Hiromi Uehara: Voice

Portada del CD

Un revulsivo para los sentidos, una sacudida auditiva que te despereza del letargo, una corriente eléctrica que te sacude el espinazo, una tormenta musical perfecta con una gran técnica, un gran talento, mucha energía y un gran corazón, porque su música, como las emociones salen del corazón. Uehara nos ofrece ideas musicales frescas, un fraseo excepcional, mezcla estilos con toda la naturalidad, pasando casi de puntillas por el be bop, el jazz fusión, el rock progresivo, la música clásica... en un talento técnico y una creatividad sin parangón. Es capaz de interpretar piezas muy complejas sin esfuerzos, parece estar en otro nível, te impresiona su musicalidad, su energia, su composición, sus dotes y buen criterio.
Llama a su álbum Voice y lo hace desde la música instrumental y las emociones "La música habla por sí mismo" Hiromi trata de expresar sin vocalización, las emociones de La Voz. El disco se graba para el sello Telarc Digital entre el 9 y el 11 de noviembre de 2010, aunque no sale al mercado hasta el 7 de junio de 2011, cuenta con un total de ocho temas, siendo el primero de ellos homónimo del álbum y el último una interpretación libre de La Patética de Beethoven, sonata para piano nº 8, la duración total es de 65:55 minutos.
El disco cuenta con una nueva forma musical llamada Trio Project, que en el fondo viene a ser el clásico formato de trío de piano, en el bajo encontramos a Anthony Jackson, en la batería encontramos a Simon Philips, ambos afamados y provenientes del pop-rock, una combinación muy adecuada para el estilo de Hiromi. Imaginar un trio contemporáneo más potente, va a ser todo un reto. El piano aporta la finura, la forma de expresión y un brillante manejo, Jackson aporta jazz fusión a través de su bajo y Phillips aporta la intensidad y fuerza de su batería. Jazz del Siglo XXI, jazz del que viene, jazz del bueno.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Miles Davis: Star People

Carátula del álbum de Davis

Clickea este enlace y escucha a Davis con su trompeta y su inconfundible sordina en "star people" http://www.youtube.com/watch?v=Eefjvxnlgbc

Desde 1975 a 1981 Miles Davis se mantiene apartado de la música, problemas con drogas y problemas de salud hacen que tenga una apatía total y una falta de creatividad, no se sentía " en absoluto capaz de tocar la trompeta y no quería saber nada de la música", es en 1981 cuando supera sus problemas y a partir de aquí graba tres discos para Columbia récords, del que "Star People" es el segundo de ellos, el tema que da título al álbum es un Blues clásico en el que la guitarra de John Scofield y la sordina de Davis anestesian los oídos y hace que te adentres, como en un sueño, en un mar de sonidos nuevos, sí de nuevo Davis investigando, no podía escapar a su necesidad de investigar con sonidos. En "Star People" se acerca al mundo del funk, del blues, de lo eléctrico, de lo mágico, de la fusión. Pese a todo, es Davis y su sonido tiene entidad por sí mismo, su trompeta, su forma de soplar, su sordina son inconfundibles.
El disco se graba en 1983, tiene aires setenteros, una duración de 58:54 minutos y consta de seis temas, de los que el tema homónimo del álbum es el eje sobre el que gira toda la obra. Miles Davis toca la trompeta y se hace acompañar por Mino Cinelu en la percusión quién está brillante y discreto, Bill Evans en los saxos tenor y alto y no con mucho protagonismo dentro del disco, Al Foster en la batería, Marcus Miller en el bajo marcando el ritmo de blues, John Scofield y Mike Stern en la guitarra eléctrica, quienes además entablan diálogos interesantes a lo largo del disco, por último también en el bajo Tom Barney.
Un álbum que merece la pena escuchar, tanto por lo intenso y complejo de las composiciones como porque se rodea de grandes músicos de los que sólo se puede esperar algo grande, como es "Star People". Un factor, sin embargo, permanece invariable y es la manera de tocar la trompeta de Miles Davis, íntenso, ágil, majestuoso, ligero, lírico, frágil, claro, como sólo lo puede hacer el Maestro.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Charlie Mariano: Helen 12 Trees

Portada del vinilo

El disco está grabado los dias 6,7 y 8 de mayo de 1976 en Alemania en la Unión Studio Munich-Solin para la discográfica MPS, todos los temas (excepto "Thorn of a white rose" de Jam Hammer) del mismo están compuestos por el saxofonista (alto y soprano) Charlie Mariano (1923-2009) quien además toca la flauta. Muy influenciado por John Coltrane aunque su carrera musical adolece de constancia, diferenciando dos etapas bien marcadas, una ortodoxa junto a Charles Mingus, Toshiko Akiyoshi, Chico Hamilton o Quincy Jones, de aquí al final de su carrera se mueve en distintos ámbitos musicales, mostrando gran interés por las diversas modalidades de la música asiática, lo que hace que su trayectoria musical sea irregular con muchos aciertos y también muchos errores, aún así crea un discurso musical propio, lleno de referencias a Coltrane pero con sello personal y creando un sonido distinto.

"Helen 12 Trees" es sin duda, uno de los mejores discos grabados por Mariano como líder, con un estilo de jazz fusión y jazz rock, consigue una musicalidad con cuerpo y espíritu a la par, combinando con sabiduría los elementos del jazz rock con los de la fusión de la música híndú, de esta cultura toca un instrumento llamado nagaswaran de aspecto similar al oboe, pero con una tonalidad más peculiar, casi exótica, lo podemos oír en varios temas. El disco consta de siete temas y una duración total de unos 40 minutos. Se hace acompañar por el checo Zbigniew Seifert, referente europeo junto a Jean Luc Ponty con el violin, Jan Hammer piano acústico y eléctrico y sintetizador con un sonido más aterciopelado que el usado en la Mahavishnu, Jack Bruce con un bajo Fender con aires jazzísticos, John Marshal con fuerza rockera en la batería y Nippy Noya con aires exóticos en la percusión, con este personal sólo se puede esperar un disco de primera como así es, dando como resultado un disco con cierto misticismo, con aires setenteros, bien elaborado, fresco y con una fusión equilibrada, el disco lo adquirí a principios de los 80´s y para mí es una referencia obligatoria del jazz-fusion-rock.

De 5>10 mi valoración es: 6

Wayne Shorter: "Speak No Evil"

Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter

Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.

De 5>10 mi valoración es: 10

Eva Cortés: El mar de mi vida

picha el siguiente enlace para ver vídeo de Eva Cortés   http://www.youtube.com/watch?v=EeIkZ2AyLk0

El mar de mi vida es el tercer disco que edita Eva Cortés, Hondureña educada en Sevilla y con residencia en Madrid. El disco tiene un estilo personal innegable jazz fusión donde se mezclan ambientes acústicos de blues, jazz, ritmos latinoamericanos como el bolero, el tango o andaluces como el flamenco, todo ello en un cocktail musical de muy buena estructura. Eva que es la autora de la mayoría de temas, canta cada uno de ellos en español, francés o portugués, con una cierta cadencia latinoamericana lo que le da un punto exótico al álbum, un toque de originalidad que la primera vez te choca, pero que enseguida te familiarizas.

el álbum cuenta con doce temas algunos versionados como Alfonsina y el mar o el clásico de la chanson francesa c´est si bon que interpreta junto al cantaor Miguel Poveda haciendo unos arreglos de la canción muy interesantes, el resto tienen buena fluidez musical y riqueza armónica. Se hace acompañar por Pepe Rivero al piano, además de producción y arreglos, se nota su presencia en todo el disco, Toño Miguel y Hadrien Feroud en contrabajo y bajo, Mondesir a la batería, Piraña con el cajón, toca el trombón Santi Cañada.

Eva Cortés

Su discografía es ciertamente corta ya que el primer álbum lo edita en 2007, contando hasta la fecha con un total de cuatros discos, éste del que hablamos es el tercero. Eva Cortés irrumpe para reclamar un hueco en el panorama jazzístico cantado en español. La primera vez que lo oí me chocó, luego cada vez que lo escucho le encuentro algún matiz distinto bien en los ritmos, en lo músical o en esa bonita voz con acento exótico que a veces resulta raro oír cantando ritmos de jazz en español a lo que no estamos muy acostumbrados. Suena fresco, suena joven, suena innovador, suena bien.

De 5>10 mi valoración es: 5

Michel Camilo & Tomatito: Spain again

Michel Camilo & Tomatito sacan a la luz en 2000 el álbum Spain que fue todo un éxito y que obtuvo un grammy al mejor álbum de jazz latino, la clave, un excelente dúo de piano y guitarra que obtuvo el reconocimiento de los aficionados al jazz, al flamenco y de la crítica y que gustó y vendió bien el producto. En 2006 editan reproduciendo el mismo cliché Spain again una segunda parte que en mi opinión está más elaborada y es mas compacta, la fórmula, la misma, dúo de piano y guitarra y una buena elección en el repertorio de temas. Ambos destacan por igual, de forma discreta y brillante a la vez,  produciéndose a lo largo del disco una interesante y continua conversación musical entre dos músicos que dominan a la perfección sus estilos y sus instrumentos, produciéndose esa interesante fusión entre jazz y flamenco y que ha logrado gustar a todos, Camilo jazzmen de origen dominicano y que compone una jazz con influencias latinas y amante de la música española y Tomatito (José Fdez. Torres) de Almería, residente en Aguadulce,  toca la guitarra española con clase y elegancia y que ha bebido del jazz dejándose seducir por sus ritmos. Camilo y Tomatito se conocen en una grabación del grupo Ketama y desde entonces descubren sus afinidades realizando una serie de conciertos que luego se plasmaron en estos dos buenísimos discos. Se cuenta que fue el amigo de ambos y cineasta Fernando Trueba quien les dio el título del álbum: Spain Again.

Los temas incluyen composiciones originales, un tributo a Piazzolla, algún clásico del jazz y una colaboración con el también dominicano J.L. Guerra. Temas:

1. El Día que Me Quieras                                                                                            

Michel Camilo & Tomatito

Tributo a Piazzolla:
2. Libertango
3. Fuga y Misterio
4. Adiós Nonino
5. Stella By Starlight
6.Twilight Glow
7. A Los Nietos
8. La Tarde
9. La Fiesta
10. From Within
11. Amor de Conuco (con Juan Luis Guerra)

     En definitiva dos talentos musicales unidos en un disco de muy grata factura y de muy agradable escucha, dos instrumentos distintos, de diferentes mundos musicales unidos por un nexo común su amor por Spain, que en esta ocasión les lleva a repetir en Spain Again.                                                                                      

 De 5>10 mi valoración es: 6

Friday night in San Francisco: Al Di Meola, John McLaughlin & Paco de Lucía

Carátula del álbum

Clickea este enlace para oir a estos tres maestros de la guitarra http://www.youtube.com/watch?v=xl0HEUg6DD8 todo un lujo para los oidos.

Tres maestros de la guitarra, tres guitarristas de pro, John McLaughlin británico, Al Di Meola Estadounidense y el Español y universal Paco de Lucía, los tres juntos formaron el Guitar trio, tres estilos muy distintos que se unen en torno a la guitarra como elemento central para grabar el álbum “Friday night in San Francisco”, un disco en vivo, de una fuerza increible, de esos discos que la fuerza se las da el directo, cada uno demostrando su virtuosismo con el instrumento. El disco fue grabado en San Francisco el 5 de diciembre de 1980 en el Warfield Theatre.

Al Di Meola nacido en Jersey (USA), se ha caracterizado por ser un virtuoso de la guitarra acústica y eléctrica desarrollando un estilo musical de fusión entre jazz, rock y otros estilos de “músicas del mundo” ha tocado con músicos como Paul Simon,Jean Luc Ponty, Stanley Jordan, Chick Corea, Stanley Clarke, Paco de Lucía, y John McLaughlin.

John McLaughlin, británico de Doncaster, ha sido durante muchos años músico de sesión y comenzó tomar fama a raíz de tocar junto a Miles Davis o Chíck Corea, En los primeros setenta  forma la banda eléctrica Mahavishnu Orchestra, junto al violinista Jerry Goodman, banda que se distinguió por su estilo, técnicamente virtuosísimo y complicado de música. Mc Laughlin se distingue por la versatilidad al tocar la guitarra haciendo un jazz fusión, jazz, música clásica hindú. Para mí uno de los músicos con más personalidad entre las cuerdas de la guitarra.

Paco de Lucía de Algéciras, guitarrista flamenco y universalmente conocido por su virtuosismo y técnica con la guitarra, casi toda su obra se desarrolla dentro del flamenco, aunque realiza incursiones dentro del jazz muy interesantes, convirtió el tema “entre dos aguas” en un clásico mundial.

Se podría hablar mucho más de estos tres increíbles guitarristas, pero existe un nexo, un punto de encuentro en la carrera musical de los tres que deja una huella imborrable en cada uno de ellos y es cuando deciden unirse para grabar y ofrecer conciertos, los tres músicos quedan unidos y marcados por esta unión que los hizo aún más universales y que marcaron un hito en los conciertos de guitarra. El álbum es un regalo para la inteligencia, fresco al oído, con una excelente grabación para la discográfica de Philips, sin duda uno de los mejores directos grabados nunca.  Los temas que componen el disco son:

Cara A

Los tres gigantes durante un concierto

1. «Mediterranean Sundance»/«Río Ancho» (11:25) – Paco de Lucia y Al Di Meola
   (Al Di Meola/Paco de Lucía)
2. «Short Tales of the Black Forest» (8:39) – John McLaughlin y Al Di Meola
   (Chick Corea)

Cara B

1. «Frevo Rasgado» (7:50) – John McLaughin y Paco de Lucia
   
   
2. «Fantasía Suite» (8:41) – Paco de Lucia, John McLaughlin y Al Di Meola
   (Al Di Meola)

«Guardian Angel» (4:00) – Paco de Lucia, John McLaughlin y Al Di Meola
(John McLaughlin)    

De 5>10 mi valoración es: 8             

Larry Coryell : Spaces

Puedes pinchar sobre este enlace http://www.youtube.com/watch?v=NuadBNmIiPk para degustar un aperitivo del disco.

Larry Coryell, nace en USA en 1943 desde muy joven comienza a tocar rock y country,  a los quince años comienza a recibir clases de jazz y esto cambia su futuro, se instala con su familia en NYC donde toca con Charles Lloyd y, después, con la banda del batería Chico Hamilton ,  también forma parte del grupo de Gary Burton, pasando después por diversas y variopintas formaciones de jazz de muy distinta índole como las de Herbie Mann, Steve Marcus y Mitch Mitchell. Después se incorporará a la Jazz Composer’s Orchestra, hasta formar su propio grupo de jazz rock, “The Eleventh House“, en 1973. Notablemente influenciado por el malogrado J. Hendrix, Larry Coryell goza de un gran virtuosismo en sus dedos que hace que las notas fluyan a una velocidad endiablada, lo que a veces dificulta la audición. en “Spaces” reúne a una constelación de estrellas musicales así: Larry Coryell es la primera guitarra, John McLaughlin: Guitarra, Chick Corea: piano eléctrico, Miroslav Vitous: Bajo, Billy Cobham: Batería.

El álbum se graba en 1969, aunque no se publica hasta 1974, “Spaces” es un excelente disco de jazz-fusión temprana, también podría estar catalogado como jazz-rock, el disco suena como si la electricidad se hubiese instalado en el jazz y le hubiese dado un impulso de energía perdiendo a cambio en el camino algo de swing. Sin duda, “Spaces” es un referente del jazz que se fabricó en los setenta y también lo es por la calidad y excelencia de todos los músicos que intervinieron en la grabación, cada uno de ellos, por separado ha tenido carreras brillantes. Lamentablemente la discografia y la carrera de Larry Coryell tiene muchos altibajos, grandes discos como  “Spaces”, no son muy habituales en su trayectoria, tuvo problemas en esta época con las drogas, lo que sin duda, influyó en la constancia del músico. Coryell se incopora más tarde a una serie de exitosos conciertos en trío con John McLaughlin y Paco de Lucía. El grupo realizó diversas giras por Europa y publicó su actuación en el Royal Albert Hall de Londres, titulado “Meeting of Spirits”. A comienzos de 1980, fue precisamente, su adición a las drogas la que motivó su sustitución por Al Di Meola. Coryell de todas maneras, ha seguido componiendo y dando conciertos, así su última grabación es Duality (2011) dueto con Kenny Drew Jr. al piano. En resumen la grabación suena a aires setenteros, le sobra energía y le falta algo de swing, a veces se confunden las guitarras de Coryell y McLaughlin, íncluso éste último le hace sombra y también tiene un exceso de virtuosismo de rapidez en la interpretación por parte de las guitarras, a pesar de todo se trata de un excelente trabajo que hay que saber contextualizar dentro de la agonía del  post-bop y en la eclosión del rock.

los temas del disco son:

Coryell y su guitarra

1. Espacios (Infinito) – 9:16
2. Tema de René – 4:06
3. Paso de Gloria – 4:29
4. Lo malo es bueno – 9:00
5. Chris – 9:31
6. Día de Año Nuevo en Los Angeles – 1968 – 0:20

De 5>10 mi valoración es: 6