Joshua Redman Quartet: Blues for Pat - live in San Francisco

El saxofonista tenor Joshua Redman llegó a la escena del jazz a principios de los noventa, aportando un sonido progresivo y refrescante, en pocos años fue capaz de construir un perfil musical propio, para él lo más importante en el jazz es la improvisación, "Tocar como lo sientes en el momento esa es la manera en la que entiendo el jazz. No necesitas una fórmula en particular sino simplemente dejarte fluir, que domine el espíritu de la sorpresa, lo impredecible y descubrir cosas en el instante”. 
Blues for Pat - live in San Francisco es un álbum en vivo que Redman graba junto al cuarteto formado por Redman al saxo tenor, Pat Metheny a las guitarras, Christian McBride al bajo y Billy Higgins a la batería, con seis temazos grabados durante 70 minutos en un club de San Francisco, donde Redman y Metheny interactúan constantemente en el campo de las emociones, ambos claramente inspirados. Es de señalar el tema St. Thomas de Sonny Rollins donde ambos músicos, saxo y guitarra dialogan incesante y creativamente durante 18:26 minutos sobre el escenario, también digno de mención Carla´s Groove con el que cierra el álbum y el concierto.
Lo peor: la grabación, con una notable falta de calidad en el sonido, ¡hasta cuesta trabajo escuchar los solos del contrabajo! da la impresión de una grabación pirata, una cuestión técnica no bien resuelta que afortunadamente el cuarteto con su trabajo e inspiración hace que te olvides de ello. Blues for Pat, forma parte del inicio de la carrera del saxofonista de Berkeley, ya en este álbum vemos como se reinventa, se reivindica, expande y agrega colores a su paleta musical.

Valoración Personal: 8

Charlie Haden & Pat Metheny: Beyond The Missouri Sky

No soy amigo de escribir un post por la ida de un músico, más bien oigo su música, hoy ha fallecido el gran bajista Charlie Haden, D.E.P. Haden me ha acompañado musicalmente durante las últimas décadas, desde el Free Jazz de Ornette Coleman hasta las tranquilas y sosegadas composiciones de sus últimos años, en ambos lados de ese péndulo me encuentro cómodo. En estos momentos de tristeza he ido a mi biblioteca musical y he elegido el disco maravilloso que grabó con su paisano Pat Metheny "Beyond The Missouri Sky", grabado en 1996 y lanzado al mercado el 25 de febrero de 1997 para la Verve Récords, cuenta con un total de 13 temas, 3 de Haden, 1 de su hijo Josh, y 2 de Metheny, algún otro tema con aire cinematográfico de Henry Mancini o Ennio Morricone, en total 69:11 minutos maravillosos.
Es sin duda, un sublime dueto, que trasciende el género, ambos compartiendo el linaje de Missouri, como argumento temático, entre ambos maestros forjan un estilo lírico, íntimo, acústico, centrándose en la pureza del tono y la armonía. Metheny hace predominar las guitarras clásicas y Haden moviéndose con toda facilidad por los registros altos de su instrumento, ambos dando un ejemplo de coherencia emocional y musical, en un dialogo generacional bello, una sólida comunicación musical que transciende sus respectivos caminos profesionales, profundizando en los ámbitos de la calma, la tranquilidad, a través del minimalismo, una compartida visión musical de los orígenes y del alma, desarrollan una complicidad tierna, delicada en un discurso musical simple: Guitarra y Contrabajo.
Beyond The Missouri Sky, es un disco bello y emotivo, para momentos especiales, si tuviera que definirlo con una imagen sería la de unas hojas flotando por la lenta corriente de un bello arroyo. Gracias Haden.

Valoración personal: 8

The Gary Burton Quintet with Eberhard Weber: Ring

En el año 14 del Siglo XXI, el vibráfono puede parecer una rareza musical de otros tiempos, durante el siglo pasado tuvo un papel importante en la formación de los grupos de jazz y algunos de sus intérpretes están hoy en el Olimpo del Jazz. Gary Burton (1943), comienza su andadura por los años sesenta, aún hoy, de vez en vez, nos sorprende con muy buenos trabajos, ejecutando el vibráfono con sutileza y elegancia.
Ring es un álbum que te conquista, porque es meditado, tranquilo y elegante, te llega al instante, porque teje tonos brillantes y luminosos, tonos color pastel, suaves, aterciopelados, a veces, con ritmos irregulares que crean un climax entre vibráfono,  bajo y guitarra que conmueven.
El álbum se graba entre el 23 y 24 de julio de 1974 en los Estudios Bauer de Ludwigsburg, para el sello ECM, que en esa década precisamente nos ofreció sus mejores discos, cuenta con un total de seis temas y una duración que se nos queda corta 37:10 minutos.
El quinteto lo componen Gary Burton con el vibráfono, Mick Goodrick en la guitarra, Pat Metheny en guitarra y guitarra de 12 cuerdas, Steve Swallow al bajo, Bob Moses en la batería y percusión y Eberhard Weber al bajo. Una colaboración clásica entre un gran compositor y artista como weber y un brillante intérprete como Burton, la guitarras de Metheny y Goodrick están sutiles, con punteos complejos y desafiantes que crean una atmósfera que gotea poco a poco en el ambiente musical creando un halo mágico alrededor de cada composición. Destaco el primer corte Mevlevia y el último The Colours Of Chloë, una auténtica maravilla para los sentidos.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

The Colours Of Chloë, para mí el mejor tema del álbum, dejo una versión en vivo, porque no he encontrado la grabación de estudio.

Michael Brecker: Michael Brecker

Te dejo este vídeo del tema "Sea Glass", primer

corte del álbum

Primer álbum como líder del saxofonista de Filadelfia, anteriormente dedicó mucho tiempo de su carrera como músico de estudio que era constantemente reclamado por artistas de la talla de Frank Sinatra, James Taylor,  Eric Clapton o Bruce Springsteen entre otros, da un primer paso con su hermano creando la Brecker Brothers y no es hasta 1987 cuando decide caminar sólo y sacar al mercado el álbum "Michael Brecker".
Si algo me gusta de Brecker (1949-2007) es la forma que tiene de soplar el instrumento, concisa, clara, ágil, nítida, sin fisuras ni escapes, con energía y vitalidad que desborda cualquiera de sus interpretaciones, incandescente, siempre al rojo vivo y eso te lo sabe transmitir como nadie, se mete en la piel, se hace con tu audiencia, y experimentas algo profundo que muy pocos músicos te transmiten. Brecker tiene ese privilegio.
El álbum se graba en NYC, producido por Don Grolnik y el propio Brecker, cuenta con un total de siete temas, tres de ellos compuestos por el saxofonista, con una duración total de 56 minutos, se graba para la discográfica MCA/Impulse y los créditos del disco son inmejorables en la batería Jack DeJohnette está deslumbrante, Charlie Haden en el bajo, como siempre pulcro y elegante, Kenny Kirkland en los teclados y sutil y sugerente en la guitarra Pat Metheny, más arropado en tu primer lanzamiento no se puede estar, un Quinteto de lujo.

Portada del disco

El disco es un regalo para los oídos, de un jazz academicista, puro y transparente y a la vez impredecible, con unos temas que ponen a prueba a los músicos en un desafío constante, donde Brecker lidera con autoridad y determinación, estando brillante durante toda la grabación. A partir de este álbum Brecker que contaba con 38 años se hace asiduo en los circuitos de jazz afianzándose como saxo tenor y dejándonos un gran legado musical. El disco es altamente recomendado.


De 5 > 10, mi valoración es: 8

Pat Metheny: What´s It All About

Caratula del álbum de Metheny

Nunca se sabe con qué nos va a sorprender Pat Metheny (1954) en su próximo concierto o en su próxima grabación, ¿ y a continuación qué ?... lo que sí es seguro es el grado de compromiso, fiabilidad y calidad  con la que siempre el guitarrista de Missouri da su especial "Touch" a todo lo que hace. Es intrínseco, coherente consigo mismo, ese grado de búsqueda, de investigación, de cambio constante, de encontrar nuevos caminos por los que el jazz pueda avanzar. Casi cuatro décadas y alrededor de cuarenta discos editados como líder y es el primer álbum donde no encontramos ningún tema compuesto por Metheny, todos son temas ajenos, éxitos o no, de la década de los 60´s de género pop o rock.

 Metheny no ha tenido reparos en publicar What´s It All About donde interpreta con "sus guitarras" diez temas que para él tienen un significado especial, el músico con su guitarra y un puñado de canciones que marcaron los inicios de su afición musical. Todo ésto encaja sin chirriar lo más mínimo en la carrera de uno de los más grandes, destacados y prolíficos compositores de la historia del Jazz, es una ventana que se nos abre al "subconsciente" de Metheny. Interesante. El guitarrista ha tenido una actividad tan intensa durante los últimos años que sin duda What´s It All About marca una cambio de ritmo en su trayectoria, sólo un capítulo más en esa búsqueda incesante a la que nos tiene acostumbrados. Abre el álbum el tema "The Sound of Silence" de Simon & Garfunkel interpretada con la guitarra Pikasso de 42 cuerdas, para a continuación desplegar sus dotes con la acústica en "Pipeline" o "And a love Air" de The Beatles donde le da cierto aire latino y hace un auto-acompañamiento genial ya que parece que hay más de una guitarra, otros temas son "Garota de Ipanema" de Jobim o Slow hot wind" del célebre H. Mancini, así hasta un total de diez temas, algunos de ellos de cuando el propio Metheny aún no tocaba ningún instrumento. Es importante señalar que el tema 1 está interpretado con la guitarra Pikasso de 42 cuerdas, los temas 2,3,5,6,7,8, y 9 con la guitarra barítono, el tema 4 con la guitarra de seis cuerdas y el tema 10 con la guitarra de cuerdas de nylon.

En conjunto es un disco muy interesante, donde cada canción  recibe un trato especial, centrándose en la calidad musical de los temas, en sus melodías que es lo que a él le interesa, dejando a un lado las letras de las mismas que en su opinión juegan un papel superfluo, ofreciendo su particular visión sobre cada uno de los temas. El disco se graba para la WB Récords en los Estudios que el propio guitarrista tiene en su casa.

Un álbum intimista, lírico, tranquilo, capaz de crear un ambiente mágico con su escucha. 

De 5 > 10, mi valoración es: 8


Te dejo este enlace como aperitivo:

Charlie Haden & Michael Brecker: "American Dream"

Portada del disco

http://www.youtube.com/watch?v=yTI9oRXlvoY Clickea este enlace y saborea este aperitivo.

Disco grabado para la discográfica Verve en 2002. Charlie Haden como director y líder con el contrabajo, Michael Brecker soplando con fuerza contenida el saxo alto, Brad Mehldau con su elegancia y virtuosismo en el piano y Brian Blade con un elegante trabajo en la batería.  Haden y Brecker ambos consiguen con las teclas de Mehldau de fondo momentos de gran emotividad, de alta sensibilidad, con bellos rasgos líricos, con estilo, consiguiendo sonidos apasionados, armonizados, sonidos únicos que enriquecen el alma, virtuosismo que no es otra cosa que pura sensibilidad, los primeros segundos de escucha son suficientes para tomar el pulso a este gran álbum para empaparte de su introspección, de su calidez. En definitiva conversaciones musicales extraordinarias entre bajo, saxo y piano todo ello arropado por las baquetas del batería, como digo diálogos íntimos, precisos, con exquisitez que convierten el disco en una joya.
Acompañando al cuarteto hay una orquesta de 34 instrumentos de cuerda "La String Orchestra de Los Angeles" quien de forma discreta y lejana establece diálogos con el cuarteto pero a lo lejos en el horizonte, sin alterar la esencia del mismo, más bien produciendo un feedback de ida y vuelta que enriquece el conjunto, estando latente durante todo el conjunto como una súplica de la orquesta de cuerda por tener más protagonismo, cosa que consiguen en algunos fragmentos de la obra.
El disco lo componen un total de 12 temas entre los que se interpretan algunos de Keith Jarret o Pat Metheny, la mayoría de las canciones tienen aire experimental como la de Ornette Coleman "Bird food" aportando un poco de neo bop al conjunto y en la sentimental y popular sobre todo por las películas "America the beautiful" donde el peso lo lleva Haden con su contrabajo reforzado por la orquesta de cuerdas.
Un disco intimista, lírico, bello, con unos impresionantes arreglos y una grabación muy equilibrada, donde todos los músicos se dejan embaucar por la magia de Charlie Haden y que tiene como resultado final una auténtica obra de arte, cuanto más lo escuchas más te llena.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Pat Metheny & Brad Mehldau – Metheny Mehldau

pincha este enlace que te lleva hasta el vídeo del disco http://www.youtube.com/watch?v=oiH2XCD-hUo

Metheny Mehldau es uno de esos álbumes que no puedes parar de oír una y otra vez,  grabado en 2005 en NYC, éste dúo de jazzmen contemporáneos se superan, Pat Metheny guitarrista prolífico, astuto, audaz, sobre todo moderno, con un estilo vanguardista que ha creado Escuela, con ese sonido dulce y acústico que es capaz de sacar de su guitarra y envolvernos con un pentagrama invisible de escalas e improvisaciones. por otro lado Brad Mehldau, cuya carrera musical es mucho más corta, entre otras cosas porque es bastante más joven, con un estilo influenciado por Keith Jarret, más sobrio, austero, a veces hasta casi clásico.

el álbum es una obra maestra, que se basa principalmente en interpretaciones solistas de guitarra y piano, aunque también encontramos algunos temas levemente acariciados por una base rítmica de bajo y batería (Grenadier y Ballard), donde los dos autores componen los temas del mismo, notándose claramente la sobriedad del pianista. Es un disco de muy bonitas composiciones, muy agradables al oído, pero a la vez de una gran complejidad musical, durante todo el disco los músicos no chocan jamás, se complementan y entrelazan sonidos de manera fantástica cosa que no es tan fácil en instrumentos armónicos como la guitarra y el piano. Un disco fantástico, un clásico moderno que no  puede faltar en tu memoria musical.

Mehldau

Metheny

De 5>10 mi valoración es: 10

Charlie Haden: Sophisticated Ladies

Sophisticated Ladies es uno de los útimos trabajos del bajista Charlie Haden, nacido en 1937, es sin duda, un clásico dentro del panorama jazzístico, sus primeras intenciones fueron ser cantante, pero una enfermedad le estropeó las cuerdas bucales, decidiéndose entonces por cogerle prestado el contrabajo a su hermano, llegando a ser uno de los que más técnica tienen con este instrumento, que ya de por sí, no luce mucho y hay que ser muy bueno para hacerse notar. Haden se dio a conocer interpretando free jazz con el saxofonista Ornette Coleman, más tarde tocó con el pianista Keith Jarret y ha grabado discos con todos sus contemporáneos, algunos de esos discos muy especiales como el que grabó con Pat Metheny, guitarra y contrabajo ¿te imaginas?, un gran trabajo.
El disco cuenta con un total de doce temas, muy cuidadosamente elegidos, se hace acompañar en el saxo  tenor por Ernie Watts, en el piano Alan Broadbent y Rodney Green en la batería, en total nos ofrecen 60:00 minutos de un vintage musical de muy alto nivel, a todo ello añadir la inclusión de cuerdas a través de violonchellos, violines y violas, lo que da un toque refinado al conjunto, pero que por otro lado acapara gran numero de detractores.
Con Sophisticated Ladies Haden culmina una carrera de manera brillante, sacando del baúl algunas de las canciones más bellas de las últimas décadas del jazz con temas como el que da título al álbum, compuesto por Duke Ellington, se hace acompañar de vocalistas como Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot,  Cassandra Wilson o la soprano Renée Fleming, todas ellas realizan interpretaciones magistrales. El álbum suena como si algunos de los mejores jazzmen y jazzladies de todos los tiempos hubiesen regresado a nuestro tiempo, creando un ambiente clásico de hace décadas, un ambiente mágico, a la vez que totalmente actual, la primera vez que lo oí pensé que era como si Billie Holiday hubiese grabado un disco en el siglo XXI , si lo tuviera que definir,  lo haría diciendo que es un disco de libro, de jazz totalmente académico, que te cautiva desde la primera nota, donde Haden sabe lo que se trae entre manos.

Valoración personal: 9

Jim Hall: Concierto

Carátula del Lp

Jim Hall, guitarrista estadounidense nacido en 1930 en Buffalo, creció escuchando la música country que tocaba su tío, por lo que su madre le compró una guitarra y le animó a que aprendiera a tocarla, su tío se encargó de llevarlo a los ambientes adecuados y que conociera a algunos músicos de jazz, fue escuchando una actuación del sexteto de Benny Goodman y el tema “grand sland” que le impactó de tal manera que comenzó a barajar la posibilidad de dedicarse al mundo de la música y en concreto al jazz. En Ohio terminó sus estudios en el Cleveland Institute of Music donde escuchó todo tipo de música lo que le abrió horizontes. Durante su dilatada carrera musical ha formado parte de muchos grupos comenzando con  Chico Hamilton ,  Jimmy Giuffre ,  Ella Fitzgerald , Sonny Rollins ,Ornette Coleman , grabando también con Bill Evans ,  Michel Petrucciani ,  Pat Metheny , podriamos seguir engordando esta lista de músicos porque ha sido parte, ha colaborado, ha inspirado a un grueso cartel de músicos de todo tipo. Se le encuadra dentro del género  cool y a finales de los 50 a la corriente músico cultural Avant-Garde.

El disco que quiero mencionar de Hall no es otro que “Concierto”, grabado en Abríl en 1975 y que es un referente dentro del jazz, bajo la dirección musical de Don Sebesky, el disco es un prodigio de música bien tocada, bien grabada, bien realizada, con unos arreglos impresionantes, el sonido dulce y armónico de la guitarra de Jim Hall destaca como elemento central de todo el Lp, con el saxo alto de  Paul Desmond , el piano magistral de Roland Hanna, el que para mí es uno de los mejores marcadores de ritmos, el contrabajista y bajista  Ron Carter , la maravilla de trompeta de  Chet Baker y una batería innovadora y muy discreta de Steve Gadd, todo ello bien mezclado y agitado dan como resultado “Concierto” uno de los mejores álbumes de jazz. No quiero dejar de mencionar la versión que realiza del   Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, tema éste recurrente de la clase jazzística y que no pocos músicos se resisten a versionar, desde luego de todas las versiones escuchadas ésta es una de las mejor arregladas e interpretadas, hasta tal punto, que parte de la crítica la considera como su obra maestra, me sumo a esta corriente es sencillamente, magistral.

En 2003 el disco se remasteriza y se le incluyen nuevos temas que no presentaba la grabación original de vinilo, cualquier opción es buena para escuchar a este gran guitarrista ( uno de los mayores aciertos de CTI su casa de grabación), referente de otros músicos y también guitarristas como Pat Metheny quien se encuentra inluenciado por Hall. Es uno de los mejores discos de jazz de la historia.

  De 5>10 mi valoración es: 9

vinilo de "Concierto"

Jim Hall y su guitarr

Enrico Rava: The pilgrim and the stars

Curioso el estado de la trompeta en la portada del disco de Rava

Uno de los mejores temas del vinilo está pinchando este enlace http://www.youtube.com/watch?v=l19IkmRB_Gs

No suele ser habitual que músicos europeos triunfen en el mundo del jazz tocando algún tipo de instrumento de viento y que además tenga reconocimiento internacional, no ocurre lo mismo con los teclados o los instrumentos de cuerda donde la vieja Europa ha dado algunos de los mejores músicos a la historia del jazz. Enrico Rava nace en 1939 en Italia y sus inicios en la música fueron de la mano del piano y del trombón, instrumentos que posteriormente abandonaría definitivamente para postularse como un trompetista de primer orden, éste cambio de instrumentos se produce cuando acude a un concierto de Miles Davis en 1956 quedando tan impresionado que decide abandonar el trombón y abrazar la trompeta, un año después ya estaba dando conciertos de jazz con trompeta. Es Gato Barbieri quien inicia a Rava de una manera profesional, con Barbieri realiza varias colaboraciones y grabaciones como miembro del Quinteto que el saxofonista  italo-argentino tenía en Italia consagrándose profesionalmente y desplazándose a Roma para perfeccionar su técnica con la trompeta. Enrico Rava necesitaba tener contacto con los orígenes y a finales de los 60´s se traslada a vivir a NYC, donde   En las décadas de los años 1970-80, trabajó junto a músicos de la talla de Pat Metheny, Michel Petrucciani, John Abercrombie, Joe Henderson, Richard Galliano, Miroslav Vitous, Andrea Centazzo, Joe Lovano, Gil Evans y Cecil Taylor entre otros. También ha acompañado a artistas como Carla Bley, Jeanne Lee, Paul Motian, Lee Konitz y Roswell Rudd.

Rava y su trompeta

“The pilgrim and the stars” se graba para el sello ECM en 1975 y el grupo está formado por un cuartelo que lidera Rava tocando la trompeta, Johan Abercrombie en la guitarra, Palle Danielsson toca el bajo y Jon Christensen la batería. Es el quinto álbum que graba y el segundo que lo hace como titular de la banda, hablamos de un muy joven músico que se está formando y que en este vinilo ya tiene marcada una fuerte personalidad, lo primero que se percibe en su escucha es que el disco es diferente, yo compré el vinilo en los  70´s y me pareció distinto a lo que se hacía habitualmente, otra manera de tocar la trompeta, otra forma de llevar la sección ritmica, es un jazz que suena moderno, con constantes innovaciones y técnicas no usuales como que a veces la sección rítmica de bajo y batería parece ir por un lado y la trompeta y la guitarra por otro sin que ésto signifique falta de acoplamiento o falta de armonía, al contrario, el conjunto está bien construido y resulta bastante interesante. Otra peculiaridad es la forma suave, relajada y tranquila que tiene Rava de tocar el instrumento, como disfrutando con lo que hace, le encuentro como característica propia el que emite melodías de forma entrecortadas, es decir, no dándoles continuidad con el soplido, sino interrumpiendo éste deliberadamente en pequeñas partes que luego forman un todo, utiliza sobre todo registros medios y altos y hace que el sonido de su trompeta no destaque muy por encima del resto de instrumentos.

El disco lo forman 7 temas, todos compuestos por Enrico Rava, quiero mencionar el estupendo diseño de la carátula que corresponde a Giuseppe Pino. Es evidente que el swing que produce un músico europeo es distinto al que se genera en norteamérica y eso es algo que se deja ver en todo el disco, donde hay menos swing pero, a cambio,  hay una fuerte carga de originalidad, de innovación y en general de buen hacer, el resultado una estupenda y original obra que merece estar entre los grandes discos de la historia del jazz.

Después de la grabación de “The pilgrim and the stars”, Enrico Rava ha tenido una dilatada y exitosa  carrera donde ha grabado una treintena de discos la mayoría de ellos de una estupenda calidad.
De 5>10 mi valoración es: 6