John Coltrane: The Stardust Session

Portada del vinilo

Nueve años antes de su muerte, Coltrane graba dos sesiones en los afamados estudios de Rudy Van Gelder, estas grabaciones no se publicaron hasta tiempo después, en 1963, cuando el saxofonista de Carolina del Norte dio sus mejores momentos musicales, es cuando el sello Prestige aprovecha para sin consentimiento del músico, lanzar estas sesiones musicales, en 2011 se edita una versión digital en CD.
Entre 1955 y hasta su muerte Coltrane grabó prolíficamente, la mayor parte de su producción se salía de los estándares habituales, su poder espiritual, reivindicativo, social, siempre buscando un sonido más elevado, un fraseo de su saxo tenor único e influyente, lo que es una característica común a todos sus discos, en Stardust Session, aún no encontramos el Coltrane inspirado y rompedor de los sesenta, pero lo cierto es que sus solos están repletos de ideas sorprendentes, innovadoras, frescas, sobre todo se percibe una energía creativa incansable que nos apunta información sobre la etapa de desarrollo del futuro maestro.
El álbum es una impresionante colección de baladas interpretadas al más alto nivel, menos lírica y bella de lo que estaría por venir, aunque recoge el anhelo sensible y romántico del saxofonista. Se percibe como el músico va más allá que la sección rítmica, como con su fraseo intenta alcanzar "algo" a lo que sus músicos no llegan y se quedan atrás, como si hubiese algo que "no pillan", que los retiene, a pesar de lo cual el resultado es genial. El disco es recomendable para entender la trayectoria de Coltrane, no es su mejor disco de los cincuenta, pero es un gran álbum porque encontramos en plenitud al Coltrane más clásico.
Son ocho temas de buen Hard Bop grabados para el sello Prestige, con una duración de 1:09 h. Los créditos son impresionantes: Además de Coltrane con el saxo tenor, encontramos a Paul Chambers en el bajo, Jimmy Cobb (pista 1 y 3) y Art Taylor en la batería, Red Garland al piano, como siempre magistral y acoplado al líder a la perfección, Wilbur Harden (pista 1 y 3) y Freddie Hubbard (pista 4) con el fliscorno y la trompeta haciendo unos buenos solos sobre todo en My Ideal y Stardust.
En Stardust Session encontramos al Coltrane mas convencional y clásico a la par que al más imaginativo en las improvisaciones. En un disco redondo.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Dejo un video con el primer corte Stardust que da nombre al álbum

Ornette Coleman: Free Jazz

Portada del disco realizada por el
pintor Jackson Pollock

Hace treinta años que escuché por primera vez el Free Jazz de Ornette Coleman, aquello me pareció una jaula de grillos que no tenía ni pies ni cabeza, han tenido que transcurrir los años para conocer el contexto de la època y para que mi concepto de aquel disco varíe 180º. El disco despertó fuertes polémicas por el cambio tan profundo que supuso conceptualmente, con su revolucionaria idea de la improvisación y de la armonía que sentó las bases del free jazz. Ocho músicos entran en la sala de grabación de la discográfica Atlantic, forman dos cuartetos, uno a la izquierda formado por Ornette Coleman al saxo alto, Don Cherry en la trompeta (de un tamaño menor al habitual), Scott LaFaro al contrabajo y Billy Higgins a la batería; otro cuarteto a la derecha formado por Eric Dophy con el clarinete bajo, Freddie Hubbard a la trompeta, Charlie Haden al contrabajo y Ed Blackwell a la batería, así además aparecen luego en la grabación estéreo, cada cuarteto por su canal. La norma es que no hay norma, es una improvisación colectiva que se convirtió en una de las piedras angulares en la evolución del jazz, una obra creada de forma espontánea, en ese mismo acto. El disco se grabó en 1960 y se lanza al mercado en 1961, cuenta con un sólo tema de alrededor de 40 minutos, donde los músicos tocan en una esquizofrenia musical que hace 50 años rompió todos los moldes. Free Jazz es considerada la obra fundacional del movimiento como estilo consolidado.
Ornette Coleman es un icono del jazz, un músico original, que supo proyectarse con una entereza genial, agregó a su música la libertad intrínseca que hay en el jazz, hizo trizas la idea de que la improvisación se hacía sobre los acordes, destrozó el concepto que se tenía sobre la melodía, usando sonidos nuevos que hasta ese momento sólo eran lo que se conoce como "cacofonías", cambió la métrica rítmica y dio absoluta libertad a sus músicos, creando espacios para las ideas y la imaginación. Coleman poseía una convicción artística que era inmune al rechazo de los demás, lo que le hizo avanzar y progresar en sus ideas, realizando un logro asombroso y que ha sido reconocido como se merece. Hasta éste momento el jazz iba desde el orden hacía el desorden, con el free jazz, con Ornette Coleman su música va en sentido opuesto desde el caos al orden relativo, creando el fenómeno por el cual la música comienza sin ataduras, hasta que las ideas empiezan a confluir.
Un disco y un estilo lleno de controversias que no deja indiferente a nadie.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Dejo un vídeo con esta ensalada esquizofrenica...

Wayne Shorter: wayning moments

Caratula del álbum

No vamos a encontrar en wayning moments el mejor álbum de Wayne Shorter (1933), tampoco de Freddie Hubbard, pero ya se ve el germen de lo que está por llegar para ambos, son dos músicos en pleno desarrollo estilístico y músical. Sin innovaciones, ni viajes a otros mundos, Shorter está pisando firme el terreno, está incluso bastante tradicional, casi irreconocible diría yo. El joven Shorter en wayning moments se mueve entre un be bop de academia y un hard bop conservador, aún no le había llegado el momento del jazz experimental y se deja arrastrar por la corriente musical de la època, de la cual esta grabación es un buen reflejo. Predominan los temas de corta duración, con arreglos muy sencillos, lo que no da lugar para un gran lucimiento como solista, por lo que encontramos solos muy limitados, pero con un gran magnetismo y simplicidad que hacen el conjunto muy bello y divertido.
Wayning moments se graba en vinilo los días 2 y 6 de noviembre de 1961, aunque no se lanza al mercado hasta 1962, es de los primeros discos que Shorter graba como solista y lo hace en los estudios de la Universal en Chicago, para el sello Vee Jay, después vendría su contrato con la Blue Note y con ella algunas de sus grabaciones más importantes. El disco original cuenta con ocho temas y una duración de 32 minutos, con posterioridad se digitaliza y ya en la versión CD se incluyen "tomas falsas" hasta un total de 15 temas y una duración de 67 minutos. Las tomas falsas, son en realidad una "doble toma" de todos los temas excepto uno, sin que haya realmente una diferencia importante y de peso con respecto a las tomas originales, de hecho la versión en CD aporta poco al original e incluso confunde al oyente que no entiende muy bien el porqué de esas dobles tomas, cosas de las discográficas. Cronológicamente se encuentra entre Second Genesis (1960) y Night Dreamer (1964).
En cuanto a los créditos encontramos a Wayne Shorter con el saxo tenor, conservador, sin un gran lucimiento, pero apuntando maneras, Freddie Hubbard, muy joven, toca con la trompeta y es junto con Shorter el otro gran jazzmen del quinteto, con algunos solos espectaculares, aunque en lineas generales siguiendo la misma línea que el saxo;  Eddie Higgins toca el piano, discreto, pero realizando su cometido a la perfección; Jymie Merritt toca con discreción el doble bajo y Marshall Thompson la batería. Piano, bajo y batería no sobresalen pero consiguen crear un ritmo sólido con unos resultados globales bastante agradables.
En esencia es un buen disco, brillante por momentos, que no permite un gran lucimiento de sus solistas, pero que consigue armonizar una sesión de jazz de la época, una sesión de tránsito entre el be bop y el post bop. Lo que vino después es otro mundo.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Art Blakey: Thermo

Al hablar de Art Blakey (1919-1990) no se puede disociar del proyecto que crearon en 1953 entre él y Horace Silver, aunque al fínal  fue Blakey el verdadero protagonista de esa "Escuela de Jazz" llamada The Jazz Messengers, tanto que la unió a su nombre denominándose durante tres décadas como Art Blakey and The Jazz Messengers, por la que pasaron algunos de los músicos más importantes del jazz de la segunda mitad del siglo XX, contribuyendo a dar personalidad propia al movimiento Hard Bop.
Thermo en su edición original es un Lp doble de vinilo que aúna las grabaciones de otros tres discos de Art Blakey que se grabaron para el sello Riverside y que son; "Caravan" de octubre de 1962, "Ugetsu" grabado en directo al 16 de junio de 1963 en el afamado Birland y "Kyoto" un homenaje de Blakey a Japón que también se graba en el Birland el 20 de febrero de 1964. Thermo cuenta con todas las pistas de "Ugetsu" y una selección bastante buena de los otros dos, tanto que el álbum tiene un sonido homogéneo, compacto y uniforme, ya que se trata de la misma formación musical en los tres discos. Se trata del sexteto que Art Blakey tuvo con los Jazz Messengers entre 1962-1964, nada más y nada menos que Freddie Hubbard en la trompeta, Wayne Shorter en el saxo tenor, Curtis Fuller en el trombón, Cedar Walton al piano, Reggie Workman en el contrabajo y por supuesto Art Blakey en la bateria, Un sexteto de lujo con una dulzura conmovedora por momentos y duros en la escucha a veces, donde Hubbard y Shorter aportan toda la fuerza del hard bop en sus respectivos vientos, estando frescos, ágiles e innovadores, Curtis Fuller tiene una presencia muy discreta, pero impecable y Cedar es sin duda, uno de los favoritos del grupo, Art Blakey cohesiona, dirige y mantiene la unidad y disciplina del sexteto, dando como resultado un grupo sólido.
El álbum cuenta con un total de doce pistas, de las que 5 son compuestas por Shorter, una aporta Cedar Walton y otra Curtis Fuller, por su lado, Hubbard aporta dos temas propios, uno de ellos inéditos en los tres discos anteriores y que es el plato fuerte de este doble vinilo y es el tema que da nombre al álbum "Thermo". La duración total es de 86 minutos, se remasteriza en 1973 y se vuelve a editar por la Milestone Récords en 1976. El disco no es recomendado para coleccionistas o amantes de las obras originales, aunque para iniciados da una perspectiva clara de esa época de Art Blakey and The Jazz Messengers.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

te dejo un vídeo del tema Skylark

McCoy Tyner: Together

Portada del disco

Tuve la oportunidad de conocer "Together" en 1979, un año después de su edición, ya que el disco se graba entre el 31 agosto y el 3 septiembre de 1978, de estilo Post Bop, correspondiendo en su etapa con la discográfica Milestone,  donde de alguna manera McCoy Tyner (1938) despega definitivamente, ya hacía más de una década de su presencia con John Coltrane y viajaba en busca del camino hacía el reconocimiento personal del que sobradamente goza hoy en día con todo merecimiento.
"Toghether" es un disco que cuenta con seis temas y unos 42 minutos de vibrante música. De todos los temas el que abre el álbum "Nubia", uno de los dos temas compuestos por Tyner, me enganchó enseguida por su frescura y por la magistral interpretación de Tyner con el piano y Hubbard que se luce en un sólo espectacular de trompeta, es un tema de alto voltaje que llama tu atención de inmediato por explosivo. "Bayou fever" de Jack DeJohnette es otro de esos temas mágicos quizá el tema con un espíritu más libre de toda la grabación, aunque sigo prefiriendo a Lester Bowie interpretando este mismo tema en The New Directions de Jack DeJohnette. El resto de composiciones son de Hubert Laws, Freddie Hubbard y Hutcherson.
Los créditos son inmejorables es un octeto formado por McCoy Tyner al piano, Freddie Hubbard magistral con la trompeta, Hubert Laws con flauta y flauta alta, Bennie Maupin con saxo tenor y clarinete bajo, Bobby Hutcherson con el vibráfono, Stanley Clarke con bajo acústico, Jack DeJohnette con la batería y Bill Summers en la percusión.
 El disco en su globalidad es un volcán donde todos los componentes tratan de expulsar lo mejor de sí, todos los miembros tocan como si tuvieran algo que demostrar, la grabación no se puede quitar de encima un cierto tufo a aire setentero alentado por el potente bajo de Stanley Clarke y la batería de DeJohnette. McCoy Tyner merece mención aparte ya que se trata de uno de los protagonistas que ha dado forma a lo que conocemos hoy por jazz moderno, sus sofisticados acordes y una endiablada mano izquierda que hace que trascienda de los convencionalismos para llegar a ser uno de los sonidos más personales del jazz, dando forma al lenguaje que actualmente utilizan la mayoría de pianistas. Sin ninguna duda "Together" es una de sus obras más vibrantes.
Te dejo un enlace con el electrizante "Nubia" http://www.youtube.com/watch?v=RvO4wW16984

De 5 a 10, mi valoración es: 9

The Trumpet Summit: Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Clark Terry MEETS The Oscar Peterson Big 4

Diseño de norman Granz

La cumbre de las trompetas, aunque yo más bien lo llamaría la "Fiesta de las trompetas" y es que la grabación es eso, un festín que se dan tres de los mejores trompetistas de todos los tiempos con la inestimable colaboración del cuarteto de Oscar Peterson. Por ordenar las cosas los trompetistas son: El gran Freddie Hubbard, otro grande como Clark Terry y el grandísimo Dizzy Gillespie, todo ello aderezado por The Oscar Peterson Big 4 formado por Oscar Peterson al piano, Ray Brown al bajo, Joe Pass con la guitarra y Dobby Burham con la batería. De todos es sabido que Oscar Peterson es solista, pero en un acto de generosidad cede todo el protagonismo a las trompetas, el suyo y el de su grupo, quedándose en segunda fila, pero sólo de forma aparente, ya que su grandeza hace que se desborde su ritmo y su inspiración hace a cada músico dar más de sí, tocar con más "swing" de lo habitual, así los tres protagonistas hacen de las suyas durante los cuarenta minutos que dura la grabación que se reparte en cuatro temas: "Daahoud" donde Hubbard y Gillespie tocan con trompeta abierta, Clark Terry con sordina, siendo el orden de cambio de compases Terry-Hubbard-Gillespie, en el siguiente tema "Chicken Wings" tocan con sordina Gillespie y Terry y con trompeta abierta Hubbard, en "Just Friends" Terry cambia la trompeta por el instrumento que hizo famoso a Chuck Mangionne el Fliscorno y Gillespie utiliza sordina, mientras Hubbard toca en abierto, el mismo orden se sucede en el último de los temas "The Champ".
El piano de Peterson  endiabladamente rítmico, Ray Brown siempre grande con su contrabajo, a Joe Pass se le oye poco y más bien rellena huecos y el batería Dobby Durham hace que todo encaje, así entre los cuatro dan cuerpo al sonido de las trompetas que son las auténticas protagonistas de la sesión de grabación que se realizó entre las 9 de la noche y las 3 de la madrugada del 10 de marzo de 1980. El culpable del encuentro, quien se encargó de juntar a todos los músicos no es otro que Norman Granz.

De 5 > 10 mi valoración es: 9

Dexter Gordon: Round Midnight

El film nos lleva a un callejón oscuro, a la profundidad de un Club de Jazz, en París, en cuyo escenario encontramos a Dexter Gordon dando vida a un saxofonista alcohólico y drogadicto, sin más vida que su hotel y su Club de Jazz, su vida se transforma cuando un aficionado entra en su mundo y hace cambiar su destino renaciendo artísticamente, ésta es una resumida sinopsis de la película del francés Travernier para entrar en ambiente de lo que es su B.S.O. "Round Midnight" es ante todo un musical donde importantisimos músicos tocan en directo sobre un escenario de jazz (sin playblacks), en una sola toma, a músicos que hacen de actores como Herbie Hancock, Bobby Hutcherson o el mismísimo Dexter Gordon, donde podríamos decir que se interpretan a sí mismos. La música la arregla y compone en parte un joven Herbie Hancock quien recibió un Oscar por ello. El elenco musical es: Cedar Walton, Bobby McFerrin, Lonette Mckee, Ron Carter, Pierre Michelot, Chet Baker, Tony Williams, Billy Higgins, John Mclaughlin, Bobby Hutcherson, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Dexter Gordon. Seguramente enumerando sólo a los músicos está todo dicho.
Los verdaderos protagonistas son los músicos y la música misma, donde se vive el jazz en cada nota, en una auténtica atmósfera de club de jazz, donde la  música es sublime, hasta la voz de Dexter Gordon parece parafrasear a su saxo.
El tema que da nombre al film "Round Midnight" es aquel que compuso Thelonious Monk y que aquí modula las lineas melódicas con su voz el sinuoso Bobby McFerrin sin que pierda el aire "Monk". Dexter Gordon está como en familia, a sus anchas, como en sus mejores y gloriosos tiempos, sublime, a destacar el emparejamiento musical entre Gordon y Wayne Shorter al interpretar el tema "una noche con Francis" dedicada a Bud Powell y a Francis Paudras, verdaderos protagonistas de la historia real en la que está basada el film, Gordon y Shorter, dos generaciones unidas con un resultado increible. Por su lado, Herbie Hancock está inspiradisimo y quiero resaltar la presencia testimonial de Chet Baker en "Fair Weather" dando un toque de elegancia y belleza al conjunto que le confiere caché al producto, su voz y su trompeta cautivan.
La peli tiene una segunda parte musical y publicada con posterioridad,  Dexter Gordon: "The other side of Round Midnight", pero ese será otro post.

De 5 > 10 mi valoración es: 10

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth

Portada del disco

Es difícil clasificar este disco, esta maravilla de la música, del Hard Bop, para situarnos y no dar más rodeos: hablamos de un hito dentro del jazz homologable al "Kind of Blues", "Blue Train" o "Speak No Evil". Una obra maestra absoluta, incontenible, atemporal, repleto de poderosas reflexiones estéticas que giran alrededor del Blues, abstrayendo el significado del Blues, atomizandolo y volviéndolo a recomponer en estado puro. Es curioso que todos los músicos eran dioses consagrados del jazz, todos excepto el propio Oliver Nelson, un músico bastante ajeno a las excentricidades de sus colegas, poseedor de un talento innato capaz de aglutinar, estructurar, dirigir, diseñar y hacer que todo funcione, la tarea no era fácil teniendo en cuenta los dispar del septeto: Oliver Nelson Saxo alto y tenor, Eric Dolphy, Saxo alto y flauta, Freddie Hubbard a la  trompeta, George Barrow con el  Saxo Barítono, Bill Evans al piano, Paul Chambers con el pesado contrabajo y Roy Haynes a la batería. Nelson es el líder, el aglutinador el que supo sacar de cada músico lo mejor y hacer que el 23 de febrero de 1961 en pocas horas se grabara esta joya del jazz para la Impulse récords en los estudios de Rudy Van Gelder en NYC. Reunión de talentos, armonía en sentido amplio lo que salió de aquella jornada de grabación y Oliver Nelson el creador del "Milagro", fue la figura aglutinadora capaz de favorecer un clima en el que todos los músicos  interaccionen de forma creativa a nivel personal y grupal.
"The Blues and the abstract truh" es un álbum que consta de seis temas todos compuestos por Nelson que es además quien dirige y hace los arreglos, la duración total del disco es de sólo 36 minutos, que vuelan. Destaco "Stolen Moments" donde el genio desbordado de Nelson nos da una idea de su capacidad creativa e interpretativa, es un tema sencillamente perfecto, de escuela de jazz. El resto del disco mantiene un nivel altísimo. Como en las buenas obras de arte las intenciones quedan superadas por los resultados, un disco imprescindible en tu memoria musical. Dejo un enlace de uno de los temas del disco http://www.youtube.com/watch?v=uOK-Lkxbwsg

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Wayne Shorter: "Speak No Evil"

Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter

Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.

De 5>10 mi valoración es: 10