Dave Brubeck & Paul Desmond: Take Five

Carátula del mítico "Time Out" del Dave Brubeck Quartet

     Clickea este enlace y escucha el mítico Take Five http://www.youtube.com/watch?v=A_ngyWAbLKc

     No sé si para el post de este disco tengo que hablar de Dave Brubeck o de Paul Desmond, lo digo porque "take five" lo compone Paul Desmond pero, alcanza el éxito dentro del cuarteto de Dave Brubeck, así que voy a darle a cada uno su parte alícuota como he hecho ya en el titular, en realidad el disco se vende como  The Dave Brubeck Quartet y se titula "Time Out". Al hablar del disco me sale solo el tararear el famoso "take five" tara...tara..tarararara..tara...del saxo de Paul Desmond, debe ser algo parecido al reflejo de Paulov. No hace mucho vi en televisión la película "Un plan brillante" de Demi Moore y Michael Cane donde el take five suena en varias partes de la película, no es por cierto el único film en el que aparece, su música te transporta a NYC y sus calles en los años 60´s, también he leído por ahí que el inicio de take five se asemeja al inicio del "Mediterráneo" de J.M. Serrat y estoy totalmente de acuerdo. La melodía se hace famosa por el uso de un compás no muy habitual en el jazz, el tiempo quíntuple, compuesto en 5/4 y de donde el tema adquiere su nombre, en definitiva es una forma ternaria A-B-A donde A es un Ostinato que propicia la improvisación.

     En 1951 Dave Brubeck crea su famoso Cuarteto junto al saxo alto Paul Desmond, en 1956 se incorpora el excelente batería Joe Morello quien toca la batería de una forma suave como si le diese miedo golpearla, aunque cuando lo hace es de forma contundente, también se incorpora el contrabajo Gene wright en 1958, quedando así configurado uno de los mejores cuartetos de la historia del jazz hasta que en 1967 Paul Desmond abandona la formación. Quiero mencionar especialmente a Paul Desmond quién para mí es el auténtico alma del disco, además de ser el compositor del "take five" es una maravilla como lo interpreta con esa suavidad, con ese sonido tan característico que cuando lo oyes sabes que es su saxo, es rara su interpretación que no deja escapar un leve sonido, una leve fuga de aire por la boquilla de su saxo que acompaña lógicamente a la melodía y que es uno de sus sellos personales e inconfundibles además del de ralentizar la interpretación, él se preciaba de ser el saxo alto más lento del mundo.

     El disco se graba para la discográfica Columbia y en su momento fue un éxito sin precedentes, hoy es todo un clásico que forma parte de nuestra memoria musical.

The Dave Brubeck Quartet

     Los temas de Time Out son:

- Blue Rondo á la Turk - 6:44

- Strange Meadow Lark - 7:22

- Take Five - 5:24

- Three to Get Ready - 5:24

- Kathy´s Waltz - 4:48

- Everybody´s Jumpin´- 4:23

- Pick Up Sticks - 4:16

De 5>10 mi valoración es: 9

James Carter: "Chasin" the Gypsy

James Carter (Detroit 1969), nace en una familia de músicos donde todos los miembros tocan algún instrumento, crece en este ambiente musical y pronto en 1985 Wynton Marsalis lo llama para que se incorpore a su formación, pocos años más tarde se traslada a NYC donde graba y toca con el gran Lester Bowie, donde colabora con Julis Hemphill, la Mingus Big Band y la Lincoln Center Jazz Orchestra,. Queda marcado por Marsalis, Bowie y Mingus por todo el significado histórico que representan y que van desde la más pura ortodoxia a la más loca aventura y experimentación. Participa en la película "Kansas City" de Robert Altman, en el papel trasunto de Ben Webster. Toca toda la gama de saxos desde el tenor al barítono con una depurada técnica y una gran variedad de exquisiteces en los sonidos que produce, también toca flauta y clarinete.
Su debut discográfico se produce en 1993 con "James Carter On the Set" lo que le permite obtener status de músico revelación  y a la vez entrar por la puerta grande al mundo del jazz contemporáneo, musico prodigio así lo atestiguan las siguientes grabaciones que realiza algo camaleonicas ya que cambia de estilo no solo entre distintos álbumes, sino dentro de un mismo tema y lo hace de forma natural.
"Chasin the Gypsy" se graba en 2000 y el disco está pensado por Carter como un homenaje al gran músico Django Reihnardt, el disco presenta el lado más romántico de James Carter donde realiza un perfecto tributo a uno de los más grandes creadores de la música de jazz, se interpretan piezas típicas de Django con otros con aires latinos, con ritmos peculiares y un uso algo atípico de la percusión dentro del jazz, su saxo suena espectacular con sonidos que abarcan desde un dulce susurro hasta el rugido más desgarrador. Comienza la grabación con el tema "Nuages" uno de los temas más preciosistas del jazz, hasta un total de 9 temas que componen el álbum para el que se hace acompañar por Regina Carter en el violín, Jay Berliner y Romero Lumbao en las guitarras, Charlie Giordano en el acordeón, Steve Kirby en el bajo, Cyro Baptista con la percusión y Joey Baron como baterista.

James Carter

 El disco suena diferente a lo habitual dentro del jazz, se producen una gran variedad de cambios de ritmos,  unidos a un original uso de la percusión, al violín y al acordeón, así como a los múltiples registros que James Carter es capaz de obtener con su saxo, sin duda, todo un desafío a cualquier convencionalismo de la industria discográfica.
 Los temas que componen el disco son:
1. Nuages
2. La Derniere Bergere
3. Manoir de mes reves
4. Artillerie Lourde
5. Chasin the Gypsy
6. Oriental Shuffle
7. I´ll Never Be The Same
8. Avalon
9. Imari´s Lullaby

De 5>10 mi valoración es: 6

Ben Webster: Soulville

Carátula del Soulville

Ben Webster es de esos músicos genuinos, pioneros de otra época, apodado "el rana" por sus ojos saltones, nace en la cuna de otro gran saxofonista Charlie Parker, su carrera comienza en la cuerda de saxos del gran Duke Ellington, eran los tiempos del Cotton Club, como agradecimiento a su saxofonista el Duke compuso "in a mellotone" una pieza hecha a la medida de Ben Webster y que le acompañaría durante toda su carrera musical. Ha tocado con todos los grandes y que no voy a enumerar aquí porque sería interminable. Tras la II Guerra Mundial se produce el declive de las Big Bands cosa que no viene del todo mal a nuestro protagonista ya que se busca la vida con pequeñas formaciones y puede interpretar temas que con la orquesta de Ellington se encontraban camuflados consiguiendo éxitos que antes le habían sido negados. Junto a Coleman Hawkins y Lester Young forman el mejor trío de saxos tenores de la historia del jazz.

Ben Webster y su saxo tenor

Soulville es una joya, sin duda, de los mejores discos de la historia, es de esa música que no se escucha, que se siente, tras unos instantes uno se da cuenta que es una música sobrenatural compuesta e interpretada con el alma. El sonido del saxo de Webster es cálido, apacible, desgarrado por momentos, suave, delicado y con mucho, mucho swing. El disco grabado el 15 octubre de 1957 en California para la discográfica Verve, tiene una muy buena grabación que a principios de siglo fue remasterizada y donde se incluyó algún bonus track. Un lujo el personal que le acompaña Herb Ellis abre el álbum con el primer tema homónimo y su guitarra bien templada, Oscar Peterson posa sus dedos sobre el blanco y negro del teclado y surge la nota adecuada, no cabe otra, en cada instante de la grabación, Ray Brown con su suave sonido de contrabajo y en la batería un exquisito Stan Levey, todos juntos dan paso al saxo de Ben Webster para que pinte una y otra obra de arte con cada pincelada de su saxofón. De estilo Mainstream lo que hizo que llegara al público de su época y que sin duda como un tesoro ha pervivido hasta nuestros dias.
En Soulville, Ben Webster, nos deleita con sus mejores momentos como saxofonista, es jazz "del bueno" se puede escuchar una y otra vez sin que pierda su brillo original. Ningún seguidor de la buena música y del saxo puede pasar por alto este disco (es pecado) lleno de tan buenos momentos.

de 5>10 mi valoración es: 10

John Coltrane: A Love Supreme

Carátula del álbum

John Coltrane (1926-1967), apodado Trane, saxofonista tenor y soprano, compositor controvertido, se mueve en estilos de post bop, como el hard bop o free jazz, en apenas 12 años graba el grueso de su discografía donde no empieza a deslumbrar hasta que toca junto a Miles Davis. Como una maldición la heroína se ceba en los músicos de jazz de la época y Trane cae en sus redes, así su trayectoria musical no evoluciona yendo de banda en banda y de despido en despido, Coltrane recibe una oportunidad que le ofrece Miles Davis ya recuperado, de que él hiciese lo mismo y así fue, en la banda de Davis comienza a brillar y a ser llamado para más y más sesiones como freelance, haciéndose un hueco importante en el mundo del jazz, fruto de esa relación llama la atención de la discográfica Impulse para quien grabará el que fue uno de los mejores discos de la historia del jazz, para muchos el mejor: "A love Supreme". En mi opinion no creo que sea el mejor, pero sí uno de los más inspirados. Es un Opus de jazz dedicado por Trane a la divinidad que para él trascendía a cualquier religión, en agradecimiento a la fuerza espiritual que tuvo para salvar su vida, aunque fallece dos años después.

A love Supreme son 48 minutos vibrantes, alucinantes, la obra es una Suite en cuatro movimientos, en realidad son tres temas y el último de ellos se divide en dos cortes, grabada en 1964 y que interpreta con su célebre cuarteto formado por él mismo, McCoy Tyner y sus genialidades con el piano, el increible Elvin Jones a la batería que realiza un sólo magistral y Jimmy Garrison al contrabajo. Pocos álbumes han tenido la influencia de A Love Supreme, un disco que demostró que el jazz es un medio que se adecuaba a la búsqueda espiritual y creaba una fabulosa expresión de lo inexpresable, con él Trane se encontró en el climax de su carrera y llega a manifestar que: "Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite, esta es la primera vez que lo tengo todo a punto". La escucha del disco merece una dedicación intensa, escuchado atentamente el disco es una genialidad preciosa e inspirada, sin duda uno de los discos más importantes de la historia del Jazz. Esencial para cualquier amante de la música.

John Coltrane "Trane" y su saxo

De 5>10 mi valoración es: 9

El Jazz es vida

Posted by juanmerkader on 25 mayo, 2011 | EDITAR

Hola, no es la primera vez que publico sobre música en algún medio, pero como si lo fuera, cuando algo es nuevo primero hay que hacer el rodaje, solo quiero expresar mi afición a la música con mayúsculas, desde siempre me ha gustado la música y todos sus géneros, soy melómano confeso, mi intención desde esta página es compartir esta afición con quien de vosotros quiera

De todos los géneros musicales es el Jazz el que más me llena, desde que escuché a Jimmy y Tommy Dorsey en un viejo Lp, que me abrió las puertas al increíble mundo de la libertad musical, de las jam sessions, de la improvisación, de la cuerda, el viento, los teclados, todo por libre y a la vez unido en esa ensalada musical que es el Jazz. No pretendo más que compartir, para otra cosa están los expertos. Me gustaría que esta página fuese un punto de encuentro de cualquiera que sea  aficionado al jazz, o que tenga curiosidad por saber lo que es.

http://www.youtube.com/watch?v=gAGTOKnEJ_M este enlace te lleva a Ellis y Wynton Marsalis  en Ft Germaine Bazzle – Little Birdie

Miles Davis: Kind Of Blue

http://www.youtube.com/watch?v=DEC8nqT6Rrk clickea este enlace para ver vídeo de Miles Davis

No me perdonaría a mí mismo, si no incluyo este álbum  ”Kind of blue” del genio Miles Davis entre mis primeros comentarios sobre el mundo del jazz, como digo el álbum está considerado por muchos, sobre todo por puristas, como la joya del Jazz, lo mejor que ha dado este genero, no sólo por la calidad musical, la magistral composición, la increible interpretación de los músicos de los que se hace acompañar John Coltrane, Paul Chambers, Bill Evans, Cannonball Adderley y Jimmy Cobb, el disco apenas fue grabado en dos dias en NYC allá por 1959.

Son 45 minutos geniales, de una interpretación final sublime, divina, basado en escalas sobre la que los músicos improvisaban casi todo porque apenas conocían lo que tenían que interpretar, rompedor con el estilo  jazzístico existente en el momento e innovador ya que en años sucesivos fueron muchos los músicos que se inspiraron en esta genial composición y no hablo sólo de músicos de jazz. El disco llegó a vender cuatro millones de unidades en USA, siendo el álbum más vendido de jazz de todos los tiempos. hoy día, 52 años después sigue siendo un referente.

   Relájate y disfrútalo.

De 5>10 mi valoración es: 10

Pat Metheny & Brad Mehldau – Metheny Mehldau

pincha este enlace que te lleva hasta el vídeo del disco http://www.youtube.com/watch?v=oiH2XCD-hUo

Metheny Mehldau es uno de esos álbumes que no puedes parar de oír una y otra vez,  grabado en 2005 en NYC, éste dúo de jazzmen contemporáneos se superan, Pat Metheny guitarrista prolífico, astuto, audaz, sobre todo moderno, con un estilo vanguardista que ha creado Escuela, con ese sonido dulce y acústico que es capaz de sacar de su guitarra y envolvernos con un pentagrama invisible de escalas e improvisaciones. por otro lado Brad Mehldau, cuya carrera musical es mucho más corta, entre otras cosas porque es bastante más joven, con un estilo influenciado por Keith Jarret, más sobrio, austero, a veces hasta casi clásico.

el álbum es una obra maestra, que se basa principalmente en interpretaciones solistas de guitarra y piano, aunque también encontramos algunos temas levemente acariciados por una base rítmica de bajo y batería (Grenadier y Ballard), donde los dos autores componen los temas del mismo, notándose claramente la sobriedad del pianista. Es un disco de muy bonitas composiciones, muy agradables al oído, pero a la vez de una gran complejidad musical, durante todo el disco los músicos no chocan jamás, se complementan y entrelazan sonidos de manera fantástica cosa que no es tan fácil en instrumentos armónicos como la guitarra y el piano. Un disco fantástico, un clásico moderno que no  puede faltar en tu memoria musical.

Mehldau

Metheny

De 5>10 mi valoración es: 10

Charlie Haden: Sophisticated Ladies

Sophisticated Ladies es uno de los útimos trabajos del bajista Charlie Haden, nacido en 1937, es sin duda, un clásico dentro del panorama jazzístico, sus primeras intenciones fueron ser cantante, pero una enfermedad le estropeó las cuerdas bucales, decidiéndose entonces por cogerle prestado el contrabajo a su hermano, llegando a ser uno de los que más técnica tienen con este instrumento, que ya de por sí, no luce mucho y hay que ser muy bueno para hacerse notar. Haden se dio a conocer interpretando free jazz con el saxofonista Ornette Coleman, más tarde tocó con el pianista Keith Jarret y ha grabado discos con todos sus contemporáneos, algunos de esos discos muy especiales como el que grabó con Pat Metheny, guitarra y contrabajo ¿te imaginas?, un gran trabajo.
El disco cuenta con un total de doce temas, muy cuidadosamente elegidos, se hace acompañar en el saxo  tenor por Ernie Watts, en el piano Alan Broadbent y Rodney Green en la batería, en total nos ofrecen 60:00 minutos de un vintage musical de muy alto nivel, a todo ello añadir la inclusión de cuerdas a través de violonchellos, violines y violas, lo que da un toque refinado al conjunto, pero que por otro lado acapara gran numero de detractores.
Con Sophisticated Ladies Haden culmina una carrera de manera brillante, sacando del baúl algunas de las canciones más bellas de las últimas décadas del jazz con temas como el que da título al álbum, compuesto por Duke Ellington, se hace acompañar de vocalistas como Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot,  Cassandra Wilson o la soprano Renée Fleming, todas ellas realizan interpretaciones magistrales. El álbum suena como si algunos de los mejores jazzmen y jazzladies de todos los tiempos hubiesen regresado a nuestro tiempo, creando un ambiente clásico de hace décadas, un ambiente mágico, a la vez que totalmente actual, la primera vez que lo oí pensé que era como si Billie Holiday hubiese grabado un disco en el siglo XXI , si lo tuviera que definir,  lo haría diciendo que es un disco de libro, de jazz totalmente académico, que te cautiva desde la primera nota, donde Haden sabe lo que se trae entre manos.

Valoración personal: 9

Melody Gardot: My one and only thrill

Carátula del álbum

pincha este enlace que te lleva a una preciosa canción..http://www.youtube.com/watch?v=CBWY6W1dSvE

Melody Gardot, es una recién llegada, nacida en 1985, sólo tiene 26 años, es de la nueva generación que se están incorporando al mundo del jazz, nacida en Estados Unidos, se ha dado a conocer en España, alcanzando unas aceptables ventas con “My one and only thrill”, disco publicado en 2009 y que presenta unos temas muy bien elaborados que pasan por aires latinos, el blues y como no el jazz, a lo largo del álbum se destila cierta melancolía, incluso en temas con aires latinos que debían ser algo más festivos se denota sobriedad, en definitiva el disco está bien estructurado y una vez escuchado uno tiene la sensación de estar escuchando jazz con un sello muy personal, muy moderno, distinto, con personalidad.

No quiero pasar por alto la colaboración que realiza en el disco de Charlie Haden “Sophisticated Ladies” donde interpreta “if  i`m lucky” de forma magistral, para mí lo mejor del disco de Haden. Tan sólo cuenta con dos álbumes de estudio, uno de ellos un EP y un directo. Como curiosidad señalar a los 19 años es atropellada por un automóvil cuando iba en bicicleta y que su médico le induce a que se dedique a la música para paliar las secuelas que le pudieran quedar, así su primer disco lo compone en el mismo hospital. Sinceramente para tener tan poco recorrido musical no está nada mal.

  De 5>10 mi valoración es: 5

Eva Cortés: El mar de mi vida

picha el siguiente enlace para ver vídeo de Eva Cortés   http://www.youtube.com/watch?v=EeIkZ2AyLk0

El mar de mi vida es el tercer disco que edita Eva Cortés, Hondureña educada en Sevilla y con residencia en Madrid. El disco tiene un estilo personal innegable jazz fusión donde se mezclan ambientes acústicos de blues, jazz, ritmos latinoamericanos como el bolero, el tango o andaluces como el flamenco, todo ello en un cocktail musical de muy buena estructura. Eva que es la autora de la mayoría de temas, canta cada uno de ellos en español, francés o portugués, con una cierta cadencia latinoamericana lo que le da un punto exótico al álbum, un toque de originalidad que la primera vez te choca, pero que enseguida te familiarizas.

el álbum cuenta con doce temas algunos versionados como Alfonsina y el mar o el clásico de la chanson francesa c´est si bon que interpreta junto al cantaor Miguel Poveda haciendo unos arreglos de la canción muy interesantes, el resto tienen buena fluidez musical y riqueza armónica. Se hace acompañar por Pepe Rivero al piano, además de producción y arreglos, se nota su presencia en todo el disco, Toño Miguel y Hadrien Feroud en contrabajo y bajo, Mondesir a la batería, Piraña con el cajón, toca el trombón Santi Cañada.

Eva Cortés

Su discografía es ciertamente corta ya que el primer álbum lo edita en 2007, contando hasta la fecha con un total de cuatros discos, éste del que hablamos es el tercero. Eva Cortés irrumpe para reclamar un hueco en el panorama jazzístico cantado en español. La primera vez que lo oí me chocó, luego cada vez que lo escucho le encuentro algún matiz distinto bien en los ritmos, en lo músical o en esa bonita voz con acento exótico que a veces resulta raro oír cantando ritmos de jazz en español a lo que no estamos muy acostumbrados. Suena fresco, suena joven, suena innovador, suena bien.

De 5>10 mi valoración es: 5

Something for you Eliane Elías sings and plays Bill Evans

Carátula del álbum

pincha este enlace para ver y oir a Eliane Elías http://www.youtube.com/watch?v=6-fUnVjIu20

Con casi una decena de discos en la calle como ella misma, es decir, como Eliane Elías, me centro en Something for you que fué grabado en 2008 y para mí es su mejor álbum, aunque los méritos se los lleva el dueto al piano que hizo con Herbie Hancock. Es un tributo al gran pianista norteamericano Bill Evans de larga trayectoria musical, sobrio en su estilo, algo minimalista, perfeccionista, melancólico y con un estilo jazzístico que no llega a todo el mundo, fallecido en 1980. Por otro lado, Eliane Elías, pianista solvente, ágil, nacida en 1960 en Brasíl y perfeccionada musicalmente en Europa y Norteamérica, en ningún caso Elías puede olvidarse de sus raíces y los aires brasileros rezuman por todas partes en toda su obra, sobre todo la Bossa Nova, que es una constante en su carrera, La Bossa Nova son composiciones muy bellas con una fuerte carga de melancolía y es aquí, en la melancolía donde Evans y Elías conectan haciendo que lo bello y lo melancólico se complementen.

El álbum cuenta con 17 temas y ninguno de ellos supera los cinco minutos, varios de estos temas son de Bill Evans incluyendo dos piezas no grabadas hasta ahora, además del piano Elías es también vocalista y en este disco canta con mucha elegancia. Le acompañan al bajo su marido Marc Johnson, Joey Baron a la batería y la propia Elías en piano y voz, además Bill Evans en introdution to Something for you, aparece la introducción original del mismo Evans y sólo al final Elías de manera discreta y humilde realiza una breve interpretación, como digo muy breve para dejar brillar al maestro del piano. Como dije al principio para mí su mejor disco hasta la fecha, elegante, original, respetuoso con el homenajeado y haciendo crecer aún más, a quien homenajea.
De 5>10 mi valoración es: 8

Eliane Elías

Diana Krall, Quiet Nights

pincha este enlace para oír y ver el vídeo de Krall http://www.youtube.com/watch?v=LyHFY-gWLR4

Le iba tocando el turno a Diana Krall y no será Quiet nights (2009) el único álbum que comentaremos de la gran pianista y vocalista, esposa del también genial músico Elvis Costello. Quiet nights es un susurro al oído, es un atardecer en una playa, una siesta de verano, como si alguien te acariciara con una pluma, el disco es todo delicadeza, sencillez, estilo, armonía, intimidad, calidez, sensualidad y es hasta casi erótico. No es la primera vez que la jazzladie se inspira en temas brasileros, pero aquí dedica todo el álbum a Brasil y en especial a esa joya que es la Bossa nova y que ella transforma en jazzbossa, es su primer álbum de estudio desde “From this moment on”, algunos de los temas han sido grabado en sólo dos tomas, pocos artistas pueden decir ésto.

Diez temas que incluyen tres de Antonio Carlos “Jobim”, maestro de maestros y otros clásicos como Bacharach, los arreglos los lleva de forma magistral Claus Ogerman que entre otros ha trabajado para Jobim, Gilberto,  Getz, Bill Evans o Frank Sinatra, según la propia krall ” ha sido la mejor experiencia grabando que he tenido hasta ahora”. Se hace acompañar por sus músicos habituales Anthony Wilson (guitarra), John Clayton (bajo) y Jeff Hamilton (batería) y la propia Krall al piano y vocalista. Recomendado, disfrútalo.

  De 5>10 mi valoración es: 8

jAMie cULLuM: Twenty something

pincha este enlace para escuchar a Cullum http://www.youtube.com/watch?v=aFIjSY0amtc

es el tercer trabajo de su discografía, grabado por Universal en London city en el 2003, el álbum en sí no es fácil de encasillar, ya que el mismo Cullum no quiere que lo definan como músico de ésto o de lo otro, “soy muy joven y todavía tengo que definir mi estilo”, así  el músico nace en Inglaterra en 1979, pero con tan sólo 31 años ha dejado con este disco lo que para mí es lo mejor de su breve carrera músical, bien es verdad que ha tenido como Productor a S. Levine quien ha trabajado con George Benson, Simply Red, B.B. King entre otros muchos artistas, el disco está grabado en analógico y en sesiones en directo.

en 4 meses logra vender 850.000 copias, colocándose como nº1 en ventas en su país en música de jazz, ¿cual es el secreto? pues una inteligente mezcla de canciones que va desde los musicales clásicos de pelis en blanco y negro como Singing In The Rain (cantando bajo la lluvia) a temas de rock alternativo de los 90 y a alguna pieza de composición propia, todo ello con unos magníficos arreglos. El disco está rozando el estilo del jazz, está justo en esa línea roja en la que pudiera ser clasificado dentro de distintos estilos musicales, de hecho sus discos posteriores abandona o se aleja un poco del jazz para adentrarse en otros estilos, sea como fuere, es un gran trabajo donde aúna distintas épocas musicales con uniformidad, resultando un muy interesante disco, compacto, de agradable escucha, excelente grabación, fresco y distinto a lo usual. Jamie Cullum goza de un estilo en construcción que apunta maneras y dentro del jazz, casi que habría que crear un estilo para él, o mejor dicho, él ha creado un estilo propio dentro de este género.

       De 5>10 mi valoración es: 7    

Madeleine Peyroux: Careless love

Clickea este enlace para oir a Madeleine Peyroux http://www.youtube.com/watch?v=tP87IH_FEn4

Nace en 1973 en USA, más en concreto en Georgia, se cría entre Brooklyn, California y París, ciudad de la que era su madre, es la ciudad de la luz, sin duda, la que deja en ella más huella, de hecho intercala ingles y francés en sus canciones, es en el barrio latino de la capital francesa donde da sus primeros pasos uniéndose a grupos callejeros, que posteriormente se profesionalizan y van de gira por toda Europa, es en 1996 cuando da el salto y lanza su primer disco “Dreamland” que es todo un éxito y la catapulta, haciendo que la crítica se fije en el sello tan personal que inunda el álbum,  pero el éxito la abruma y está ocho años desaparecida hasta que graba Careless love (2004) que vuelve a ser un éxito aún mayor que el anterior y que la consolida como una importante jazzladie en todo el mundo.

Careless love, es sin duda, un gran álbum, atemporal, con un sonido que destaca como propio, donde hay sonidos perdidos del panorama musical actual, introduce sonidos de órgano con aires setenteros, también el banjo, viento, esa guitarra destartalada que ella misma toca y que parece  la ha arrancado de una foto en blanco y negro  a algún bluesmen en algún campo de algodón perdido y una estupenda sección rítmica de contrabajo y batería, a todo esto hay que sumar una privilegiada voz que utiliza sin mucha pasión, pero que modula de forma magistral creando ambientes únicos. De aspecto desaliñado, tiene un estilo jazzístico donde mezcla ritmos y sonidos del pop, el blues acústico, el country, jazz clásico, temas de amor y como no, de chamson francesa,  todo ello bien mezclado y el resultado es Madeleine Peyroux, quien después de Careless love ha publicado cuatro álbumes más, todos de una excelente factura. Careless love es uno de sus mejores discos y un hito en su carrera musical que no debe faltar en tu discografía.
De 5>10 mi valoración es: 6