Art Pepper: The Art Of The Ballad

Caratula del disco

No es habitual, o por lo menos es poco frecuente, que un músico de jazz dedique un álbum a baladas, lo normal es que éstas formen partes aisladas de un disco en la que el autor expresa su lado más lírico e íntimo, normalmente el músico cuenta a través de las baladas una historia y ésta a veces es triste, a veces alegre, así la balada es sólo un pequeño componente del repertorio musical del artista. Fantasy Récords creo una serie denominada "Baladas" en la que reunió a los mejores músicos de jazz, como es el caso de "The Art Of The Ballad" del saxo alto Art Pepper (1925-1982), un recopilatorio de baladas del saxofonista de Los Angeles que recoge obras que cronológicamente se sitúan entre 1956 y 1982, estamos ante un disco que compila el lado más íntimo de Pepper y cuya música es pura autobiografía.
"The Art Of The Ballad", un álbum donde alguna de las pistas que contiene  pertenecen a la última etapa de la vida de Pepper que después de años de consumo de alcohol, drogas y cárcel, parece que el saxofonista acabó sus días con una nota triste de melancolía y es que de alguna manera, las melodías de este álbum contienen un tono inquietante que se acerca y evoca más el lado triste de la balada. Se percibe y se puede visualizar con claridad en todo el disco su gran capacidad para transmitir emociones que se traducen en baladas maravillosas que transmiten autenticidad y emoción contenida, un disco tranquilo que emociona y donde el fraseo y la excepcional sonoridad de Art Pepper te hace interiorizar agradables sensaciones.
El disco se lanza al mercado el 19 de mayo de 1998, cuenta con un total de 11 temas y una duración de 64:16 minutos. El disco se abre con "winter moon" un tema atípico de Pepper de una sesión de 1980 y acompañado por una linea de cuerdas que no es habitual en la trayectoria del autor y que está fuera de su estilo, al igual sucede con "The Blues in the nights", en "Over the rainbow" ya proyecta un raro y penetrante tono, se grabó tan sólo dos meses antes de su muerte, grabada al igual que el clásico "Body and Soul" a dúo con el pianista Georges Cables. Una cuidada y selecta muestra de baladas de toda la trayectoria musical de Pepper.
Los créditos al ser de diferentes épocas y sesiones varían las  formaciones, pero lo más destacados son Art Pepper con saxo y clarinete, pasan pianistas de la talla de George Cables, Red Garland o Wynton Kelly, en la trompeta Conte y Pete Candoli, en el bajo Paul Chambers, y diferentes baterías como Philly Joe Jones, Mel Lewis o Elvin Jones.
Art Pepper es uno de los grandes del jazz de todos los tiempos y máximo exponente de la música de la costa oeste "west coast jazz" y ha sido relativamente e injustamente olvidado por crítica y aficionado.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

un vídeo con el tema "Over the rainbow"

Archie Shepp: Deja Vu

Caratula del álbum

Me encuentro con una doble percepción cuando escucho Deja Vu de Archie Shepp (1937), por un lado me parece un disco de una factura bella, bien ejecutado, donde hace rugir el saxo hasta límites insospechados y lo hace con mucha elegancia, por otro lado me hace pensar en la decadencia y si éste es el caso de Shepp en la grabación de este álbum, un poco aquello de "quien te ha visto y quien te ve". Todo esto no tendría sentido si obviamos la biografía musical del autor de la que no podemos olvidar su defensa a ultranza de la música afroamericana de finales de la década de los 60´s y que llevaba implícita la denuncia sobre los abusos a la raza negra y la música de esta época no se caracterizaba precisamente por sus relajadas, melosas y tranquilas melodías, Shepp se ganó a pulso el ser reconocido como un ardiente estilista de jazz avant-garde.
En Deja Vu se le ve contenido, reprimido, como que le falta recorrido, el motivo no es otro que Sherp se atreve en esta grabación con canciones rapsódicas de la chamson francesa y claro el ritmo que lleva el saxofonista de Florida en la sangre es otro bien distinto. Sherp convierte en preciosas baladas los ritmos franceses y consigue un trabajo impecable, de ritmos sosegados, donde conserva el sonido rugiente, recio de su saxo, en este caso aderezado con un plus romántico por aquello de "La France". El resultado es un álbum compacto, bien elaborado, con unos temas muy bien elegidos, maestramente ejecutados y con unos arreglos y una grabación excepcional. El disco se graba en "The Studio" en NYC, el 11 y 12 de Junio de 2001, aunque no se publica hasta 2006, se graba para la Venus Récords que es una compañía japonesa que está especializada en grabaciones selectas y por la grabación y producción impecables que saca al mercado, siendo difícil y raro encontrar estos discos en Occidente.
Los créditos están formados por Archie Shepp con el saxo tenor, Harold Mabem quien le da un estupendo juego al grupo con el piano, también encontramos el poderoso y potente bajo de George Mraz y en la batería está Billy Drummond, Sin duda Shepp se encuentra bien arropado por este Cuarteto que consigue durante todo el disco bajo el liderazgo del saxofonista reinventar viejos temas, insuflar aire fresco sobre estas  viejas canciones y sacarles brillo, buscando un equilibrio melódico hábilmente conseguido entre la melodía troncal del tema y la improvisación grupal, donde como oyente sabes que canción estás escuchando porque pertenecen a la "memoria musical colectiva" aunque a veces suene tan nueva que te despista. Es un disco atípico en la carrera de Archie Shepp y por eso singular e irrepetible.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Dejo este vídeo con el tema "Sous le ciel de París"

Count Basie and Orchestra: On The Road

En B&N parte de la mítica Orchestra de Basie,
sobreimpresionada la caratula del disco

Además de la buena música que nos dejó grabada Count Basie (1904-1984), si algo hizo durante su carrera musical fue desplazarse con su orquesta, desde mediados de los años 30´s hasta su muerte no paró de moverse ofreciendo conciertos de este a oeste de los EE.UU. "On The Road" es un título más que perfecto para este disco y que recoge lo que fue una constante en su trayectoria, en este caso aprovechan una gira por Europa para grabar este álbum en uno de los santuarios del jazz en el viejo Continente, que no es otra que la ciudad Suiza de Montreux, la grabación tiene truco ya que Norman Granz llena de invitados el estudio de grabación, en concreto "Mountain Studios" y luego da al disco la apariencia de ser un concierto en vivo. La grabación se realiza el 12 de julio de 1979 y el disco no se publica hasta 1980, cuenta con un total de 10 temas que tienen una duración total de 43 minutos, el disco lo produce Norman Granz y se graba para la Pablo Récords, compañía con la que firmó desde principios de los 70´s y con la que acabaría sus días y que le valió múltiples premios de todo tipo, "On The Road" consiguió un Grammy en 1980.
El repertorio que incluye cuenta con sus incondicionales Ernie Wilkins, Bobby Plater, Sammy Nestico o Neal Hefti, además de un tema de Ellington, otro del bajo John Clayton y otro del mismo Count. El disco comienza con un vigoroso "Wind Machine" para abrir boca, destacan otros temas como Blues for Stephanie o la impresionante trompeta con sordina de "Bootie´s Blues" donde Basie, algo raro en él, abre el tema con una demostración de "stride piano", que es un estilo igualado al Ragtime, propio de los años 20´s .
La Big Band está dirigida por Count Basie que además toca el piano, Freddie Green toca la guitarra, John Clayton el bajo, Butch Miles la batería, como vocal está Dennis Rowland, en la cuerda de trompetas están Pete Minger, Sonny Cohen, Paul Cohen y Ray Brown, en la línea de trombones encontramos a Mitchell "Bootie" Wood, Bill Hughes, Mel Wanzo y Dennis Wilson y en los saxofones están Charlie Fowlkes, Eric Dixon, Bobby Plater, Danny Turner y Kenny Hing.
El disco es Swing en estado puro, oro molido, una joya de la música, donde Count Basie dirige la banda con la autoridad moral que le da su trayectoria y donde además sabe intervenir con ese estilo único del que impregna sus solos de piano, es todo lo que necesita esta máquina para funcionar a la perfección y vaya si lo consigue ya que además de los tonos melosos hay durante toda la grabación una energía contenida que a un movimiento suyo desborda la escena musical.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Cecil Taylor: Conquistador

Caratula del vinilo

No es fácil hablar de Taylor y de su música y es que el pianista de NYC Cecil Taylor (1929) transmite sensaciones musicales que son difíciles de digerir, al principio crees que no te gusta, pero conforme lo oyes te deja buenas vibraciones y es que Taylor era obstinado, desmesurado, excéntrico,  intransigente, exigente, genial y sobre todo visionario. Considerado como uno de los fundadores del movimiento post hard bop conocido como free jazz, en sus composiciones no hay tibieza, ni linea melódica, lo que hace bastante difícil su escucha ya que encontramos una música intensa y visceral, por un lado te agota, te satura y por otro te excita tanto intelectualmente como musicalmente, en cualquier caso es un ejercicio agotador ya que te obliga a prestar atención a cada detalle. Su música no está hecha para todos los oídos, su música si eres un iniciado en jazz no es nada fácil, Taylor es el creador de un nuevo lenguaje en el que se aúnan distintas influencias que pasan por Duke o Monk y acaban en Bartok, su formación de Conservatorio, sus orígenes (norteamericano, irlandes e hindú) le salen a la luz en un batiburrillo musical de difícil encaje. Cuesta entrar en el mundo de Cecil Taylor, pero una vez que lo consigues es bastante gratificante.
Conquistador es su obra cumbre, grabada para la Blue Note el 6 de octubre de 1966 en New Jersey, cuenta con un total de de 2 temas en su lanzamiento original al que se le añade un bonus track cuando se edita en CD, tiene una duración aproximada de 55 minutos. La formación es un sexteto formado por Cecil Taylor al piano, Bill Dixon en la trompeta, Jimmy Lyons en el saxo alto, Henry Grimmes y Alan Silva en el bajo y Andrew Cyrille con la percusión. Todos los temas están compuestos por Cecil Taylor quien no tuvo fácil que las compañías discográficas aceptaran su proyecto debido a lo poco comercial de su música, lo que le obligó años más tardes a crear su propia compañía discográfica (Unit Core).
Taylor trató y consiguió transgredir el orden establecido, creando un nuevo lenguaje que analizado con la perspectiva del tiempo no varió significativamente, lo que puede causar una sensación de uniformidad, es cuando uno logra traspasar esa barrera impuesta por el músico cuando aprecia los diferentes matices, la variedad y la riqueza de su lenguaje sonoro. Se caracteriza por un toque de piano percusivo, casi con golpeos sobre el teclado por momentos y es que estaba obsesionado con conseguir un nuevo timbre a su sonido, nuevos registros no explorados hasta la fecha y es que cada sonido, cada nota, terminan mostrando la potencia que las inspiraba.
De él escribió el crítico de jazz Kurt Gottshalk: "Nada es fácil en la música de Taylor. Es rápida, es iracunda,  muy cercana a lo incomprensible y a lo genial".

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Te dejo un vídeo de Taylor: Conquistador Parte I

  

Scott Hamilton: My Romance

caratula del disco, a la que por su feo
 diseño Hamilton achacó parte del
 fracaso en ventas del disco

Clásico, tradicional, conservador, ortodoxo, vinculado con la corriente neo tradicionalista, El saxofonista de  Rohde Island Scott Hamilton (1954) en plena década de los setenta fue capaz de hacerse un hueco entre el el rock & roll, el pop y el rock, aferrándose con su saxo tenor a los sonidos antiguos y recios que tanto le influyeron de Coleman Hawkins o Ben Webster, respetando y actualizando en sus grabaciones el sonido de la época dorada del jazz. Desde entonces ha sido uno de los músicos de jazz más prolíficos en cuanto a grabaciones se refiere, "My Romance" es el álbum nº 27 de su carrera, se graba en NYC el 23 de febrero y se publica ese mismo mes de 1995 por Concord. Hamilton ha sido tan consistente e invariable a lo largo de los años, que es difícil describir cualquiera de sus discos como definitivo, sin embargo esta grabación es una de las más consistentes de su carrera.
 "My Romance" cuenta con un total de 10 temas, donde encontramos temas de Oscar Pettiford, Benny Goodman o el propio Hamilton compone "Sugarchile", algunos temas como "Poor Butterfly" fue escrito en 1916, destacan los temas "Just a Gigolo" y el tema que da nombre al disco "My Romance" que se ha convertido en un clásico imprescindible de las baladas.
En cuanto a los créditos la formación está compuesta por Scott Hamilton con el saxo tenor, Joel Helleny con el trombón y que acompaña en un mano a mano a Hamilton en todos los temas excepto en el  4 y 10 y que parece empujar a Hamilton a lucirse y alcanzar su mejor nivel, Norman Simons toca el piano, Dennis Irwin toca el bajo y Chuck Riggs la batería. El quinteto cumple su papel a la perfección realizando unas interpretaciones brillantes, donde cada instrumento hace lo que se espera de él, sin salirse lo más mínimo de la partitura establecida por Hamilton que lidera con autoridad toda la grabación, consiguiendo un aceptable equilibrio entre tradición y modernidad y dando paso al protagonismo del trombón y piano, en ese orden.
Cada vez que escucho a Hamilton me sacude una sensación de orden, de limpieza, de encasillamiento, "cada cosa en su sitio", todo perfectamente programado, estudiado, previsible. Su música es como sus acciones previsible, pero bella y bien interpretada hasta sus últimas consecuencias, un placer escuchar a Hamilton y "My Romance" es un buen botón de muestra.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Cuelgo este vídeo del tema My Romance

Art Blakey: Thermo

Al hablar de Art Blakey (1919-1990) no se puede disociar del proyecto que crearon en 1953 entre él y Horace Silver, aunque al fínal  fue Blakey el verdadero protagonista de esa "Escuela de Jazz" llamada The Jazz Messengers, tanto que la unió a su nombre denominándose durante tres décadas como Art Blakey and The Jazz Messengers, por la que pasaron algunos de los músicos más importantes del jazz de la segunda mitad del siglo XX, contribuyendo a dar personalidad propia al movimiento Hard Bop.
Thermo en su edición original es un Lp doble de vinilo que aúna las grabaciones de otros tres discos de Art Blakey que se grabaron para el sello Riverside y que son; "Caravan" de octubre de 1962, "Ugetsu" grabado en directo al 16 de junio de 1963 en el afamado Birland y "Kyoto" un homenaje de Blakey a Japón que también se graba en el Birland el 20 de febrero de 1964. Thermo cuenta con todas las pistas de "Ugetsu" y una selección bastante buena de los otros dos, tanto que el álbum tiene un sonido homogéneo, compacto y uniforme, ya que se trata de la misma formación musical en los tres discos. Se trata del sexteto que Art Blakey tuvo con los Jazz Messengers entre 1962-1964, nada más y nada menos que Freddie Hubbard en la trompeta, Wayne Shorter en el saxo tenor, Curtis Fuller en el trombón, Cedar Walton al piano, Reggie Workman en el contrabajo y por supuesto Art Blakey en la bateria, Un sexteto de lujo con una dulzura conmovedora por momentos y duros en la escucha a veces, donde Hubbard y Shorter aportan toda la fuerza del hard bop en sus respectivos vientos, estando frescos, ágiles e innovadores, Curtis Fuller tiene una presencia muy discreta, pero impecable y Cedar es sin duda, uno de los favoritos del grupo, Art Blakey cohesiona, dirige y mantiene la unidad y disciplina del sexteto, dando como resultado un grupo sólido.
El álbum cuenta con un total de doce pistas, de las que 5 son compuestas por Shorter, una aporta Cedar Walton y otra Curtis Fuller, por su lado, Hubbard aporta dos temas propios, uno de ellos inéditos en los tres discos anteriores y que es el plato fuerte de este doble vinilo y es el tema que da nombre al álbum "Thermo". La duración total es de 86 minutos, se remasteriza en 1973 y se vuelve a editar por la Milestone Récords en 1976. El disco no es recomendado para coleccionistas o amantes de las obras originales, aunque para iniciados da una perspectiva clara de esa época de Art Blakey and The Jazz Messengers.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

te dejo un vídeo del tema Skylark