Gil Evans: "The Individualism of Gil Evans"

Una de las cosas que te quedan claras cuando escuchas el disco de Gil Evans, es que es una obra que no se puede dividir en partes, que es un todo indivisible, integrado, su audición por partes queda inconclusa, incompleta, perdida las ondas en el espacio sin dirección.
El álbum se graba en seis sesiones entre septiembre de 1963 y octubre de 1964, la grabación original cuenta con nueve temas y una duración total de 55:22 minutos. Los créditos son increíbles, una Big Band en toda regla, un total de cuarenta músicos entre los que destacan: Gil Evans al piano y los arreglos, Thad Jones a la trompeta, Jimmy Cleveland al trombón, Wayne Shorter al saxo tenor, Phil Woods con el saxo alto, Eric Dolphy con clarinete bajo y saxo alto, Steve Lacy al saxo soprano, Kenny Burrell a la guitarra, Gary Peacock, Paul Chambers y Ron Carter al bajo y Elvin Jones a la batería, perdón por dejar al resto de músicos en el anonimato. Señalar que el personal varía entre las seis sesiones que componen la grabación.
Evans tuvo una actividad frenética en los cuarenta y cincuenta, sin embargo en los años sesenta más bien mantuvo un perfil bajo hasta la publicación de este disco, donde está a la altura de su expresión creativa y artística, exuberante en la composición y en la relación con el resto de músicos donde huye de acrobacias musicales y hace arreglos complejos, profundos y sutiles. El álbum mantiene durante todo el tiempo un ritmo lento, como a fuego lento con un ligero incremento, pero que no llega a hacer llama. Durante toda la escucha, conforme se va sucediendo el tiempo, el autor se va introduciendo en complejidades musicales que conforman el tejido musical de su obra.
Gil Evans fue uno de los arquitectos del sonido "cool" y este disco con la gran orquesta que tiene detrás escenifica su capacidad de ir más allá de las normas.

Valoración Personal:  9

Art Pepper: The Art Of The Ballad

Caratula del disco

No es habitual, o por lo menos es poco frecuente, que un músico de jazz dedique un álbum a baladas, lo normal es que éstas formen partes aisladas de un disco en la que el autor expresa su lado más lírico e íntimo, normalmente el músico cuenta a través de las baladas una historia y ésta a veces es triste, a veces alegre, así la balada es sólo un pequeño componente del repertorio musical del artista. Fantasy Récords creo una serie denominada "Baladas" en la que reunió a los mejores músicos de jazz, como es el caso de "The Art Of The Ballad" del saxo alto Art Pepper (1925-1982), un recopilatorio de baladas del saxofonista de Los Angeles que recoge obras que cronológicamente se sitúan entre 1956 y 1982, estamos ante un disco que compila el lado más íntimo de Pepper y cuya música es pura autobiografía.
"The Art Of The Ballad", un álbum donde alguna de las pistas que contiene  pertenecen a la última etapa de la vida de Pepper que después de años de consumo de alcohol, drogas y cárcel, parece que el saxofonista acabó sus días con una nota triste de melancolía y es que de alguna manera, las melodías de este álbum contienen un tono inquietante que se acerca y evoca más el lado triste de la balada. Se percibe y se puede visualizar con claridad en todo el disco su gran capacidad para transmitir emociones que se traducen en baladas maravillosas que transmiten autenticidad y emoción contenida, un disco tranquilo que emociona y donde el fraseo y la excepcional sonoridad de Art Pepper te hace interiorizar agradables sensaciones.
El disco se lanza al mercado el 19 de mayo de 1998, cuenta con un total de 11 temas y una duración de 64:16 minutos. El disco se abre con "winter moon" un tema atípico de Pepper de una sesión de 1980 y acompañado por una linea de cuerdas que no es habitual en la trayectoria del autor y que está fuera de su estilo, al igual sucede con "The Blues in the nights", en "Over the rainbow" ya proyecta un raro y penetrante tono, se grabó tan sólo dos meses antes de su muerte, grabada al igual que el clásico "Body and Soul" a dúo con el pianista Georges Cables. Una cuidada y selecta muestra de baladas de toda la trayectoria musical de Pepper.
Los créditos al ser de diferentes épocas y sesiones varían las  formaciones, pero lo más destacados son Art Pepper con saxo y clarinete, pasan pianistas de la talla de George Cables, Red Garland o Wynton Kelly, en la trompeta Conte y Pete Candoli, en el bajo Paul Chambers, y diferentes baterías como Philly Joe Jones, Mel Lewis o Elvin Jones.
Art Pepper es uno de los grandes del jazz de todos los tiempos y máximo exponente de la música de la costa oeste "west coast jazz" y ha sido relativamente e injustamente olvidado por crítica y aficionado.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

un vídeo con el tema "Over the rainbow"

John Coltrane Quartet: Crescent

Caratula del mítico Crescent

Crescent es una de las obras de John Coltrane (1926-1967) más injustamente infravaloradas, eclipsada, sin duda, por su siguiente grabación "A Love Supreme" con la que inaugura una etapa de su vida cada vez más frenética y que le llevaría hasta su muerte. Crescent es a pesar de "A Love Supreme" uno de los discos más venerados de su carrera porque en él Coltrane proyecta uno de los momentos más lúcidos y equilibrados de su vida y de su trayectoria, donde es capaz de construir solos de una belleza fascinante, el músico se despliega ante los oídos del mundo de una forma tranquila, sosegada, reflexiva y relajada, consiguiendo que el sonido de su saxo fluya con cuerpo, creando una atmósfera densa, delicada y bellísima, donde consigue expresar exactamente lo que quiere sin que sobre ninguna improvisación innecesaria o gratuita. El tiempo pone las cosas en su sitio y "Crescent" es de lo mejor de Trane.
El álbum tiene una duración de 40 minutos que pasan rapidisimo, con cinco temas compuestos por Trane y que corresponde a su etapa con la discográfica Impulse, la sesión se graba en dos partes "Crescent" y Bessie´s Blues" el 27 de Abril de 1964 y el resto de temas el 1 de Junio de ese mismo año en los estudios de Rudy Van Gelder en NYC. El cuarteto está formado por Coltrane con el saxo tenor donde expresa su sentimiento más íntimo y sincero, McCoy Tyner con el piano está descomunal tejiendo texturas armónicas hechas a medida de Trane, Jimmy Garison, sinuoso y virtuoso con su bajo en un derroche de creatividad y expresión y Elvin Jones que tiene tiempo para lucirse en el último de los temas de la grabación "The drum thing" estando inusualmente delicado. Sólo los créditos del cuarteto lo dicen todo, pero además en esta grabación están muy bien conjuntados, siendo capaces de expresar estados de ánimos de gran alcance, sonando como una unidad rica en matices, exhibiendo un grado de compenetración admirable y difícil de superar.
Con "Crescent" es como si Trane hiciera un alto en su carrera y recapitulara en esta grabación toda la fascinación de su estilo hasta ese momento, mostrando al mundo toda su sutiliza, serenidad, exotismo y sinuosidad, es como la otra cara de Trane, la lírica, la lúcida, la más intimista, hay en su música un mensaje que va más allá del  que nos ofrece con su saxo y en el que viene a decirnos más o menos que está en paz con el mundo, en palabras de Trane "es una de las maneras de decir cuan grande y bello es el universo en que vivimos, que nos ha sido dado". Crescent es para mí de lo mejor de su legado, bello y majestuoso. Imprescindible en tu memoria y en tu biblioteca musical.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Stan Getz & Bill Evans: Night and Day

Caratula del disco

Corría el mes de Mayo de 1964 en NYC, concretamente los días 5 y 6, para la grabación de este álbum en los estudios de la discográfica Verve, allí se reunieron en estas dos únicas sesiones Stan Getz (1927-1991) con su saxo tenor, Bill Evans (1929-1980) en el piano, Getz y Evans, Evans y Getz, dos talentos de la música, cada uno con un fuerte ego, tuvieron el tino de juntarse y dejar esta grabación para los anales de la historia, era la única que vez que se reunieron para una grabación de estudio. Cuando dos músicos de la talla de Getz y Evans se reúnen con un mismo objetivo, que no es otro que el de tocar jazz, el resultado sólo puede ser magnífico. Se hacen acompañar el primer día de sesión por el contrabajo Richard Davis quien deja paso a un muy joven Ron Carter el segundo día de grabación, en la batería se encuentra nada más y nada menos que Elvin "tambores" Jones.
"Night and Day" coge el título de un famoso tema de Cole Porter, consta de un total de 11 temas y 62 minutos de muy buen jazz, del mejor, de ese que se establece cuando hay química dejando momentos memorables, Stan Getz con el calor que sabe dar a sus tonos y el delicado y cuidadoso fraseo de su saxo, hay que unir el lirismo, la elegancia y delicadeza  de Bill Evans, la rudeza, a veces, de Elvin Jones y los dos contrabajistas bordan su trabajo, en conjunto consiguen un sonido bien armonizado, donde Stan Getz logra solos de una absoluta belleza que químicamente enlazan con el pianista que hace que la música fluya de manera natural y formidable. Hablamos de uno de los grandes álbumes del jazz de una enorme calidad jazzística realizada por dos gigantes, un disco que ha de ser saboreado por todos los amantes del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 8

Wayne Shorter: "Speak No Evil"

Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter

Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.

De 5>10 mi valoración es: 10

John Coltrane: A Love Supreme

Carátula del álbum

John Coltrane (1926-1967), apodado Trane, saxofonista tenor y soprano, compositor controvertido, se mueve en estilos de post bop, como el hard bop o free jazz, en apenas 12 años graba el grueso de su discografía donde no empieza a deslumbrar hasta que toca junto a Miles Davis. Como una maldición la heroína se ceba en los músicos de jazz de la época y Trane cae en sus redes, así su trayectoria musical no evoluciona yendo de banda en banda y de despido en despido, Coltrane recibe una oportunidad que le ofrece Miles Davis ya recuperado, de que él hiciese lo mismo y así fue, en la banda de Davis comienza a brillar y a ser llamado para más y más sesiones como freelance, haciéndose un hueco importante en el mundo del jazz, fruto de esa relación llama la atención de la discográfica Impulse para quien grabará el que fue uno de los mejores discos de la historia del jazz, para muchos el mejor: "A love Supreme". En mi opinion no creo que sea el mejor, pero sí uno de los más inspirados. Es un Opus de jazz dedicado por Trane a la divinidad que para él trascendía a cualquier religión, en agradecimiento a la fuerza espiritual que tuvo para salvar su vida, aunque fallece dos años después.

A love Supreme son 48 minutos vibrantes, alucinantes, la obra es una Suite en cuatro movimientos, en realidad son tres temas y el último de ellos se divide en dos cortes, grabada en 1964 y que interpreta con su célebre cuarteto formado por él mismo, McCoy Tyner y sus genialidades con el piano, el increible Elvin Jones a la batería que realiza un sólo magistral y Jimmy Garrison al contrabajo. Pocos álbumes han tenido la influencia de A Love Supreme, un disco que demostró que el jazz es un medio que se adecuaba a la búsqueda espiritual y creaba una fabulosa expresión de lo inexpresable, con él Trane se encontró en el climax de su carrera y llega a manifestar que: "Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite, esta es la primera vez que lo tengo todo a punto". La escucha del disco merece una dedicación intensa, escuchado atentamente el disco es una genialidad preciosa e inspirada, sin duda uno de los discos más importantes de la historia del Jazz. Esencial para cualquier amante de la música.

John Coltrane "Trane" y su saxo

De 5>10 mi valoración es: 9

The Elvin Jones Machine: Remembrance

Portada del disco

   Elvin Ray Jones, conocido artísticamente como Elvin Jones (1927/2004), Estadounidense de Pontiac, sin formación musical reglada, crece en ambientes de Gospel, a mediado de los 50 se traslada a NYC donde trabaja con artistas ya consolidados como Charles Mingus, Miles Davis o Bud Powell. Se aferra en un primer momento al más puro Bop para ir definiendo con su batería y el  paso de los años  un estilo propio que marcaría el Post Bop. Hermano de los también músicos de jazz Hank Jones y Thad Jones. Su época dorada se produce junto al gran saxofonista John Coltrane con quién toca desde 1960-66, participando activamente en obras “totem” del jazz como “A love Supreme” o “Crescent”, esta etapa junto al gran maestro del saxo le marca para toda la vida, de hecho su música gira en torno a John Coltrane, a partir de aquí toca con varios grupos pequeños hasta que en 1978 crea el grupo The Elvin Jones Jazz Machine de la que nos han quedado muy buenos testimonios grabados como el álbum “Remembrance”.

     Remembrance. Recuerdo, en efecto, es una de sus primeras grabaciones con la Jazz Machine, grupo con el que estuvo más de veinte años recorriendo el mundo y ofreciendo grabaciones y conciertos, además de dar paso por la formación a una serie de nuevos y grandes artistas que tuvieron la oportunidad de comenzar su andadura jazzística con el gran batería Jones. Remembrance huele a Coltrane por todos lados, el gran saxo está presente de hecho es el homenaje que Elvin Jones realiza sobre su maestro, “Cuando tocaba Remembrance, el recuerdo de Coltrane llegaba a mi memoria con la fuerza de una gigantesca avalancha”,  el mismo Jones dice que no fue consciente de que mientras tocaba junto a John Coltrane estaba cambiando el curso de las cosas, no era consciente de que habría un antes y un después. Remembrance se graba en Stuttgart los dias 3,4 y 5 de Febrero de 1978,  pero no se edita hasta 1980. La Jazz Machine ha sido la máquina de tambores más potente de la historia del Jazz, como curiosidad indicar que esta  formación  no cuenta con piano en sus grabaciones y actuaciones. Quienes hayáis escuchada a la Jazz Machine estaréis de acuerdo en que Jones es un volcán percusivo, una leyenda de la batería que tiene reservado su lugar en el Olimpo de los grandes del Jazz. Si escuchas el primer tema de este disco no vas a poder resistir la tentación de oír el resto. Elvin Jones tiene un gran sentido del swing y una gran facilidad para con la batería crear el climax adecuado, decía una de sus críticas que “esto se debe a la facilidad que tiene de pensar en tres, constantemente aunque esté tocando en 4/4 meterá frases de 3/4″. Los otros músicos de la Jazz Machine son:

Elvin Jones:  batería

Elvin Jones maravilloso percusionista y baterista

Pat LaBarbera: Saxos tenor y soprano

Michael Stuart: Saxos tenor y soprano

Roland Price: guitarra

Andy McCloud III: contrabajo

Ingeniero de sonido: Gibbs Platten

Producido: Joachim E. Berendt

     en total el álbum cuenta con siete maravillosos y bien elaborados  temas que hacen casi una hora de grabación. Disfrútalo.
De 5>10 mi valoración es: 6