Sarah Vaughan & The Count Basie Orchestra "Send In The Clowns"

Sarah Vaughan (1924-1990) y su trío habitual tocan en este maravilloso álbum de estudio "Send In The Clowns" con Count Basie (1904-1984) y su orquesta, el trío se integra dentro de la sección rítmica de Basie y ella pone su voz  junto a los recursos flexibles y versátiles de la gran banda del "Conde", produciéndose una explosiva combinación con la magnífica, gloriosa y delirante voz de Vaughan y el swing intrépido de la Banda de Count Basie. La Big Band de Basie es memorable y la voz de Vaughan se incorpora como un instrumento más, un instrumento perfectamente afinado, impecable, con un alcance de tres octavas puede modular su voz hasta límites increíbles, en los graves por ejemplo alcanza registros de barítono. Sarah Vaughan abandona el Gospel y se pasa al Jazz donde sus excepcionales dotes interpretativas, inventivas y de improvisación alcanzan su máxima expresión.

"Send In The Clowns" es el resultado de un largo desencuentro entre la vocalista y el pianista que duró veinte años desde su última grabación juntos, temas como "If you could see me now" que fue su primera obra maestra en disco y que siempre ha estado en sus repertorios, como no, también está "Send in the clowns" tema que da nombre al álbum y seguramente su versión definitiva, "I gotta right to sing the blues" un tema espectacular para abrir el disco y como no otra versión del "Just Friends", en todo los temas Sarah Vaughan aborda la situación con comodidad, actuando con la Banda de forma recíproca como lo haría cualquier otro instrumento y haciendo gala de su canto "Scat" que es esa improvisación vocal con palabras y sílabas sin sentido que convierte la voz en un instrumento más (scat, skett, skee, do doodle do, be duh be...etc.).

El disco lo produce Norman Granz para la Pablo Récords, se graba en  Group IV Studios Hollywood en California los días 16 y 18 de febrero y 16 de mayo de1981, cuenta con un total de diez temas selectamente elegidos y algo más de cuarenta minutos de duración total, los arreglos y la dirección son de Sam Nestico y los créditos son además de Sarah Vaughan como vocal y Count Basie al piano y dirigiendo su Orquesta, encontramos a George Faffney al piano, Freddie Green con la guitarra, al bajo Andy Simpkins, en la batería Harold Jones, en la línea de trompetas están Sonny Cohn, Frank Szabo, Willie Cook, Bob Summers y Dale Carley, en los trombones Mitchell "Booty" Wood, Bill Hughes, Dennis Wilson, Grover Mitchel, en la línea de saxos tenemos a Kenny Hing, Eric Dixon, Bobby Plater y Johnny Williams, un lujo de Big Band.

En la grabación hay magia, hechizo, embrujo que de alguna manera evoca los tiempos en los que Vaughan y el Conde compartieron escenario en el Birdland, el disco es un regalo para el alma.

De 5 > 10 mi valoración es: 9

Te dejo este vídeo con el tema "Send In the Clowns"

Oliver Nelson & Eric Dolphy: "Straight Ahead"

Portada del vinilo

Straight Ahead es el disco de Nelson que precede al afamado disco de culto "The Blues and the abstract Truth", ambos lanzados en 1961 y de alguna manera Straight Ahead es un presagio de lo que estaba por venir. Como casi todos los discos de Nelson tiene una corta duración sólo 38:52 minutos, lo conforman un total de 6 temas, 5 son de Oliver Nelson, "Blues New Ralp" es del mítico vibrafonista Milt Jackson, el álbum se graba para el sello Prestige y se edita con la etiqueta de New Jazz, se remasteriza en 1989 y se vuelve a editar en CD en 1998. La sesión de grabación tiene lugar en los afamados estudios de Van Gelder en New Jersey y es de destacar que todos los temas se graban a la primera toma lo que nos da una idea del grado de empatía y compenetración del quinteto que estaba formado por Oliver Nelson tocando el saxo tenor, saxo alto y clarinete y que está sencillamente espectacular y en un delirio interpretativo continuo con Eric Dolphy que toca el saxo alto, clarinete bajo y flauta, Richard Wyands toca de forma discreta el piano, George Duvivier con el contrabajo y Roy Haynes con la batería.
El disco tiene dos protagonistas claros el vanguardista y atrevido Eric Dolphy y el arreglista y más conservador Oliver Nelson, ambos llevan en vena  puro Hard Bop, de estilos diametralmente opuestos, distintos, diferentes, motivos por los que se complementan al cien por cien, sin fisuras ofreciendo un abanico de solos de alta calidad interpretativa, formando un dúo que se dan la alternativa continuamente en una lucha por brillar más y más, al final quien brilla es la música, ambos crean un ambiente mágico producido por la sinergia sin fin creada entre los músicos, así podemos disfrutar de los tonos puros de Nelson junto a la valentía y elasticidad interpretativa de Dolphy.
Sin duda el compositor, músico, director y arreglista supo elegir bien a su compañero de viaje, todas las colaboraciones Nelson/Dophy han resultado brillantes y este disco es un botón de muestra de esa maestría plasmada en "Straight Ahead" un disco altamente recomendado, como casi siempre el álbum no triunfó cuando se editó y ha sido con el paso de los años que el tiempo lo ha puesto en el lugar que le corresponde.

De 5>10, mi valoración es: 9

Te dejo este vídeo

Jackie McLean & Dexter Gordon: "Montmartre Summit 1973"

Genial unión del saxo alto de Jackie McLean (1932-2006) y del saxo tenor Dexter Gordon (1923-1990), saxo alto y tenor uniendo fuerzas en un apasionante "duelo" entre dos gigantes del Hard Bop. Raro es el músico de la época bop o post bop que no tuvo problemas con las drogas que de una u otra manera produjera alguna irregularidad en su trayectoria musical, éste es el caso de estos dos músicos, ambos tuvieron problemas serios con las drogas, en el caso de Jackie McLean además le costó la cárcel, esta situación le lleva a una intromisión personal que afecta a sus creencias religiosas lo que hace que esté apartado varios años de la música. McLean y Gordon por unos motivos u otros se apartan de la música para regresar y hacerlo con ímpetu y fuerza.
En 1973 superados viejos problemas, los días 20 y 21 de julio en el Jazzhus de Montmartre en Copenhague se realiza esta grabación en vivo donde McLean y Gordon parecen empeñados en demostrar el buen momento musical y de creatividad por el que atraviesan y deciden hacerlo juntos demostrando que "la unión hace la fuerza" ambos saxos se encuentran perfectamente arropados por el trío de Kenny Drew (curiosamente fueron vecinos en su juventud) compuesto por el mimo Drew al piano, Niel Pedersen con el contrabajo y en la batería Alex Riel quienes tienen una actuación de lujo. El álbum editado en dos discos se graba para el sello Steeplechase y cuenta con un total de trece temas que oscilan entre los diez minutos y  algunos de ellos de hasta veinte minutos de duración donde Gordon y McLean juegan a sus anchas ya que en vivo es donde se produce esa magia necesaria entre el músico y su público que hace que surja la empatía musical y emocional que a veces es capaz de sacar lo mejor de un instrumentista y eso es exactamente lo que ocurre en esta grabación que saxo alto y tenor tienen un momento óptimo y su química es obvia lo que hace que se les vea cómodos e inspirados, dándonos este momento legendario con parte de lo mejor de ambos.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Joe Pass: Virtuoso #3

Caratula del Virtuoso #3

No se me ocurre un mejor nombre para este álbum "Virtuoso", con éste título el hábil Norman Granz produce para la Pablo Récords una serie de cuatro discos, siendo éste el tercero de ellos que se denomina "Virtuoso #3",  cuenta con un total de 12 temas todos originales, la grabación se realiza en dos sesiones una el 27 de mayo y otra el 1 de junio de 1977, la duración del álbum es de 59 minutos. Según algunos críticos es el más "flojo" de los cuatro, en mi opinión es un disco brillante de principio a fin. Con Granz,  Joe Pass (1929-1994) resurge de sus cenizas después de más de una década perdida para la música a causa de las drogas, el productor se fija en su trayectoria y le invita a sumarse a su proyecto, así con el sello Pablo grabaría lo mejor de su carrera.
Hablamos de un disco de sólo guitarra, si algo define a este álbum es la pasión que el músico desarrolla durante toda la grabación, liberando melodías sin parar con gran virtuosismo y maestría, también libera un caudal de buenas vibraciones que se perciben, que te empapa hasta el último poro de la piel. Virtuoso y su estilo pulcro, limpio y elegante, su técnica depurada, su sensibilidad y desbordante capacidad de improvisar, lo convierten en una estrella del jazz, donde Pass da rienda suelta a su talento convirtiéndose en un creador e interprete sin igual, consiguiendo un sitio de privilegio entre los grandes genios que este instrumento ha tenido, Pass marca de forma clara y precisa las posibilidades de la guitarra.
Destacar que una de las técnicas que utiliza consiste en utilizar las dos últimas cuerdas graves de la guitarra, creando con ello la ilusión de que un contrabajo acompaña a la guitarra, esta técnica se denomina "walking bass", el efecto creado es el de dos músicos punteando juntos y desarrollando las líneas melódicas. No acaba aquí su estrategia ya que también utiliza el "finger-picking", una manera de aprovechar la resonancia de los acordes  y tocar a continuación la melodía para que ambos sonidos se superpongan durante la escucha, te hace  creer con ello que hay más de un guitarrista. El disco se ha convertido en un referente para estudiantes y guitarristas profesionales. Es un álbum que debes tener en tu memoria y en tu biblioteca musical, indispensable. Termino el post como lo comencé no se me ocurre un nombre mejor para esta serie de grabaciones que "Virtuoso".

De 5 > 10, mi valoración es: 8


Te dejo un enlace con "Minor Detail", corte nº 7 del álbum Virtuoso #3

Michael Brecker: Michael Brecker

Te dejo este vídeo del tema "Sea Glass", primer

corte del álbum

Primer álbum como líder del saxofonista de Filadelfia, anteriormente dedicó mucho tiempo de su carrera como músico de estudio que era constantemente reclamado por artistas de la talla de Frank Sinatra, James Taylor,  Eric Clapton o Bruce Springsteen entre otros, da un primer paso con su hermano creando la Brecker Brothers y no es hasta 1987 cuando decide caminar sólo y sacar al mercado el álbum "Michael Brecker".
Si algo me gusta de Brecker (1949-2007) es la forma que tiene de soplar el instrumento, concisa, clara, ágil, nítida, sin fisuras ni escapes, con energía y vitalidad que desborda cualquiera de sus interpretaciones, incandescente, siempre al rojo vivo y eso te lo sabe transmitir como nadie, se mete en la piel, se hace con tu audiencia, y experimentas algo profundo que muy pocos músicos te transmiten. Brecker tiene ese privilegio.
El álbum se graba en NYC, producido por Don Grolnik y el propio Brecker, cuenta con un total de siete temas, tres de ellos compuestos por el saxofonista, con una duración total de 56 minutos, se graba para la discográfica MCA/Impulse y los créditos del disco son inmejorables en la batería Jack DeJohnette está deslumbrante, Charlie Haden en el bajo, como siempre pulcro y elegante, Kenny Kirkland en los teclados y sutil y sugerente en la guitarra Pat Metheny, más arropado en tu primer lanzamiento no se puede estar, un Quinteto de lujo.

Portada del disco

El disco es un regalo para los oídos, de un jazz academicista, puro y transparente y a la vez impredecible, con unos temas que ponen a prueba a los músicos en un desafío constante, donde Brecker lidera con autoridad y determinación, estando brillante durante toda la grabación. A partir de este álbum Brecker que contaba con 38 años se hace asiduo en los circuitos de jazz afianzándose como saxo tenor y dejándonos un gran legado musical. El disco es altamente recomendado.


De 5 > 10, mi valoración es: 8

Keith Jarrett: Río

Portada del disco

Sólo ante el blanco y negro de las teclas de su piano Steinway, delante suya todo un auditorio repleto de gente respetuosa y cálida, en concreto el viejo teatro municipal de Río de Janeiro. El músico sin ninguna idea preconcebida, sin guión, sin boceto melódico alguno, dispuesto a improvisar y el público deseoso de oír. El problema de este escenario que dibujo "es comenzar", luego todo fluye solo, se avanza, se crece y se hace uno el dueño del escenario y de lo que produce. El resultado un disco que rebosa vitalidad y energía por todas partes, tres causas posibles para ello 1ª el buen momento sentimental y de creatividad que el músico reconoce atravesar en ese momento, 2ª la seguridad de llevar cincuenta años en este mundo y 3º la conexión que se establece entre el pianista y su auditorio. Se nota que Jarrett en esta grabación está suelto, relajado, cómodo y que eso desemboca en momentos de creatividad, de osadía que hace que aún se crezca más. El disco en sí es un desafío, un reto a la creatividad desde la improvisación, delicado, enérgico, lírico, melancólico y es que una vez más el pianista de Allentown logra la genialidad.
El álbum se graba el 9 de Abril de 2011 en Río de Janeiro para su discográfica de las últimas décadas la ECM, tiene una duración de 90 minutos y la grabación está editada en dos discos con un total de XV partes que oscilan entre los 3 y 9 minutos de duración, el primer disco recoge desde la parte I hasta la VI y el segundo desde las partes VII a la XV. El propio Jarrett al finalizar el concierto queda tan satisfecho que llama a su productor para que edite este concierto. En palabras del pianista "a la sociedad occidental le falta frescura, los que han estado en Río estaban realmente vivos".
 "Rio" es el décimo álbum que edita de sólo piano y uno de los mejores de su vida. El concierto es un derroche de preciosismo, un compendio de toda su carrera musical, donde se le reconoce con frescura como si en algún instante estuviera tocando standars y donde el músico despliega todo su arcoiris musical dando guiños a la música culta, a la atonalidad al impresionismo, a las raíces, etc. de tal manera que cada una de las partes del disco constituyen mundos sonoros singulares y deslumbrantes. No faltan los sonidos guturales que el pianista suele realizar al compás de su piano, aunque con menor frecuencia que en otras grabaciones. Un deleite.

De 5 > 10, mi valoración es 10


Te dejo este vídeo con la Parte XV:

John Coltrane Quartet: Crescent

Caratula del mítico Crescent

Crescent es una de las obras de John Coltrane (1926-1967) más injustamente infravaloradas, eclipsada, sin duda, por su siguiente grabación "A Love Supreme" con la que inaugura una etapa de su vida cada vez más frenética y que le llevaría hasta su muerte. Crescent es a pesar de "A Love Supreme" uno de los discos más venerados de su carrera porque en él Coltrane proyecta uno de los momentos más lúcidos y equilibrados de su vida y de su trayectoria, donde es capaz de construir solos de una belleza fascinante, el músico se despliega ante los oídos del mundo de una forma tranquila, sosegada, reflexiva y relajada, consiguiendo que el sonido de su saxo fluya con cuerpo, creando una atmósfera densa, delicada y bellísima, donde consigue expresar exactamente lo que quiere sin que sobre ninguna improvisación innecesaria o gratuita. El tiempo pone las cosas en su sitio y "Crescent" es de lo mejor de Trane.
El álbum tiene una duración de 40 minutos que pasan rapidisimo, con cinco temas compuestos por Trane y que corresponde a su etapa con la discográfica Impulse, la sesión se graba en dos partes "Crescent" y Bessie´s Blues" el 27 de Abril de 1964 y el resto de temas el 1 de Junio de ese mismo año en los estudios de Rudy Van Gelder en NYC. El cuarteto está formado por Coltrane con el saxo tenor donde expresa su sentimiento más íntimo y sincero, McCoy Tyner con el piano está descomunal tejiendo texturas armónicas hechas a medida de Trane, Jimmy Garison, sinuoso y virtuoso con su bajo en un derroche de creatividad y expresión y Elvin Jones que tiene tiempo para lucirse en el último de los temas de la grabación "The drum thing" estando inusualmente delicado. Sólo los créditos del cuarteto lo dicen todo, pero además en esta grabación están muy bien conjuntados, siendo capaces de expresar estados de ánimos de gran alcance, sonando como una unidad rica en matices, exhibiendo un grado de compenetración admirable y difícil de superar.
Con "Crescent" es como si Trane hiciera un alto en su carrera y recapitulara en esta grabación toda la fascinación de su estilo hasta ese momento, mostrando al mundo toda su sutiliza, serenidad, exotismo y sinuosidad, es como la otra cara de Trane, la lírica, la lúcida, la más intimista, hay en su música un mensaje que va más allá del  que nos ofrece con su saxo y en el que viene a decirnos más o menos que está en paz con el mundo, en palabras de Trane "es una de las maneras de decir cuan grande y bello es el universo en que vivimos, que nos ha sido dado". Crescent es para mí de lo mejor de su legado, bello y majestuoso. Imprescindible en tu memoria y en tu biblioteca musical.

De 5 > 10, mi valoración es: 10