que "Virtuoso".

De 5 > 10, mi valoración es: 8


Te dejo un enlace con "Minor Detail", corte nº 7 del álbum Virtuoso #3

Pat Metheny: What´s It All About

Caratula del álbum de Metheny

Nunca se sabe con qué nos va a sorprender Pat Metheny (1954) en su próximo concierto o en su próxima grabación, ¿ y a continuación qué ?... lo que sí es seguro es el grado de compromiso, fiabilidad y calidad  con la que siempre el guitarrista de Missouri da su especial "Touch" a todo lo que hace. Es intrínseco, coherente consigo mismo, ese grado de búsqueda, de investigación, de cambio constante, de encontrar nuevos caminos por los que el jazz pueda avanzar. Casi cuatro décadas y alrededor de cuarenta discos editados como líder y es el primer álbum donde no encontramos ningún tema compuesto por Metheny, todos son temas ajenos, éxitos o no, de la década de los 60´s de género pop o rock.

 Metheny no ha tenido reparos en publicar What´s It All About donde interpreta con "sus guitarras" diez temas que para él tienen un significado especial, el músico con su guitarra y un puñado de canciones que marcaron los inicios de su afición musical. Todo ésto encaja sin chirriar lo más mínimo en la carrera de uno de los más grandes, destacados y prolíficos compositores de la historia del Jazz, es una ventana que se nos abre al "subconsciente" de Metheny. Interesante. El guitarrista ha tenido una actividad tan intensa durante los últimos años que sin duda What´s It All About marca una cambio de ritmo en su trayectoria, sólo un capítulo más en esa búsqueda incesante a la que nos tiene acostumbrados. Abre el álbum el tema "The Sound of Silence" de Simon & Garfunkel interpretada con la guitarra Pikasso de 42 cuerdas, para a continuación desplegar sus dotes con la acústica en "Pipeline" o "And a love Air" de The Beatles donde le da cierto aire latino y hace un auto-acompañamiento genial ya que parece que hay más de una guitarra, otros temas son "Garota de Ipanema" de Jobim o Slow hot wind" del célebre H. Mancini, así hasta un total de diez temas, algunos de ellos de cuando el propio Metheny aún no tocaba ningún instrumento. Es importante señalar que el tema 1 está interpretado con la guitarra Pikasso de 42 cuerdas, los temas 2,3,5,6,7,8, y 9 con la guitarra barítono, el tema 4 con la guitarra de seis cuerdas y el tema 10 con la guitarra de cuerdas de nylon.

En conjunto es un disco muy interesante, donde cada canción  recibe un trato especial, centrándose en la calidad musical de los temas, en sus melodías que es lo que a él le interesa, dejando a un lado las letras de las mismas que en su opinión juegan un papel superfluo, ofreciendo su particular visión sobre cada uno de los temas. El disco se graba para la WB Récords en los Estudios que el propio guitarrista tiene en su casa.

Un álbum intimista, lírico, tranquilo, capaz de crear un ambiente mágico con su escucha. 

De 5 > 10, mi valoración es: 8


Te dejo este enlace como aperitivo:

Kenny Burrell: Midnight Blue

Portada del vinilo

Midnight Blue, precioso título para un precioso álbum de Kenny Burrell, uno de los discos más emblemáticos del guitarrista de Detroit (1931). La grabación se realiza en una sola sesión el 8 de enero de 1963 para la Blue Note Récords en el Van Gelder Studio de New Jersey, la edición de vinilo original cuenta con una duración de unos 35 minutos, posteriormente se añaden bonus track a la versión Cd contando con un total de 9 temas y una duración de 45 minutos. Se mueve dentro del jazz blues y el hard bop.
El quinteto está formado por Kenny Burrel a la guitarra, Stanley Turrentine con el saxo tenor, Major Holley Jr. al bajo, Bill English en la batería y un extra de percusión a cargo de Ray Barreto, no hay piano en esta formación. Una poderosa, elegante y nítida guitarra de blues acompañada por uno de los saxos más "blues" y es que Stanley Turrentine en está grabación está brillante, inspiradisimo y muy suelto, dando protagonismo a su saxo, pero desde una posición algo más atrasada a la guitarra a la que no quiere restar un ápice de protagonismo, el resto de la banda realiza un plácido y sosegado viaje en torno a saxo y guitarra, la percusión "extra" que podría considerarse una extravagancia hablando de blues, está tocada con mucha sencillez y discreción dando un toque exótico al resultado final. El resultado global es cálido, apacible, brillante, suave y exquisito, un sonido que te conduce al bienestar de forma inmediata y es que es el blues el que crea el clima que predomina durante todo el disco donde Burrell considera que jazz y blues son inseparables, así consigue que cuando lo oímos nos desconectemos de todo.
Sólo la versatilidad y maestría de Kenny Burrell han conseguido que el disco sea un clásico dentro del jazz, para mí uno de los mejores álbumes del guitarrista y un referente a tener en cuenta.
Te dejo un enlace como aperitivo : http://www.youtube.com/watch?v=eNWDwOsQqlw

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Joe Pass & Jimmy Rowles: Checkmate

Puro Blues, pura armonía, pura belleza, jaque mate a lo vulgar, ésto es "Checkmate",  hacer de lo sencillo una obra de arte, solos sin sección rítmica, Pass frente a Rowles, guitarra frente a piano sin más artificios que el buen hacer de estos dos increíbles músicos. Joe Pass (1929-1994) uno de los más genuinos guitarristas de jazz,  famoso por el uso del contrapunto en sus improvisaciones, un virtuoso con la guitarra y con una ejecución "limpia",  "nitida" e inconfundible. Por otro lado, Jimmy Rowles (1918-1996) uno de mis pianistas preferidos por la manera que tiene de pulsar las teclas de su piano, con esa sensibilidad cargada de swing, utiliza también el contrapunto en sus improvisaciones y ejecuta las notas sobre el blanco y negro del teclado de su piano dando elasticidad a las notas, como alargándolas y achicandolas, jugando con ellas a hacer Jazz.
De una colaboración entre ambos músicos surge "Checkmate", grabado el 12 de enero 1981 en los Estudios Spectrum de California para Pablo Récords, posteriormente remasterizado por Phil De Lancie en 1998 también en California. El álbum cuenta con un total de 10 temas y 45 minutos de duración. Por méritos propios el disco se ha convertido en un clásico del jazz, para esta grabación se juntan después de veinte años sin tocar juntos, no lo hacían desde los 60´s y la chispa surge desde el primer instante de forma espontánea y fresca, creando duetos sosegados, tranquilos, irrepetibles, dejando la guitarra de Joe Pass más protagonismo al piano de Rowles y sonando ligeramente más baja, usando tempos lentos y acordes armónicamente sofisticados.
Está presente durante toda la grabación un invisible "corrientazo" que hay entre los dos músicos y entre los dos instrumentos, un flujo que no se ve, pero que se palpa en cada una de las notas, se paladea cuando se degusta un tema y después otro y así hasta acabar el disco y entonces, entonces lo escuchas otra vez, esa es su magia.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

George Benson: Body Talk

Caratula del disco

http://www.youtube.com/watch?v=kIDx5r0JkZY en este enlace tienes un tema de Body Talk para escuchar.

Body Talk pertenece a esa época dorada en la que el guitarrista George Benson graba para la discográfica CTI, se trata de un álbum de estudio grabado en 1973 en Van Gelder Studio de New Jersey, en la edición de vinilo cuenta con cinco temas y ya en la edición digital para CD incluye un bonus track. En la guitarra se encuentran George Benson y el también grande Earl Klugh muy compaginados, asumiendo cada cual su papel de primera y segunda guitarra, con el bajo están Ron Carter y Gary King, en la batería nada más y nada menos que Jack Dejohnette y un extra de percusión a cargo de Mobutu, Harold Marben toca el piano electrico,  cuenta también con el acompañamiento de una cuerda de instrumentos de viento formada por dos trombones, tres trompetas y un saxo tenor, que en este disco juegan un papel menor, el papel principal lo asumen las dos guitarras, el bajo y la batería, ya que a veces rozan el jazz funk. El disco está dirigido y arreglado por Pee Wee Ellis.
Body Talk pertenece a esas grabaciones legendarias que Benson realizó entre 1971 y 1976, ese camino lleno de buen sonido donde casi llegó a crear un estilo propio, con un sonido fresco, distinto, muy del momento, como siempre acompañando con sonidos guturales las notas de su guitarra, a esta época pertenecen "Bad Benson", "White Rabbit" o "Beyond the horinzon blue", todos junto a "Body Talk" forman sin duda, la mejor etapa del guitarrista, una época llena de creatividad y vitalidad que desgraciadamente se ve truncada por un cambio de tendencia de Benson que le arrastra hacía sonidos pop.

De 5 > 10 mi valoración es: 6

Bob James & Earl Klugh: "One on One"

Portada del disco

Clickea este enlace y escucha el tema Kari http://www.youtube.com/watch?v=SmQpAKhcuV4

No hablamos de un disco de jazz al uso, es jazz, pero es distinto, es smooth jazz o jazz lento, suave, música cálida con sabor a verano, belleza en las notas, serenidad que te hace viajar a tu interior y pasear entre tus recuerdos evocando lugares y cosas hermosas, podríamos decir que es jazz aterciopelado.
Bob James y Earl Klugh cada uno de ellos vale por si solo, cada uno de ellos tiene una exitosa carrera musical, sin embargo son dos genios que parecen que nacieron para trabajar juntos, discográficamente comparten sólo tres producciones One on One 1979, Two of a kind 1982 y Cool en 1992. Bob James habla de Klugh como su guitarra favorito. Piano y guitarra acompañados por un elenco de músicos impresionantes Eric Gale en la guitarra, Ron Carter con el bajo, también con el bajo está Gary King, Ralph McDonald con la percusión, Harvey Mason en la batería y detrás de todos ellos una orqueta dirigida por David Nadien y formada por 7 violines, 2 violas, 2 cellos y 5 vientos. El disco que se grabó en 1979 para CBS tiene una excelente grabación de la que Bob James es el Productor, Director y Arreglista. En total el álbum lo componen 6 temas a cual de ellos mejor, las composiciones de los temas se los reparten a partes iguales entre los dos, el disco se abre con Kari que ya de por sí es una maravilla, ya vale por todo el disco, todo el álbum tiene el objetivo de deleitarnos y acariciar nuestra sensibilidad de susurrarnos musicalmente los oídos. Compré este vinilo en 1980 desde entonces lo he escuchado miles de veces y siempre suena fresco, dulce, siempre me evoca el mismo estado anímico de rélax, de belleza, de armonía, de suavidad, de elegancia, de ese smooth jazz tan preciosista que generan estos dos músicos,  James y Klugh, piano y guitarra en una armonía tan perfecta que no debieron separarse nunca, son la cara amable de la fusión.

Bob James & Earl Klugh

los temas del disco son:
 1.- Kari
2.- The Afterglow
3.- Love Lips
4.- Mallorca
5.- I´ll See You Smile Again
6.- Winding River

De 5>10 mi valoración es: 7      

Pat Metheny & Brad Mehldau – Metheny Mehldau

pincha este enlace que te lleva hasta el vídeo del disco http://www.youtube.com/watch?v=oiH2XCD-hUo

Metheny Mehldau es uno de esos álbumes que no puedes parar de oír una y otra vez,  grabado en 2005 en NYC, éste dúo de jazzmen contemporáneos se superan, Pat Metheny guitarrista prolífico, astuto, audaz, sobre todo moderno, con un estilo vanguardista que ha creado Escuela, con ese sonido dulce y acústico que es capaz de sacar de su guitarra y envolvernos con un pentagrama invisible de escalas e improvisaciones. por otro lado Brad Mehldau, cuya carrera musical es mucho más corta, entre otras cosas porque es bastante más joven, con un estilo influenciado por Keith Jarret, más sobrio, austero, a veces hasta casi clásico.

el álbum es una obra maestra, que se basa principalmente en interpretaciones solistas de guitarra y piano, aunque también encontramos algunos temas levemente acariciados por una base rítmica de bajo y batería (Grenadier y Ballard), donde los dos autores componen los temas del mismo, notándose claramente la sobriedad del pianista. Es un disco de muy bonitas composiciones, muy agradables al oído, pero a la vez de una gran complejidad musical, durante todo el disco los músicos no chocan jamás, se complementan y entrelazan sonidos de manera fantástica cosa que no es tan fácil en instrumentos armónicos como la guitarra y el piano. Un disco fantástico, un clásico moderno que no  puede faltar en tu memoria musical.

Mehldau

Metheny

De 5>10 mi valoración es: 10

Charlie Haden: Sophisticated Ladies

Sophisticated Ladies es uno de los útimos trabajos del bajista Charlie Haden, nacido en 1937, es sin duda, un clásico dentro del panorama jazzístico, sus primeras intenciones fueron ser cantante, pero una enfermedad le estropeó las cuerdas bucales, decidiéndose entonces por cogerle prestado el contrabajo a su hermano, llegando a ser uno de los que más técnica tienen con este instrumento, que ya de por sí, no luce mucho y hay que ser muy bueno para hacerse notar. Haden se dio a conocer interpretando free jazz con el saxofonista Ornette Coleman, más tarde tocó con el pianista Keith Jarret y ha grabado discos con todos sus contemporáneos, algunos de esos discos muy especiales como el que grabó con Pat Metheny, guitarra y contrabajo ¿te imaginas?, un gran trabajo.
El disco cuenta con un total de doce temas, muy cuidadosamente elegidos, se hace acompañar en el saxo  tenor por Ernie Watts, en el piano Alan Broadbent y Rodney Green en la batería, en total nos ofrecen 60:00 minutos de un vintage musical de muy alto nivel, a todo ello añadir la inclusión de cuerdas a través de violonchellos, violines y violas, lo que da un toque refinado al conjunto, pero que por otro lado acapara gran numero de detractores.
Con Sophisticated Ladies Haden culmina una carrera de manera brillante, sacando del baúl algunas de las canciones más bellas de las últimas décadas del jazz con temas como el que da título al álbum, compuesto por Duke Ellington, se hace acompañar de vocalistas como Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot,  Cassandra Wilson o la soprano Renée Fleming, todas ellas realizan interpretaciones magistrales. El álbum suena como si algunos de los mejores jazzmen y jazzladies de todos los tiempos hubiesen regresado a nuestro tiempo, creando un ambiente clásico de hace décadas, un ambiente mágico, a la vez que totalmente actual, la primera vez que lo oí pensé que era como si Billie Holiday hubiese grabado un disco en el siglo XXI , si lo tuviera que definir,  lo haría diciendo que es un disco de libro, de jazz totalmente académico, que te cautiva desde la primera nota, donde Haden sabe lo que se trae entre manos.

Valoración personal: 9