Una nueva voz ha llegado al jazz y lo ha hecho para quedarse, autodidacta, inquietante, melancólico e inteligente. Ibraim Maalouf, un Libanés autodidacta dentro del jazz, ya que sus orígenes fueron clásicos. Influenciado por Miles Davis ha conseguido unir el jazz modal con la música árabe, para ello cuenta con ayuda de su trompeta que tiene una cuarta válvula "adicional" con la que consigue crear el efecto denominado "el lado árabe del jazz", sobre todo en temas lentos y tranquilos donde su música se impregna de un ambiente íntimo y coloquial, conjurando una amplia variedad de estados de ánimo y distintas atmósferas.
El álbum es en realidad una banda sonora de una película de cine mudo de 1927 de René Clair titulada La Presa del viento, aunque la música de Maalouf excede el ámbito de una BSO y tiene vida por sí misma, así se erige como una declaración artística convincente y en una experiencia de sonido eminentemente interesante y agradable. El músico Libanés se hace acompañar para la grabación de este álbum de Ira Coleman al contrabajo, Mark Turner al saxofón, Frank Woeste al piano y Clarence Penn a la batería, el disco se graba en tan sólo medio día en NYC, cuenta con doce temas, todos ellos enigmáticos y con nombres de estados de ánimo y emociones, que es lo que Maalouf transmite en toda la grabación, en una sesión de equilibrio, variedad y habilidad sublime, lleno de sorpresas estilísticas.
Doce temas publicados el seis de noviembre de 2012 con una duración de 1:02:27 h. donde insisto, el cuarto tono añade un delicioso sentido de misterio en la creación de la atmósfera musical que hace que viajemos de Nueva York a Oriente Medio acompañados del sonido de esta enigmática trompeta.
Once temazos incluye el primer álbum como solista de jazz del joven Christian Scott, Redwind That es un disco atrevido, intrépido, fresco, huele a nuevo, a nueva corriente, a aire fresco y es que Scott ha tomado una dirección dentro del jazz que puede desafiar la categorización de su estilo. Se percibe en todo el disco la influencia clarísima de Miles Davis sobre el joven trompetista, con estados de ánimo que te conducen a composiciones que acarician la sensibilidad de Davis, por otro lado, se perciben aires de hip hop, de funky, de rock alternativo, demostrando un gran talento en la gestión de todos estos estilos, lo hace bien por el lado academicista, tradicional y a la par, es capaz de insuflar nuevos estilos contemporáneos y fusionarlos con estilo y elegancia, realizando unos solos en la interpretación con maravillosas melodías expresivas y líricas, donde permite al oyente conectar su mente con su alma.
El álbum se graba para la Concord Récord, entre el 9 y el11 de febrero de 2005, sale al mercado el 28 de marzo de 2006, con once temas, nueve los compone el mismo Scott, otro tema es de Miles Davis y otro de su tío, el veterano saxofonista Donald Harrison, la duración total es de 1:05 h. Christian Scott toca la trompeta, Walter Smith III toca el saco tenor en los temas 2-11, Matt Stevens se encarga de la guitarra, Luques Curtis toca el bajo acústico, Zacai Curtis el Fender Rhodes, Thomas Pridgen la batería y como invitado especial Donald Harrison toca el saxo alto en los temas 4,8,10 y11.
Cada corte de este disco juega a caballo ganador, su sonido es creativo e innovador y de alguna manera el autor está expandiendo el género a la vez que crea y configura su propio estilo. Las composiciones del trompetista de New Orleans muestran una madurez y comprensión de las raíces históricas del jazz mucho más allá de sus años. El sonido de su trompeta entrecortada juega a rememorar a los clásicos del Be bop, haciendo pleno uso, por otro lado, de la instrumentación eléctrica para dar un impulso de energía a su música. Yo no me canso de oírlo.
Este álbum representa a Hank Mobley (1930-1986) en su mejor momento, acompañado por un buen elenco de músicos, aunque muchos buscan en este disco al delirante y gran batería Philly Joe Jones. El saxofonista de Georgia era alma gemela de John Coltrane quien lo recomendó a Miles Davis por su maravilloso sonido lírico y por su música completa, haciendo como hacia Billie Holiday, ir justo detrás del ritmo. Mobley se situaba en ese rango que hay entre la impetuosidad de Coltrane y el sosiego aterciopelado de Lester Young, ahí es donde se movía como pez en el agua y cuando mejor le fue en su carrera musical, cuando quiso ser otra cosa, ya no fue Mobley y su figura se desdibujó. Mobley se instaló en lo que le gustaba y a diferencia de Davis o Coltrane no optó por andar indagando o investigando nuevos sonidos y formas, eso le costó el haber sido injustamente postergado durante tiempo.
Hank Mobley logra para la grabación de Workout un quinteto excepcional, por un lado, el increíble y codiciado guitarrista, el legendario Grant Green, todo el mundo quería tocar con él, ¿porqué? lo podemos comprobar en Workout, al piano está Winton Kelly, ellos tres protagonizan los mejores momentos de la grabación alternándose continuos solos, pero la sección rítmica no se queda atrás ya que tenemos a Paul Chambers con el bajo y a Philly Joe Jones en la batería, ambos están soberbios marcando el ritmo en todo momento, y el batería tiene una de sus mejores grabaciones, todos ex-Coltrane y ex-Davis y eso pesa en el resultado de esta grabación.
Workout se graba en los famosos estudios de Rudy Van Gelder el 26 de marzo de 1961, epicentro de la producción jazzística de la época. La grabación original en vinilo cuenta con cinco temas, cuatro son autoría de Mobley, luego en la versión CD se añade un bonus track "Three coins in the fountain" tema que se quedó fuera y que luego se convirtió en el favorito y más popular de todo el álbum (productores...), cronológicamente lo situamos entre Roll Call 1960 y Another Workout 1961, en total 45:53 minutos grabados para la Blue Note de un magnífico Hard Bop, de hecho fue considerado como uno de los esenciales discos de Hard Bop por All Music.
En música, cuando la primera nota no suena bien...no importa cuantas le siguen, Hank Mobley tocaba bien desde la primera hasta la última nota.
De 5 > 10, mi valoración es: 9
Dejo un vídeo con el tema homónimo del disco Workout
Los escuchas y te pilla, te engancha porque suena a música divina, el secreto una saxo bien templado, recio por momentos, soplado por un maestro que además se inspira en otro maestro. Hablamos del saxo tenor Joe Henderson (1937-2001) quien ya al final de su carrera quiere dar un homenaje a Miles Davis, con quien había coincidido a finales de los sesenta, concretamente en 1967, pero esa relación no fue larga en el tiempo, de ahí el juego que hace con el nombre del álbum "tan cerca, tan lejos...", el saxofonista de Ohio revive su experiencia con Davis a la vez que reinterpreta su música que tan bien entendía y asimilaba. Joe Henderson realiza una selección de diez temas de Davis donde revive algunas canciones olvidadas como "Teo" o "Side Car" junto con otras a la que da un nuevo aire como "Miles Ahead", "Milestones" o el famoso "No Blues". Henderson con esta selección no coge precisamente el material más fácil, es uno de los homenajes más brillantes jamás realizados a Davis, donde además coincide con tres brillantes ex-Miles Davis, el guitarrista John Scofield, el bajo Dave Holland y el batería Al Foster, esta asociación hace que flote en el aire la gran trayectoria acústica del trompetista, el disco suena a Davis a través del flujo relajado y a veces impetuoso del saxo tenor de Henderson, con su improvisación constante y abundantes giros melódicos y rítmicos que sorprenden por la intrigante multidireccionalidad de sus solos.
Una de las claves de este álbum es el impecable trabajo que realiza el guitarra John Scofield, a veces recuerda al maestro Jim Hall, Scofield realiza un intenso trabajo donde alterna con el tenor los solos en un dialogo constante durante toda la grabación, además en esta grabación encuentra un tono inesperadamente lúcido. El uso de la guitarra en lugar del piano es un acierto ya que evita cualquier comparación con las versiones originales de Davis, un acierto brillante. A ambos le siguen un magnífico trabajo el bajista Dave Holland con unas endiabladas modulaciones difíciles de seguir en los tiempos rápidos y el batería Al Foster quien está discreto y elegante, todos los músicos muestran un genuino respeto por la música de Davis, sin caer en un "reciclaje" de los temas. Un cuarteto de lujo.
El disco se graba en NYC entre el 12 y el 14 de octubre de 1992 y no sale al mercado hasta 1993 y el tanto de la grabación se lo apunta la Verve Records.
Con todo merecimiento consiguió un Grammy por esta grabación y el respaldo unánime de crítica y público, convirtiéndose en uno de los discos de referencia de Henderson. La belleza de este álbum es que captura el espíritu de Mile Davis.
Talles Trees es un álbum de Davis que recoge distintas grabaciones de los cincuenta, en concreto entre el 53 y el 56, distintos momentos del trompetista de Alton (1926-1991) quien en esos años se encontraba en uno de sus momentos más inspirados y creativos, donde dio personalidad y definió el sonido que era capaz de exprimir de su trompeta, aunque estuvo toda su vida por distintos derroteros que le condujeron a distintos momentos musicales (cool, hard-bop, jazz modal, vanguardia, fusión...), a mediados de los cincuenta Davis rezumaba Bebop por todos los poros de su piel, como todo lo que hizo en su carrera artística brilló con una fuerza inusual y con un fuerte liderazgo entre sus colegas de la época, ya en esos años Davis era un innovador que destacaba por su forma pausada, suave, melódica que le daban ese toque tan personal e intimista. Sacaba un sonido a su trompeta que le pertenecía, era el sello indiscutible del artista, su marchamo de calidad y originalidad, embriaga oír su sordina de acero Harmon.
El disco aún siendo un recopilatorio de varias sesiones, es una auténtica joya por la calidad que albergan sus temas, la mayoría estándares del jazz y por el elenco de músicos que le acompañan en esas sesiones, todo un lujo que dan como resultado un trabajo brillante digno de Davis y sus distintas formaciones. El doble vinilo sale a la venta en 1972 por el sello discográfico Prestige y recoge distintas selecciones, cada una de ellas con distintas secciones y músicos, son en total 12 temas: Bag Groove, The Man I Love, Swing Spring y Bermsha Swing se graban el 24 de diciembre de 1954 y los créditos son Davis a la trompeta, Milt Jackson al vibráfono, Thelonious Monk en el piano, Percy Heath al bajo y en la batería Kenny Clarke, suenan a MJQ sobre todo en Bag Groove tema que abre el disco;el tema Smooch se graba el 19 de mayo de 1953 y Davis toca la trompeta, encontramos uno de esos momentos en los que Charles Mingus deja el contrabajo y se sienta delante del piano (genial), Percy Heath en el bajo y Max Roach en la batería, Miles Ahead se graba en la misma fecha que el tema anterior con la diferencia de que el piano lo coge John Lewis, el resto del cuarteto permanece invariable; Grabado el 29 de junio de 1954 los temas Airegin, Oleo, But Not for Me y Doxy, están interpretadas por un quinteto memorable con Davis en la trompeta, Sonny Rollins con el saxo tenor, además compone tres de los temas, Horace Silver en el piano, Percy Heath al bajo y Kenny Clarke en la batería; Blue Haze se graba el 15 de marzo de 1954 con Davis en la trompeta, Horace Silver al piano, Percy Heath al bajo y Art Blakey en la batería; El corte mas tardío es Round About Midnight que se graba el 26 de octubre de 1956 y que cuenta con Davis en la trompeta, John Coltrane con el saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones en la batería, quizá el tema más flojo, o como mucho una versión más del afamado tema, que aquí no destellea como debiera.
Los créditos de todos los temas son un lujo para los sentidos, aquí está lo mejor de lo mejor de la época, tanto buen músico junto no podía tener otro efecto que el de un disco impecable en su ejecución e insuperable en la interpretación, con una excelente grabación y remasterización de la que se encargó el gran Rudy Van Gelder, le pongo un pero, es que se han mezclado los temas de las distintas sesiones, lo que le quita valor, aunque la grabación conserva un estilo uniforme y homogéneo. Cuando se escucha Talles Trees se está escuchando historia viva del jazz, brilló tanto en su día que sus destellos llegan hasta nuestros días.
De 5 > 10, mi valoración es: 10
Disfruta de este vídeo del tema Bags´Groove que abre el disco
Dos jornadas, el 11 de mayo y el 26 de octubre de 1956, Miles Davis decide encerrarse en el estudio para grabar dos sesiones maratonianas junto al ingeniero de sonido Rudy Van Gelder, la idea de Davis era realizar una grabación como si estuvieran tocando en vivo en un club. El resultado fueron cuatro discos legendarios del Hard Bop: "Cookin", "Relaxina", "Workin" y "Steamin" Todos ellos grabados en estas sesiones de estudio, como si efectivamente estuvieran en un Club, para cualquier oyente que oiga estos vinilos la impresión es como escucharlos en directo en cualquier garito de jazz. Con Davis estaba su quinteto, uno de los mejores de la historia del jazz, John Coltrane con su increible e inconfundible saxo tenor, Red Garland brillante con el piano y una de las mejores secciones rítmicas de todos los tiempos, Paul Chambers con el bajo y Philly Joe Jones en la batería. Las grabaciones son posteriormente remasterizadas por Bran Gardner en 1974 y editadas por el sello Prestige Récords.
En palabras del ingeniero Rudy Van Gelder "recuerdo estas sesiones, los músicos lo único que querían era sonido" y vaya si lo consiguieron, sonido con mayúsculas, del bueno. Miles Davis inconfundible con su trompeta, con su sordina de acero "Harmon" que hace que su sonido sea tan peculiar, tan íntimo, suave, melódico, aterciopelado por momentos, basado en la interpretación de notas cortas a ráfagas y bien unidas posteriormente en la melodía que crean ese ambiente cargado de introspección y lirismo, todo ello en contraste con las notas pesadas, las frases largas y a veces disonantes con formas de tempestad del saxo de Coltrane. En el piano Red Garland nos muestra su delicadeza y sensibilidad y en la sección rítmica un perfecto encaje entre el sinuoso bajo de Chamber y la relativa agresividad de Jones con la batería. Davis con este Quinteto acertó y era consciente de ello.
Workin´ and Steamin´, donde Workin se graba el 11 de mayo y Steamin el 26 de octubre, estos cuatro discos son, sin duda, de las mejores grabaciones de jazz del siglo XX, además en esta edición recoge el que para mí es el mejor de las cuatro discos, que no es otro que Workin´, compuesto de ocho temas y una duración aproximada de 43 minutos, donde se interpretan temas de Davis, Coltrane, Dave Brubeck o Jamal, Workin es uno de esos discos que levanta pasiones entre los amantes del jazz. En el otro disco, Steamin, ninguno de los temas son propios, son de autores como Thelonious Monk, Dizzy Gillespie o K. Clarke, son un total de 6 temas con una duración aproximada de 41 minutos de música apasionante. Dos discos imprescindibles para los amantes de Davis, para los amantes del jazz y de la buena música. Un vinilo doble que no puede faltar ni en tu biblioteca ni en tu memoria musical.
Un jovencisimo Phil Woods
en la caratula del doble vinilo
Al referirnos a Phil Woods (1933) hablamos de uno de los mejores saxos altos de la historia del jazz, aunque también toca el clarinete y es compositor. Estudia y es muy influenciado por Lennie Tristano, se le apodó como el nuevo "Bird" cuando él estaba influenciado por Charlie Parker, pero nunca trató de imitarlo, a pesar de lo cual se dijo que era la mejor influencia "blanca" que había dejado Parker. Es uno de los mejores exponentes del Be bop y en "Altology" nos da un botón como muestra.
Altology es un vinilo doble que edita el sello discográfico Prestige en 1976 remasterizado y que corresponde a grabaciones de la década de los 50´s, en concreto las caras 1 y 2 se graban el 15 de junio de 1956 y el segundo Lp y sus caras 3 y 4 se graban el 29 de marzo de 1957 y donde además se introducen temas de la época de su quinteto y sexteto "Bird feathers" y " Phil and Quill". En el primer vinillo Phil Woods toca magistralmente el saxo salto y se hace acompañar por los trompetas Donald Byrd y Kenny Dorham, el también saxo alto Gene Quill, Tommy Flanagan al piano, Doug Satkins en el bajo y Philly Joe Jones en la batería y en el segundo vinilo además del propio Woods y Gene Quill ambos con saxo alto, encontramos a George Syran en el piano, Teddy Kotick en el contrabajo y Nick Stabulas con la batería.
Lo mas destacable del disco es el emparejamiento entre Phil Woods y Gene Quill donde constantemente se complementan y se inspiran uno a otro, cosa por otro lado que también ocurre con el magnífico trompetista Donald Byrd, mientras que las dos secciones rítmicas aparecen bien diferencias en las dos grabaciones, se percibe como los dos saxos comparten el mismo estilo, y que se manifiesta en la excelente calidad de los solos, así a Woods le gusta interpretar pasajes musicales largos y ágiles mientras que Quill prefiere hacer ráfagas musicales dentro de la melodía, donde crean patrones con este estilo que los repiten incansablemente.
El doble álbum lo componen un total 12 temas, 4 para el primer disco y 8 para el segundo y hora y media aproximadamente de duración. Salvo un tema de Sonny Rollins y otro de Miles Davis, el resto son temas propios. El disco rezuma buen jazz por todas partes, auténtico be bop, una excelente grabación, unas magníficas secciones rítmicas y unos músicos solistas llenos de energía, fuerza e inspiración que nos hacen viajar por una de las etapas más brillantes del jazz.
Desde 1975 a 1981 Miles Davis se mantiene apartado de la música, problemas con drogas y problemas de salud hacen que tenga una apatía total y una falta de creatividad, no se sentía " en absoluto capaz de tocar la trompeta y no quería saber nada de la música", es en 1981 cuando supera sus problemas y a partir de aquí graba tres discos para Columbia récords, del que "Star People" es el segundo de ellos, el tema que da título al álbum es un Blues clásico en el que la guitarra de John Scofield y la sordina de Davis anestesian los oídos y hace que te adentres, como en un sueño, en un mar de sonidos nuevos, sí de nuevo Davis investigando, no podía escapar a su necesidad de investigar con sonidos. En "Star People" se acerca al mundo del funk, del blues, de lo eléctrico, de lo mágico, de la fusión. Pese a todo, es Davis y su sonido tiene entidad por sí mismo, su trompeta, su forma de soplar, su sordina son inconfundibles.
El disco se graba en 1983, tiene aires setenteros, una duración de 58:54 minutos y consta de seis temas, de los que el tema homónimo del álbum es el eje sobre el que gira toda la obra. Miles Davis toca la trompeta y se hace acompañar por Mino Cinelu en la percusión quién está brillante y discreto, Bill Evans en los saxos tenor y alto y no con mucho protagonismo dentro del disco, Al Foster en la batería, Marcus Miller en el bajo marcando el ritmo de blues, John Scofield y Mike Stern en la guitarra eléctrica, quienes además entablan diálogos interesantes a lo largo del disco, por último también en el bajo Tom Barney.
Un álbum que merece la pena escuchar, tanto por lo intenso y complejo de las composiciones como porque se rodea de grandes músicos de los que sólo se puede esperar algo grande, como es "Star People". Un factor, sin embargo, permanece invariable y es la manera de tocar la trompeta de Miles Davis, íntenso, ágil, majestuoso, ligero, lírico, frágil, claro, como sólo lo puede hacer el Maestro.
Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter
Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.
Bill Evans (1929-1980) peinado hacía atrás con gomina, moreno, de piel muy blanca, gafas de concha negra y perenne cigarrillo en los labios, traje oscuro, camisa blanca y corbata negra, ésta era la imagen de Bill Evans, la imagen de un país, la imagen del sueño americano. Bill Evans es uno de los músicos más controvertidos del jazz por su fuerte personalidad con el piano, carente del suficiente "swing" se abraza al estilo clásico impresionista europeo abandonando el predominante "afro" del momento, lo que hace que sea distinto al resto, más austero e introvertido, definido como un "poeta del piano", es simple, elegante, intenso, así era Evans con el piano.
Waltz for Debby es una grabación en directo realizada en el Village Vanguard de NYC en 1961, en concreto es la última grabación que realizaron. El disco está dedicado a la sobrina de Evans llamada Debby. Algunos de los tops lo incluyen entre los mejores 100 discos de la historia, éste año 2011 se han cumplido 50 años de la grabación del disco, de la gestación de esta maravilla, uno de los grandes hitos musicales del Siglo XX. Bill Evans pone de manifiesto en Waltz for Debby todo el potencial armónico del jazz, logrando en unánime expresión poner de acuerdo a músicos, críticos y seguidores en cuanto a la calidad interpretativa del disco que se convierte por méritos propios en el mejor de su carrera musical.
El trío de Evans formado por él al piano, Scott LaFaro al contrabajo y Paul Motian en la batería, donde el bajo y la batería cobran protagonismo para ponerse a la altura de instrumentos solistas, así piano, bajo y batería establecen diálogos , conversaciones, donde se consigue una atmósfera desconocida en el jazz hasta ese momento, todos los tríos actuales de jazz beben de esta formula. Quiero destacar también la excelente grabación donde Evans está inconmensurable por el canal derecho, el excelente contrabajo de LaFaro por el canal izquierdo y en el centro Paul Motian acaricia a ambos con las escobillas de su batería, para que el disco sea más auténtico de fondo se oyen chocar de copas, risas y murmullos. Temas como "Waltz for Debby" o "Milestone" de Miles Davis, se convierten en clásicos del jazz a partir de esta edición, siendo reeditada por decenas de músicos. Estilo cool del bueno, un clásico entre los clásicos que hizo que Bill Evans esté considerado uno de los tres mejores pianistas de jazz de todos los tiempos.
De nuevo el saxofonista alto Lee Konitz (1927), nos deleita con un nuevo noneto, no es la primera vez que tiene este tipo de formación, ya lideró el Lee Konitz Nonet en los años 70´s, concretamente es la tercera vez que Konitz reúne a su noneto en sesenta años de carrera musical (se dice pronto), sigue liderando el grupo de forma indiscutible aunque delega funciones en el también saxofonista en este caso tenor Ohad Talmor, la experiencia funciona a las mil maravillas, del grupo surge música para archivar en nuestra memoria. El disco se grabó en vivo en el Standar Jazz de NYC en 2006 y temas como la "Suite ChromaticLee" que se divide en seis partes, tiene influencias claras de Miles Davis (1949 Miles Davis Noneto) y aires de una gran modernidad, aportada por la gran cantidad de músicos jóvenes entre los que se encuentra el Director de la Banda Ohad Talmor. Todos los temas del álbum han sido compuestos por Konitz a excepción de un tema que compone Talmor, así Konitz muestra al mundo del jazz el rodaje de sus años de carrera. El dúo funciona bien, Lee Konitz es un tesoro y Talmor un perfecto arreglista y su mano se nota a lo largo de toda la grabación, pero no todo el trabajo lo hacen ellos dos, el trabajo de campo lo hace el noneto y la astucia de Konitz está en la combinación de los músicos y de los instrumentos.
La Suite abre magistralmente el álbum, aunque parece que el trabajo se vuelve más solido en los temas individuales, que ganan en fuerza con un aire cool indudable, donde se aprecian más las distintas gamas tonales y que deleitan el paladar auditivo, de ello se encargan : Bob Bowen en el bajo; Jacob Garchik con el trombón; Dimos Goudaroulis en el cello; Russ Johnson con la trompeta; Lee Konitz saxo alto; Dennis Lee con el clarinete bajo; Ben Monder con la guitarra; Oscar Noriega con clarinete; Ohad Talmor saxo tenor y director musical y Matt Wilson con la batería. Quiero destacar el uso impecable, inteligente, innovador, elegante de la batería que le da un aire fresco a toda la grabación, de las mejores intervenciones con la batería que he escuchado nunca. Doce temas de un álbum innovador (incluida la Suite), no debe ser fácil tener sesenta años de historia a las espaldas y sonar fresco y satisfacer a la vez a quienes te escuchan por tu cool, por tu bop y por tus innovaciones o por la modernidad, éste disco lo tiene todo se mueve en el alambre del funambulista creando equilibrios con clase entre el pasado y el presente. Un gran disco.
John Coltrane (1926-1967), apodado Trane, saxofonista tenor y soprano, compositor controvertido, se mueve en estilos de post bop, como el hard bop o free jazz, en apenas 12 años graba el grueso de su discografía donde no empieza a deslumbrar hasta que toca junto a Miles Davis. Como una maldición la heroína se ceba en los músicos de jazz de la época y Trane cae en sus redes, así su trayectoria musical no evoluciona yendo de banda en banda y de despido en despido, Coltrane recibe una oportunidad que le ofrece Miles Davis ya recuperado, de que él hiciese lo mismo y así fue, en la banda de Davis comienza a brillar y a ser llamado para más y más sesiones como freelance, haciéndose un hueco importante en el mundo del jazz, fruto de esa relación llama la atención de la discográfica Impulse para quien grabará el que fue uno de los mejores discos de la historia del jazz, para muchos el mejor: "A love Supreme". En mi opinion no creo que sea el mejor, pero sí uno de los más inspirados. Es un Opus de jazz dedicado por Trane a la divinidad que para él trascendía a cualquier religión, en agradecimiento a la fuerza espiritual que tuvo para salvar su vida, aunque fallece dos años después.
A love Supreme son 48 minutos vibrantes, alucinantes, la obra es una Suite en cuatro movimientos, en realidad son tres temas y el último de ellos se divide en dos cortes, grabada en 1964 y que interpreta con su célebre cuarteto formado por él mismo, McCoy Tyner y sus genialidades con el piano, el increible Elvin Jones a la batería que realiza un sólo magistral y Jimmy Garrison al contrabajo. Pocos álbumes han tenido la influencia de A Love Supreme, un disco que demostró que el jazz es un medio que se adecuaba a la búsqueda espiritual y creaba una fabulosa expresión de lo inexpresable, con él Trane se encontró en el climax de su carrera y llega a manifestar que: "Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite, esta es la primera vez que lo tengo todo a punto". La escucha del disco merece una dedicación intensa, escuchado atentamente el disco es una genialidad preciosa e inspirada, sin duda uno de los discos más importantes de la historia del Jazz. Esencial para cualquier amante de la música.
No me perdonaría a mí mismo, si no incluyo este álbum ”Kind of blue” del genio Miles Davis entre mis primeros comentarios sobre el mundo del jazz, como digo el álbum está considerado por muchos, sobre todo por puristas, como la joya del Jazz, lo mejor que ha dado este genero, no sólo por la calidad musical, la magistral composición, la increible interpretación de los músicos de los que se hace acompañar John Coltrane, Paul Chambers, Bill Evans, Cannonball Adderley y Jimmy Cobb, el disco apenas fue grabado en dos dias en NYC allá por 1959.
Son 45 minutos geniales, de una interpretación final sublime, divina, basado en escalas sobre la que los músicos improvisaban casi todo porque apenas conocían lo que tenían que interpretar, rompedor con el estilo jazzístico existente en el momento e innovador ya que en años sucesivos fueron muchos los músicos que se inspiraron en esta genial composición y no hablo sólo de músicos de jazz. El disco llegó a vender cuatro millones de unidades en USA, siendo el álbum más vendido de jazz de todos los tiempos. hoy día, 52 años después sigue siendo un referente.
Es un gran disco, único, original, que trasciende del jazz para ahondar en la música en sí misma, sin etiquetas, son tantos los estilos, formas, ritmos, conceptos, géneros que se cruzan en este álbum que lo convierten en una pieza musical singular, entrañable, emotiva. Armando Anthony Corea, más conocido por Chick Corea, nace en USA, Massachussetts, en 1941, de padre de origen español, que es junto a un viaje que realiza a España a mediados de los 70 y de la influencia que recibe de Miles Davis, durante los dos años que tocaron juntos, ya se sabe que Davis tenía fascinación por los ritmos españoles y lo ha dejado patente en sus discos, son estos tres elementos: origen, viaje e influencia, los que deciden a Chick Corea a realizar este discazo basado en ritmos flamencos, en rumba, bolero, tango y otros ritmos iberoamericanos que fusionados con el jazz dan como resultado esta obra única e irrepetible.
El álbum cuenta con 16 temas que ocupan dos Lp´s, recientemente se ha remasterizado en versión digital, tienen peso específico dentro del disco los temas de El Bozo con tres partes y la Spanish fantasy con cuatro partes, el disco fue grabado en California en octubre de 1976, contando con la participación de:
Chick Corea toca todo lo que tenga teclas
Steve Gadd: batería
Stanley Clarke: bajo
Jean Luc Ponty: violín
Don Alias: percusión
Gayle Morán: voces y coros
Ron Moss: trombón
John Thomas: trompeta
John Rosenburg: trompeta
Corea y Narada Michael Walden:
aplausos en “la Rumba de Armando”
hay que añadir al cuarteto Arriaga en violín, viola y cello.
Este disco es indispensable para tu memoria musical y como no, para tener un hueco en tu biblioteca musical, los disfrutarás de arriba a abajo porque rezuma originalidad, sensibilidad y belleza por cada una de sus notas.
Tres maestros de la guitarra, tres guitarristas de pro, John McLaughlin británico, Al Di Meola Estadounidense y el Español y universal Paco de Lucía, los tres juntos formaron el Guitar trio, tres estilos muy distintos que se unen en torno a la guitarra como elemento central para grabar el álbum “Friday night in San Francisco”, un disco en vivo, de una fuerza increible, de esos discos que la fuerza se las da el directo, cada uno demostrando su virtuosismo con el instrumento. El disco fue grabado en San Francisco el 5 de diciembre de 1980 en el Warfield Theatre.
John McLaughlin, británico de Doncaster, ha sido durante muchos años músico de sesión y comenzó tomar fama a raíz de tocar junto a Miles Davis o Chíck Corea, En los primeros setenta forma la banda eléctrica Mahavishnu Orchestra, junto al violinista Jerry Goodman, banda que se distinguió por su estilo, técnicamente virtuosísimo y complicado de música. Mc Laughlin se distingue por la versatilidad al tocar la guitarra haciendo un jazz fusión, jazz, música clásica hindú. Para mí uno de los músicos con más personalidad entre las cuerdas de la guitarra.
Paco de Lucía de Algéciras, guitarrista flamenco y universalmente conocido por su virtuosismo y técnica con la guitarra, casi toda su obra se desarrolla dentro del flamenco, aunque realiza incursiones dentro del jazz muy interesantes, convirtió el tema “entre dos aguas” en un clásico mundial.
Se podría hablar mucho más de estos tres increíbles guitarristas, pero existe un nexo, un punto de encuentro en la carrera musical de los tres que deja una huella imborrable en cada uno de ellos y es cuando deciden unirse para grabar y ofrecer conciertos, los tres músicos quedan unidos y marcados por esta unión que los hizo aún más universales y que marcaron un hito en los conciertos de guitarra. El álbum es un regalo para la inteligencia, fresco al oído, con una excelente grabación para la discográfica de Philips, sin duda uno de los mejores directos grabados nunca. Los temas que componen el disco son:
Cara A
Los tres gigantes durante un concierto
«Mediterranean Sundance»/«Río Ancho» (11:25) – Paco de Lucia y Al Di Meola (Al Di Meola/Paco de Lucía)
«Short Tales of the Black Forest» (8:39) – John McLaughlin y Al Di Meola (Chick Corea)
Cara B
«Frevo Rasgado» (7:50) – John McLaughin y Paco de Lucia
«Fantasía Suite» (8:41) – Paco de Lucia, John McLaughlin y Al Di Meola (Al Di Meola)
«Guardian Angel» (4:00) – Paco de Lucia, John McLaughlin y Al Di Meola (John McLaughlin)
El momento álgido de todo músico debe ser cuando decide dar conciertos al desnudo, cuando debe enfrentarse a un auditorio repleto con la desnudez de un sólo instrumento, este acto requiere valentía y sin duda, debe coincidir con un gran momento de autoestima, esto es lo que sucede con esta grabación que dos músicos consolidados, admirados por innovadores, procedentes de mundos distintos, pero paralelos, tecladistas más que pianistas, ya que tocan todo tipo de teclados electrónicos y que coquetean con el mundo del jazz-rock, del jazz-soul del jazz-fusión, es decir, el post-bop, hacen de repente, un parón en sus trayectorias musicales y deciden unir sus talentos, y enfrentarse al mundo musical con un concierto de solo piano, además pianos de cola, es una unión de lujo, los músicos el uno frente al otro y cada uno frente a su piano. Poco más se puede decir que no imaginéis, porque “An evening with Herbie Hancock & Chick Corea in concert” es un excelente disco. Da igual el estilo de jazz que te guste, incluso el género musical que escuches habitualmente, este concierto, este disco debe estar en tu biblioteca musical sin excusas y por supuesto en tu memoria musical sin dilación, sus vibraciones deben oscilar con tus vibraciones vitales. Es un disco de los que se debe estudiar en las academias musicales, un disco para los amantes del piano, instrumento protagonista de la grabación, hasta en la breve presentación que hace Chíck Corea de Herbie Hancock hay musicalidad en su voz.
El disco grabado para Columbia (CBS) ofrece una selección de los más inspirados temas que el dúo interpretó a lo largo de una serie de conciertos ofrecidos a principios de 1.978, grabado con una excelente calidad acústica y respetando en todo momento las grabaciones tal cual se dieron en los distintos conciertos, así como el orden de los temas que aparecen en el vinilo, manteniendo así intacta la integridad y el espíritu de estos conciertos y la relación entre músicos y público. El disco se grabó en directo en Masonic Auditorium de San Francisco; Dorothy Chadler Pavilion de Los Angeles; Golden Hall de San Diego y Hill Auditorim, Ann Arbor en Febrero de 1978 y es muy importante indicar para el oyente que el piano de Herbie Hancock aparece a la izquierda y el de Chíck Corea a la derecha en todo el disco. Al interesante comienzo con Someday my Prince will come, pieza infantil que sacó del olvido Miles Davis, le sigue el bello estándar Liza , de Geoge Gerswhin, uno de los grandes aciertos del álbum. Del resto, destacan las versiones de Maiden voyage, composición de Herbie Hancock La fiesta de Chíck Corea. Son seis temas en total donde la pieza más corta dura 8:59 minutos (Liza) y la más larga 22,00 minutos (La fiesta). moviéndose el resto entre éstos parámetros.
El concierto, el disco es una genialidad, un reto superado con éxito, un deleite para nuestros oídos, un clásico ya, dentro del panorama jazzístico y musical de todos los tiempos, dos maestros, dos pianos de cola y dos vinilos para la historia. De 5>10 mi valoración es: 10
