John Coltrane: Lush Life

 

John Coltrane: The Last Trane

  El disco es resultado de la discográfica Prestige que decide por su cuenta y sin el consentimiento de Coltrane, publicar éste álbum bajo el título de The Last Trane, lo que hace la discográfica es ensamblar en este álbum el resultado sobrante de tres sesiones de grabación entre los años 1957 y 1958, conocedor el sello de la fama creciente del saxofonista de Carolina del Norte durante el primer lustro de 1960, utiliza esas grabaciones para sacar nuevos discos del autor, al fin y al cabo, ésto lo han hecho las discográficas con todos los artistas que cambian de sello. Con independencia de la estrategia comercial del sello, hablamos de John Coltrane, esas sesiones tuvieron algo especial que se capta en el ambiente de las grabaciones, eso hace que te preguntes ¿qué hubiese sucedido? si en lugar de lanzar el disco como compañía lo hubiesen hecho con el consentimiento del músico, ahí queda la pregunta.
Señalar que el disco no contiene ningún tema extraordinario, pero los cuatro temas del álbum que se grabaron en los estudios de New Jersey de Rudy Van Gelder, están perfectamente ejecutados y con una grabación de bastante calidad, dos temas son estándares y dos compuestos por el propio Coltrane Slowtrane y By the numbers. Los créditos son inmejorables John Coltrane toca el saxo tenor en todos los temas, Donal Byrd toca la trompeta en el primer y último tema, Red Garland el piano en los temas 1,3 y 4, Paul Chambers toca el bajo en los temas 1,3 y 4, Earl May toca el bajo en el tema 2, Louis Hayes toma las baquetas para los temas 1 y 4 y Art Taylor lo releva en los temas 2 y 3.
El resultado final es más que decente y los amantes de Coltrane podemos disfrutar de unas grabaciones que de otra manera hubiesen quedado ocultas a nuestros oídos, se trata de un Coltrane en plena ebullición y todo lo que soplaba este mago del saxo lo convertía en arte.

Valoración Personal: 8

Kenny Burell & John Coltrane

Magnífico escaparate de ambos músicos, guitarra y saxo tenor juntos, la primera vez que Coltrane se atreve a dialogar con éste instrumento y la única que hace un dueto guitarra-saxo, es en el primer corte del álbum "Why was i born?", 3:11 minutos maravillosos en una combinación íntima, lírica, sensual, de gran belleza, un auténtico regalo para el alma, donde Burrel y Coltrane se encuentran en un inmejorable momento, aún estarían por venir las mejores grabaciones de ambos, pero ya sería por separados, ya que este fue su último disco juntos. La sesión se grabó el 7 de marzo de 1958 en los estudios de Rudy Van Gelder, cuenta con un total de 5 temas y una duración total de 37:24 minutos, además de Burrell a la guitarra y Coltrane al saxo tenor, el resto del quinteto está formado por Tommy Flanagan al piano, Paul Chambers al bajo y Jimmy Cobb a la batería, cinco maestros que dialogan sin parar durante todo el disco, donde Flanagan tiene también un gran protagonismo sobre todo en el 2º corte "Big Paul", un blues que dura 14:03 minutos, donde cada miembro del quinteto despliega sus mejores artes para lucirse ante el resto.
Es uno de los discos más olvidados de Trane, cuando en realidad es una maravillosa "Jam Session", quizá influye que sólo un mes antes grabó "Soultrane" y éste eclipsa este maravilloso disco, sin embargo lo que hace especial este disco es la contribución de los cinco miembros, lo que en un principio parece el lucimiento de los dos co-líderes, al final es un esfuerzo de grupo, donde cada uno busca el centro de atención. El tono general es agradable, relajado, por momentos íntimo y sobre todo de muy buenas vibraciones entre los músicos, lo que se traduce en que esas buenas vibraciones se transmiten en su escucha.

Valoración personal: 9,5

Hank Mobley: Workout

Caratula del vinilo

Este álbum representa a Hank Mobley (1930-1986) en su mejor momento, acompañado por un buen elenco de músicos, aunque muchos buscan en este disco al delirante y gran batería Philly Joe Jones. El saxofonista de Georgia era alma gemela de John Coltrane quien lo recomendó a Miles Davis por su maravilloso sonido lírico y por su música completa, haciendo como hacia  Billie Holiday,  ir justo detrás del ritmo. Mobley se situaba en ese rango que hay entre la impetuosidad de Coltrane y el sosiego aterciopelado de Lester Young, ahí es donde se movía como pez en el agua y cuando mejor le fue en su carrera musical, cuando quiso ser otra cosa, ya no fue Mobley y su figura se desdibujó. Mobley se instaló en lo que le gustaba y a diferencia de Davis o Coltrane no optó por andar indagando o investigando nuevos sonidos y formas, eso le costó el haber sido injustamente postergado durante tiempo.
Hank Mobley logra para la grabación de Workout un quinteto excepcional, por un lado, el increíble y codiciado guitarrista, el legendario Grant Green, todo el mundo quería tocar con él, ¿porqué? lo podemos comprobar en Workout, al piano está Winton Kelly, ellos tres protagonizan los mejores momentos de la grabación alternándose continuos solos, pero la sección rítmica no se queda atrás ya que tenemos a Paul Chambers con el bajo  y a Philly Joe Jones en la batería, ambos están soberbios marcando el ritmo en todo momento, y el batería tiene una de sus mejores grabaciones, todos ex-Coltrane y ex-Davis y eso pesa en el resultado de esta grabación.
Workout se graba en los famosos estudios de Rudy Van Gelder el 26 de marzo de 1961, epicentro de la producción jazzística de la época. La grabación original en vinilo cuenta con cinco temas, cuatro son autoría de Mobley, luego en la versión CD se añade un bonus track "Three coins in the fountain" tema que se quedó fuera y que luego se convirtió en el favorito y más popular de todo el álbum (productores...), cronológicamente lo situamos entre Roll Call 1960  y Another Workout 1961, en total 45:53 minutos grabados para la Blue Note de un magnífico Hard Bop, de hecho fue considerado como uno de los esenciales discos de Hard Bop por All Music.
En música, cuando la primera nota no suena bien...no importa cuantas le siguen, Hank Mobley tocaba bien desde la primera hasta la última nota.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Dejo un vídeo con el tema homónimo del disco Workout

John Coltrane: The Stardust Session

Portada del vinilo

Nueve años antes de su muerte, Coltrane graba dos sesiones en los afamados estudios de Rudy Van Gelder, estas grabaciones no se publicaron hasta tiempo después, en 1963, cuando el saxofonista de Carolina del Norte dio sus mejores momentos musicales, es cuando el sello Prestige aprovecha para sin consentimiento del músico, lanzar estas sesiones musicales, en 2011 se edita una versión digital en CD.
Entre 1955 y hasta su muerte Coltrane grabó prolíficamente, la mayor parte de su producción se salía de los estándares habituales, su poder espiritual, reivindicativo, social, siempre buscando un sonido más elevado, un fraseo de su saxo tenor único e influyente, lo que es una característica común a todos sus discos, en Stardust Session, aún no encontramos el Coltrane inspirado y rompedor de los sesenta, pero lo cierto es que sus solos están repletos de ideas sorprendentes, innovadoras, frescas, sobre todo se percibe una energía creativa incansable que nos apunta información sobre la etapa de desarrollo del futuro maestro.
El álbum es una impresionante colección de baladas interpretadas al más alto nivel, menos lírica y bella de lo que estaría por venir, aunque recoge el anhelo sensible y romántico del saxofonista. Se percibe como el músico va más allá que la sección rítmica, como con su fraseo intenta alcanzar "algo" a lo que sus músicos no llegan y se quedan atrás, como si hubiese algo que "no pillan", que los retiene, a pesar de lo cual el resultado es genial. El disco es recomendable para entender la trayectoria de Coltrane, no es su mejor disco de los cincuenta, pero es un gran álbum porque encontramos en plenitud al Coltrane más clásico.
Son ocho temas de buen Hard Bop grabados para el sello Prestige, con una duración de 1:09 h. Los créditos son impresionantes: Además de Coltrane con el saxo tenor, encontramos a Paul Chambers en el bajo, Jimmy Cobb (pista 1 y 3) y Art Taylor en la batería, Red Garland al piano, como siempre magistral y acoplado al líder a la perfección, Wilbur Harden (pista 1 y 3) y Freddie Hubbard (pista 4) con el fliscorno y la trompeta haciendo unos buenos solos sobre todo en My Ideal y Stardust.
En Stardust Session encontramos al Coltrane mas convencional y clásico a la par que al más imaginativo en las improvisaciones. En un disco redondo.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Dejo un video con el primer corte Stardust que da nombre al álbum

John Coltrane: Blue Train

Caratula del álbum

Blue Train es una obra maestra del jazz. El álbum es interesante en sí mismo musicalmente, por los soberbios solos de los vientos, pero también porque se observa el tránsito del saxofonista, ese espacio que ocupa en términos de desarrollo de Coltrane como innovador. Blue Train marca un alejamiento de las armonías del Bop convencional, algunos de los temas del disco, hacen uso de los cambios de acordes conocidos como "cambios Coltrane" y que aquí realiza como preludio de lo que haría a finales de los cincuenta con "Giant Step". En Blue Train, Coltrane está a punto de habitar su futura personalidad musical, pero aún se encuentra firmemente plantado en el hard bop, se reinventa a sí mismo como un intérprete polifacético tanto de hard bop, como de baladas sensuales. Es un disco que captura la esencia y el estilo fresco del autor, donde su música, casi parece flotar en el aire. Sonido característico de Coltrane, Blue Train es un clásico, considerado como uno de los mejores discos de la década de los cincuenta y de la historia del jazz.
El disco se graba en NYC para la Blue Note, aunque Coltrane no tenía ningún contrato con la discográfica, deja esta grabación para la historia,  se graba el 15 de septiembre de 1957, cuenta con un total de cinco temas y una duración de 42:50 minutos, es el disco anterior a "soultrane" y es después de "A love supreme" el disco más vendido del autor. El Lp original se remasteriza a CD en 1990 e incluye dos tomas alternativas de "Blue Train" y "Lazy Bird". Todos, excepto "I´m Old Fashioned" son compuestos por Coltrane, por lo que se puede considerar como el primer álbum auténticamente del músico, ya que elige su grupo y compone los temas.
Los créditos son todo un lujo: John Coltrane con el saxo tenor, con un nivel de energía espectacular, con una expresión y una creatividad en todo lo alto y un sentimiento muy profundo; en la trompeta tenemos a Lee Morgan, espectacular sus solos en un derroche de inteligencia e improvisación; en el trombón está Curtis Fuller, quien hace gala de su maestría con el instrumento. Los tres vientos juntos son todo un lujo. En el piano está Kenny Drew, fresco y chispeante; en el bajo el gran Paul Chambers demuestra su impecable estilo marcando ritmo a toda la formación y en la batería Philly Joe Jones quien tiene oportunidad de lucirse durante toda la grabación. Un sexteto para la historia.
Sin reservas, Blue Train se puede considerar uno de los mejores discos de la historia del Jazz.

de 5 > 10, mi valoración es: 10

Dejo este vídeo con el corte primero que da nombre al disco "Blue Train"

Miles Davis: Tallest Trees

Caratula del doble vinilo

Talles Trees es un álbum de Davis que recoge distintas grabaciones de los cincuenta, en concreto entre el 53 y el 56, distintos momentos del trompetista de Alton (1926-1991) quien en esos años se encontraba en uno de sus momentos más inspirados y creativos, donde dio personalidad y definió el sonido que era capaz de exprimir de su trompeta, aunque estuvo toda su vida por distintos derroteros que le condujeron a distintos momentos musicales (cool, hard-bop, jazz modal, vanguardia, fusión...), a mediados de los cincuenta Davis rezumaba Bebop por todos los poros de su piel, como todo lo que hizo en su carrera artística brilló con una fuerza inusual y con un fuerte liderazgo entre sus colegas de la época, ya en esos años Davis era un innovador que destacaba por su forma pausada, suave, melódica que le daban ese toque tan personal e intimista. Sacaba un sonido a su trompeta que le pertenecía, era el sello indiscutible del artista, su marchamo de calidad y originalidad, embriaga oír su sordina de acero Harmon.
El disco aún siendo un recopilatorio de varias sesiones, es una auténtica joya por la calidad que albergan sus temas, la mayoría estándares del jazz y por el elenco de músicos que le acompañan en esas sesiones, todo un lujo que dan como resultado un trabajo brillante digno de Davis y sus distintas formaciones. El doble vinilo sale a la venta en 1972 por el sello discográfico Prestige y recoge distintas selecciones, cada una de ellas con distintas secciones y músicos, son en total 12 temas: Bag Groove, The Man I Love, Swing Spring y Bermsha Swing se graban el 24 de diciembre de 1954 y los créditos son Davis a la trompeta, Milt Jackson al vibráfono, Thelonious Monk en el piano, Percy Heath al bajo y en la batería Kenny Clarke, suenan a MJQ sobre todo en Bag Groove tema que abre el disco; el tema Smooch se graba el 19 de mayo de 1953 y Davis toca la trompeta, encontramos uno de esos momentos en los que Charles Mingus deja el contrabajo y se sienta delante del piano (genial), Percy Heath en el bajo y Max Roach en la batería, Miles Ahead se graba en la misma fecha que el tema anterior con la diferencia de que el piano lo coge John Lewis, el resto del cuarteto permanece invariable;  Grabado el 29 de junio de 1954 los temas Airegin, Oleo, But Not for Me y Doxy,  están interpretadas por un quinteto memorable con Davis en la trompeta, Sonny Rollins con el saxo tenor, además compone tres de los temas, Horace Silver en el piano, Percy Heath al bajo y Kenny Clarke en la batería; Blue Haze se graba el 15 de marzo de 1954 con Davis en la trompeta, Horace Silver al piano, Percy Heath al bajo y Art Blakey en la batería; El corte mas tardío es Round About Midnight que se graba el 26 de octubre de 1956 y que cuenta con Davis en la trompeta, John Coltrane con el saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones en la batería, quizá el tema más flojo, o como mucho una versión más del afamado tema, que aquí no destellea como debiera.
Los créditos de todos los temas son un lujo para los sentidos, aquí está lo mejor de lo mejor de la época, tanto buen músico junto no podía tener otro efecto que el de un disco impecable en su ejecución e insuperable en la interpretación, con una excelente grabación y remasterización de la que se encargó el gran Rudy Van Gelder, le pongo un pero, es que se han mezclado los temas de las distintas sesiones, lo que le quita valor, aunque la grabación conserva un estilo uniforme y homogéneo. Cuando se escucha Talles Trees se está escuchando historia viva del jazz, brilló tanto en su día que sus destellos llegan hasta nuestros días.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Disfruta de este vídeo del tema Bags´Groove que abre el disco

John Coltrane Quartet: Crescent

Caratula del mítico Crescent

Crescent es una de las obras de John Coltrane (1926-1967) más injustamente infravaloradas, eclipsada, sin duda, por su siguiente grabación "A Love Supreme" con la que inaugura una etapa de su vida cada vez más frenética y que le llevaría hasta su muerte. Crescent es a pesar de "A Love Supreme" uno de los discos más venerados de su carrera porque en él Coltrane proyecta uno de los momentos más lúcidos y equilibrados de su vida y de su trayectoria, donde es capaz de construir solos de una belleza fascinante, el músico se despliega ante los oídos del mundo de una forma tranquila, sosegada, reflexiva y relajada, consiguiendo que el sonido de su saxo fluya con cuerpo, creando una atmósfera densa, delicada y bellísima, donde consigue expresar exactamente lo que quiere sin que sobre ninguna improvisación innecesaria o gratuita. El tiempo pone las cosas en su sitio y "Crescent" es de lo mejor de Trane.
El álbum tiene una duración de 40 minutos que pasan rapidisimo, con cinco temas compuestos por Trane y que corresponde a su etapa con la discográfica Impulse, la sesión se graba en dos partes "Crescent" y Bessie´s Blues" el 27 de Abril de 1964 y el resto de temas el 1 de Junio de ese mismo año en los estudios de Rudy Van Gelder en NYC. El cuarteto está formado por Coltrane con el saxo tenor donde expresa su sentimiento más íntimo y sincero, McCoy Tyner con el piano está descomunal tejiendo texturas armónicas hechas a medida de Trane, Jimmy Garison, sinuoso y virtuoso con su bajo en un derroche de creatividad y expresión y Elvin Jones que tiene tiempo para lucirse en el último de los temas de la grabación "The drum thing" estando inusualmente delicado. Sólo los créditos del cuarteto lo dicen todo, pero además en esta grabación están muy bien conjuntados, siendo capaces de expresar estados de ánimos de gran alcance, sonando como una unidad rica en matices, exhibiendo un grado de compenetración admirable y difícil de superar.
Con "Crescent" es como si Trane hiciera un alto en su carrera y recapitulara en esta grabación toda la fascinación de su estilo hasta ese momento, mostrando al mundo toda su sutiliza, serenidad, exotismo y sinuosidad, es como la otra cara de Trane, la lírica, la lúcida, la más intimista, hay en su música un mensaje que va más allá del  que nos ofrece con su saxo y en el que viene a decirnos más o menos que está en paz con el mundo, en palabras de Trane "es una de las maneras de decir cuan grande y bello es el universo en que vivimos, que nos ha sido dado". Crescent es para mí de lo mejor de su legado, bello y majestuoso. Imprescindible en tu memoria y en tu biblioteca musical.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

McCoy Tyner: Together

Portada del disco

Tuve la oportunidad de conocer "Together" en 1979, un año después de su edición, ya que el disco se graba entre el 31 agosto y el 3 septiembre de 1978, de estilo Post Bop, correspondiendo en su etapa con la discográfica Milestone,  donde de alguna manera McCoy Tyner (1938) despega definitivamente, ya hacía más de una década de su presencia con John Coltrane y viajaba en busca del camino hacía el reconocimiento personal del que sobradamente goza hoy en día con todo merecimiento.
"Toghether" es un disco que cuenta con seis temas y unos 42 minutos de vibrante música. De todos los temas el que abre el álbum "Nubia", uno de los dos temas compuestos por Tyner, me enganchó enseguida por su frescura y por la magistral interpretación de Tyner con el piano y Hubbard que se luce en un sólo espectacular de trompeta, es un tema de alto voltaje que llama tu atención de inmediato por explosivo. "Bayou fever" de Jack DeJohnette es otro de esos temas mágicos quizá el tema con un espíritu más libre de toda la grabación, aunque sigo prefiriendo a Lester Bowie interpretando este mismo tema en The New Directions de Jack DeJohnette. El resto de composiciones son de Hubert Laws, Freddie Hubbard y Hutcherson.
Los créditos son inmejorables es un octeto formado por McCoy Tyner al piano, Freddie Hubbard magistral con la trompeta, Hubert Laws con flauta y flauta alta, Bennie Maupin con saxo tenor y clarinete bajo, Bobby Hutcherson con el vibráfono, Stanley Clarke con bajo acústico, Jack DeJohnette con la batería y Bill Summers en la percusión.
 El disco en su globalidad es un volcán donde todos los componentes tratan de expulsar lo mejor de sí, todos los miembros tocan como si tuvieran algo que demostrar, la grabación no se puede quitar de encima un cierto tufo a aire setentero alentado por el potente bajo de Stanley Clarke y la batería de DeJohnette. McCoy Tyner merece mención aparte ya que se trata de uno de los protagonistas que ha dado forma a lo que conocemos hoy por jazz moderno, sus sofisticados acordes y una endiablada mano izquierda que hace que trascienda de los convencionalismos para llegar a ser uno de los sonidos más personales del jazz, dando forma al lenguaje que actualmente utilizan la mayoría de pianistas. Sin ninguna duda "Together" es una de sus obras más vibrantes.
Te dejo un enlace con el electrizante "Nubia" http://www.youtube.com/watch?v=RvO4wW16984

De 5 a 10, mi valoración es: 9

Miles Davis: Workin´ and Steamin´

Portada del doble vinilo

Dos jornadas, el 11 de mayo y el  26 de octubre de 1956, Miles Davis decide encerrarse en el estudio para grabar dos sesiones maratonianas junto al ingeniero de sonido Rudy Van Gelder, la idea de Davis era realizar una grabación como si estuvieran tocando en vivo en un club. El resultado fueron cuatro discos legendarios del Hard Bop: "Cookin",  "Relaxina", "Workin" y "Steamin" Todos ellos grabados en estas sesiones de estudio, como si efectivamente estuvieran en un Club, para cualquier oyente que oiga estos vinilos la impresión es como escucharlos en directo en cualquier garito de jazz. Con Davis estaba su quinteto, uno de los mejores de la historia del jazz, John Coltrane con su increible e inconfundible saxo tenor, Red Garland brillante con el piano y una de las mejores secciones rítmicas de todos los tiempos, Paul Chambers con el bajo y Philly Joe Jones en la batería. Las grabaciones son posteriormente remasterizadas por Bran Gardner en 1974 y editadas por el sello Prestige Récords.
En palabras del ingeniero Rudy Van Gelder "recuerdo estas sesiones, los músicos lo único que querían era sonido" y vaya si lo consiguieron, sonido con mayúsculas, del bueno. Miles Davis inconfundible con su trompeta, con su sordina de acero "Harmon" que hace que su sonido sea tan peculiar, tan íntimo, suave, melódico, aterciopelado por momentos, basado en la interpretación de notas cortas a ráfagas y bien unidas posteriormente en la melodía que crean ese ambiente cargado de introspección y lirismo, todo ello en contraste con las notas pesadas, las frases largas y a veces disonantes con formas de tempestad del saxo de Coltrane. En el piano Red Garland nos muestra su delicadeza y sensibilidad y en la sección rítmica un perfecto encaje entre el sinuoso bajo de Chamber y la relativa agresividad de Jones con la batería. Davis con este Quinteto acertó y era consciente de ello.
Workin´ and Steamin´, donde Workin se graba el 11 de mayo y Steamin el 26 de octubre, estos cuatro discos son, sin duda, de las mejores grabaciones de jazz del siglo XX, además en esta edición recoge el que para mí es el mejor de las cuatro discos, que no es otro que Workin´, compuesto de ocho temas y una duración aproximada de 43 minutos, donde se interpretan temas de Davis, Coltrane, Dave Brubeck o Jamal, Workin es uno de esos discos que levanta pasiones entre los amantes del jazz. En el otro disco, Steamin, ninguno de los temas son propios, son de autores como Thelonious Monk, Dizzy Gillespie o K. Clarke, son un total de 6 temas con una duración aproximada de 41 minutos de música apasionante. Dos discos imprescindibles para los amantes de Davis, para los amantes del jazz y de la buena música. Un vinilo doble que no puede faltar ni en tu biblioteca ni en tu memoria musical.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

McCoy Tyner Trío: Infinity (Featuring Michael Brecker)

Portada del disco de McCoy Tyner con
Michael Brecker

En este enlace puedes clickear y escuchar "Impressions" de John Coltrane donde Michael Brecker se luce http://www.youtube.com/watch?v=lWIt4PtJwM0

Me niego a hablar del gran McCoy Tyner (1938) como el pianista de John Coltrane, que lo fue, y que fue una etapa brillante que le sirvió para cimentar su interesante carrera, habiendo contribuido durante los últimos 50 años a ser uno de los pianistas que más influencia han ejercido, sólo superado claramente por Bill Evans, aunque hablamos de estilos distintos. Tyner mantiene vivo el estilo que tantos frutos le dio décadas atrás, por tanto, se mantiene fiel a la originalidad que fue capaz de crear en los sesenta, por otro lado, Michael Brecker (1949-2007), saxofonista tristemente desaparecido, quizás el mejor saxo de la década de los ochenta y noventa, en esta grabación lleno de fuerza, energía y vitalidad, no he conocido a ningún saxofonista que sople el instrumento como Brecker, su técnica con la boquilla y la caña del instrumento es perfecta produciendo sonidos vigorosos llenos de luz y energía y eso se nota en esta grabación donde encontramos a un McCoy Tyner que no arriesga y que hace lo que sabe hacer y a un Michael Brecker que es la verdadera estrella del disco y nos demuestra todo lo que era capaz de hacer.
El disco está grabado para Impulse en 1995 y pianista y saxofonista se entienden a las mil maravillas, es uno de esos discos donde se funden lo clásico y lo innovador, Tyner y Brecker, la mayoría de los nueve temas que conforman el disco están compuestos por el pianista salvo dos excepciones una de Thelonious Monk "I Mean y Good morning, heartheache" y el famosisimo "Impressions" de John Coltrane, que es uno de los temas en que Brecker se luce, el disco está plagado de momentos álgidos, entre ellos el demoledor tema con el que el disco comienza Flyin high donde podemos ver la buena empatía existente entre los músicos. Los otros dos miembros del trío de McCoy Tyner son el bajo Avery Sharpe y el batería Aaron Scout, ambos, no muy conocidos pero que realizan un trabajo impecable.

Michael Brecker

Buen equipo, buena empatía, buena música. En mi opinión el disco se escora del lado de Michael Brecker que creo que está inspiradisimo en esta grabación y esa inspiración se la contagia al resto de músicos incluido el mismísimo McCoy Tyner, donde el pianista está haciendo lo que se espera de él y el saxo se convierte en una demostración de lo que Brecker era capaz de tocar, roza la excelencia. Es una pena que su desaparición  nos haya privado de lo que éste músico nos podría haber brindado con su saxo tenor.

De 5>10 mi valoración es: 9

John Coltrane: A Love Supreme

Carátula del álbum

John Coltrane (1926-1967), apodado Trane, saxofonista tenor y soprano, compositor controvertido, se mueve en estilos de post bop, como el hard bop o free jazz, en apenas 12 años graba el grueso de su discografía donde no empieza a deslumbrar hasta que toca junto a Miles Davis. Como una maldición la heroína se ceba en los músicos de jazz de la época y Trane cae en sus redes, así su trayectoria musical no evoluciona yendo de banda en banda y de despido en despido, Coltrane recibe una oportunidad que le ofrece Miles Davis ya recuperado, de que él hiciese lo mismo y así fue, en la banda de Davis comienza a brillar y a ser llamado para más y más sesiones como freelance, haciéndose un hueco importante en el mundo del jazz, fruto de esa relación llama la atención de la discográfica Impulse para quien grabará el que fue uno de los mejores discos de la historia del jazz, para muchos el mejor: "A love Supreme". En mi opinion no creo que sea el mejor, pero sí uno de los más inspirados. Es un Opus de jazz dedicado por Trane a la divinidad que para él trascendía a cualquier religión, en agradecimiento a la fuerza espiritual que tuvo para salvar su vida, aunque fallece dos años después.

A love Supreme son 48 minutos vibrantes, alucinantes, la obra es una Suite en cuatro movimientos, en realidad son tres temas y el último de ellos se divide en dos cortes, grabada en 1964 y que interpreta con su célebre cuarteto formado por él mismo, McCoy Tyner y sus genialidades con el piano, el increible Elvin Jones a la batería que realiza un sólo magistral y Jimmy Garrison al contrabajo. Pocos álbumes han tenido la influencia de A Love Supreme, un disco que demostró que el jazz es un medio que se adecuaba a la búsqueda espiritual y creaba una fabulosa expresión de lo inexpresable, con él Trane se encontró en el climax de su carrera y llega a manifestar que: "Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite, esta es la primera vez que lo tengo todo a punto". La escucha del disco merece una dedicación intensa, escuchado atentamente el disco es una genialidad preciosa e inspirada, sin duda uno de los discos más importantes de la historia del Jazz. Esencial para cualquier amante de la música.

John Coltrane "Trane" y su saxo

De 5>10 mi valoración es: 9

Chick Corea: Three Quartets

Una muestra del sonido del Three Quartets clickeando este enlace http://www.youtube.com/watch?v=cxpQz3gcyYo

En este disco le sale a Chick Corea su lado más jazzístico y clásico a la vez, la idea era realizar un disco de Cuartetos y adaptarlos al jazz, así sustituye el cuarteto clásico formado por violón, violonchelo, viola y contrabajo,  por un cuarteto igualmente clásico, pero dentro del ámbito del jazz:  piano, contrabajo, batería y saxo, cambia los intrumentos barrocos, románticos, clásicos  por instrumentos de jazz. Es un proyecto personal de Chick Corea donde él asume todo el protagonismo tanto en la composición como en la interpretación, es precisamente su piano el que más claramente evidencia el diálogo entre el jazz y la música clásica. La obra se puede catalogar como Post-bop o Jazz progresivo, fue grabada para la WB y se hace acompañar nada más y nada menos que por: Chick Corea: piano, arreglos, batería, teclados, producción, notas, productor ejecutivo, Michael Brecker: saxo tenor, Steve Gadd: batería y Eddie Gomez: contrabajo.  Músicos favoritos de Chick Corea, donde todos tienen un papel estelar, la elegancia de Eddie Gómez con el contrabajo, la fuerza inimitable de Steve Gadd con la batería y un Michael Brecker que se luce con el saxo y Chick Corea que en esta època se encuentra en su momento más creativo y que es un lujo escucharlo con el piano, entre los cuatro reunidos crean una poderosa energía musical que está presente durante toda la grabación.

Grabado en los Estudios de Mad Hatter, Los Angeles, California en enero y febrero de 1981,  es una de las obras con mayúsculas del autor quien compone los tres cuartetos, a su vez, el cuarteto nº 2 está dividido en dos partes una dedicada al gran Duke Ellington (quien también tenía formación clásica e hizo acercamientos al mundo clásico pero revestidos de swing) y la otra parte en homenaje al gran saxofonista John Coltrane a quien parafrasea con el piano, cosa nada fácil. En Three Quartets podemos escuchar al mejor Corea, al más creativo, el resto de componentes, sin duda, esta grabación queda entre sus mejores interpretaciones. El disco es muy bueno, del mejor jazz que se puede escuchar.
De 5>10 mi valoración es: 8

El cuarteto musical de Three Quartets

The Elvin Jones Machine: Remembrance

Portada del disco

   Elvin Ray Jones, conocido artísticamente como Elvin Jones (1927/2004), Estadounidense de Pontiac, sin formación musical reglada, crece en ambientes de Gospel, a mediado de los 50 se traslada a NYC donde trabaja con artistas ya consolidados como Charles Mingus, Miles Davis o Bud Powell. Se aferra en un primer momento al más puro Bop para ir definiendo con su batería y el  paso de los años  un estilo propio que marcaría el Post Bop. Hermano de los también músicos de jazz Hank Jones y Thad Jones. Su época dorada se produce junto al gran saxofonista John Coltrane con quién toca desde 1960-66, participando activamente en obras “totem” del jazz como “A love Supreme” o “Crescent”, esta etapa junto al gran maestro del saxo le marca para toda la vida, de hecho su música gira en torno a John Coltrane, a partir de aquí toca con varios grupos pequeños hasta que en 1978 crea el grupo The Elvin Jones Jazz Machine de la que nos han quedado muy buenos testimonios grabados como el álbum “Remembrance”.

     Remembrance. Recuerdo, en efecto, es una de sus primeras grabaciones con la Jazz Machine, grupo con el que estuvo más de veinte años recorriendo el mundo y ofreciendo grabaciones y conciertos, además de dar paso por la formación a una serie de nuevos y grandes artistas que tuvieron la oportunidad de comenzar su andadura jazzística con el gran batería Jones. Remembrance huele a Coltrane por todos lados, el gran saxo está presente de hecho es el homenaje que Elvin Jones realiza sobre su maestro, “Cuando tocaba Remembrance, el recuerdo de Coltrane llegaba a mi memoria con la fuerza de una gigantesca avalancha”,  el mismo Jones dice que no fue consciente de que mientras tocaba junto a John Coltrane estaba cambiando el curso de las cosas, no era consciente de que habría un antes y un después. Remembrance se graba en Stuttgart los dias 3,4 y 5 de Febrero de 1978,  pero no se edita hasta 1980. La Jazz Machine ha sido la máquina de tambores más potente de la historia del Jazz, como curiosidad indicar que esta  formación  no cuenta con piano en sus grabaciones y actuaciones. Quienes hayáis escuchada a la Jazz Machine estaréis de acuerdo en que Jones es un volcán percusivo, una leyenda de la batería que tiene reservado su lugar en el Olimpo de los grandes del Jazz. Si escuchas el primer tema de este disco no vas a poder resistir la tentación de oír el resto. Elvin Jones tiene un gran sentido del swing y una gran facilidad para con la batería crear el climax adecuado, decía una de sus críticas que “esto se debe a la facilidad que tiene de pensar en tres, constantemente aunque esté tocando en 4/4 meterá frases de 3/4″. Los otros músicos de la Jazz Machine son:

Elvin Jones:  batería

Elvin Jones maravilloso percusionista y baterista

Pat LaBarbera: Saxos tenor y soprano

Michael Stuart: Saxos tenor y soprano

Roland Price: guitarra

Andy McCloud III: contrabajo

Ingeniero de sonido: Gibbs Platten

Producido: Joachim E. Berendt

     en total el álbum cuenta con siete maravillosos y bien elaborados  temas que hacen casi una hora de grabación. Disfrútalo.
De 5>10 mi valoración es: 6

Michel Camilo: Mano a mano

Portada del disco de Camilo

Pincha este enlace y oye a Michel Camilo en su nuevo trabajo http://www.youtube.com/watch?v=li3Gs5J0NcM

El pianista y compositor, Michel Camilo compuso su primer tema a los cinco años, a los 16 años  se hace miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Republica Dominicana. Intenta ampliar sus horizontes musicales y se traslada en 1979 a NYC, donde continua sus estudios. No tardaron en llegar los primeros éxitos. A partir de aquí las grabaciones y las giras se suceden, Los años noventa suponen para Michel Camilo el espaldarazo definitivo en su carrera consolidándose como uno de los grandes músicos de jazz contemporáneo. En 1993 su disco “Rendezvous” obtuvo un éxito extraordinario; en 1996 cruzó el charco y actúa en Dinamarca  en el marco de un festival organizado para celebrar la capitalidad europea de Copenhage. Aquel mismo año, visita Israel, España, y Suiza. En 1998 le contratan como Director del primer Festival Latino y del Caribe, que se celebra en NYC. Al año siguiente actua en Cleveland con el pianista cubano Chucho Valdés.  En España es conocido por las grabaciones que realiza con el guitarrista Tomatito de “Spain” y “Spain Again”, además porque aparece como protagonista en la película dirigida por Fernando Trueba, “Calle 54″  homenaje cinematográfico a la historia y a la cultura del jazz latino, lo que hace que consolide en Europa.

Michel Camilo nos brinda una nueva grabación “Mano a mano” que supone un regreso a sus inicios dentro del jazz, volviendo a tocar en trío, y además realizando cambios importantes ya que sustituye la batería por la percusión que deja en manos de Giovanni Hidalgo. Camilo es un excelente pianista que mezcla con habilidad los ritmos caribeños con el jazz con una brillante técnica, lo mismo utiliza ritmos caribeños que se adentra en el mundo de la música clásica, no es difícil escucharle tocando ‘Rhapsody  in Blue’ y  el ‘Concierto para Piano’ de George Gershwin,  el ‘Concierto para Piano’ de Ravel, o tocando a dúo con el gran Tomatito en un acercamiento a la música étnica. Todo ello le ha valido ganar tres Premios Grammy y haber sido nominado para otros cuatro.

Mano a mano es un disco que va en crescendo a medida que lo escuchas y que ya es sin duda uno de los grandes trabajos del

Michel Camilo

Dominicano. Saca lo mejor de los ritmos latinos como boleros y bachatas. El álbum cuenta con composiciones propias como Yes, you and me o el tema que da título al disco, también encontramos temas de Lee Morgan, Naima de John Coltrane o el clásico latino de Alfonsina y el mar. Piano, percusión y contrabajo, que combinación tan original y bonita, Giovanni Hidalgo realiza un trabajo elegante en la percusión y con el contrabajo se luce Charles Flores. El resultado final es un disco fresco, de ritmos calientes y melodías envolventes, con cambios de ritmos continuos y que resulta original por la combinación de instrumentos elegidos que traen nuevos sonidos para tus oídos.

De 5>10 mi valoración es: 7