Charlie Haden, Paul Motian & Geri Allen: "Etudes"

Portada del disco

Dos mitos del jazz junto a una joven promesa, el contrabajista Charlie Haden que es como esos vinos buenos que con el tiempo mejoran, famoso por compartir música con Ornette Coleman, hoy Haden (1937) está en su mejor momento reivindicando el lugar que le corresponde por su trayectoria, por otro lado, el recientemente fallecido Paul Motian (1931-2011) quien hizo lo mismo con su batería al lado de Bill Evans. Dos veteranos reconocidos del jazz que aúnan esfuerzos para arropar a Geri Allen (1957), ellos ya habían triunfado cuando ella aún no había visto las teclas de un piano, pero la diferencia generacional nunca ha sido un obstáculo en el arte y en la música en particular, así "Etudes" se convierte en la primera colaboración de este trío y sin duda alguna su mejor grabación de estudio, el disco se graba en septiembre de 1987 en NYC y cuenta con nueve temas que rezuman la experiencia de una increíble base rítmica, tocada con lirismo, con cariño, contrabajo y batería unen la experiencia de años de manera tranquila, sosegada, reposada, cálida como arropando con su experiencia a la joven promesa que sobre el blanco y negro del teclado de su piano toca resuelta, consciente de su responsabilidad, decidida, cogiendo la alternativa que se le ofrece y que resuelve de manera magistral.
El disco ya convertido en un clásico, fue innovador en el sentido que cuando se grabó había mucho trío y pianista en particular tocando standars del jazz, Geri Allen nos abrió nuevos caminos, cosa que apreciamos nada más escuchar "Lonely Woman" tema que abre la grabación donde Allen nos obsequia con un refinamiento que para nada denota estar inhibida ante la presencia de dos dioses del Olympo, toca con gusto, elegancia, convicción y mucha sensibilidad, incluso con cierto aire "Monk", el resto de composiciones se lo reparten entre los tres, dando como resultado global un álbum sin artificios, sin adornos innecesarios, un disco tranquilo, sencillo y con tintes azulados.

de 5>10 mi valoración es: 7

Wayne Shorter: "Speak No Evil"

Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter

Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.

De 5>10 mi valoración es: 10

MJT + 3: Make Everybody Happy

Caratula del disco

MJT + 3 o el Modern Jazz two + 3, es un grupo hard bop reunidos a iniciativa del batería Walter Perkins, quien realizó trabajos con Lester Young, Coleman Hawkins, Ben Webster o Sonny Rollins, entre otros, tenía una idea fija en su cabeza, era la creación de su propia banda, así en 1957 forma la MJT + 3 logrando sobrevivir como grupo hasta el año 1962, Perkins había alimentado durante años el sueño de poder mantener el quinteto trabajando por todo Estados Unidos y no solamente como un "grupo local" de Chicago, finalmente su tesón fue recompensado y el grupo fue reconocido no sólo en EE.UU. sino que su reputación traspasó sus fronteras, formando parte de la historia del jazz. El vinilo "Make Everybody Happy" se graba en 1960 en NYC para la Vee Jay Récords, en total graban tres discos para esta discográfica, siendo éste el segundo, habiendo alcanzado los mismos bastante popularidad. El grupo está formado por el saxo alto Frank Strozier, en la trompeta Willie Thomas, Harold Mabern con el piano, en el contrabajo Bob Cranshaw y el fundador Walter Perkins a la batería. Presentan un estilo hard bop, consistente, compacto, donde saxo y batería tienen un fuerte protagonismo, pero a la vez se les percibe como grupo bien armonizado. Frank Strozier es el músico más destacado, su saxo suena entre el sonido atropellado de Jackie McLean y la elegancia de Art Peppers. Saxo y trompeta hacen frente común estableciendo una linea de vientos muy interesante.
El álbum lo componen un total de siete temas y unos 46 minutos de música bien elaborada, bien compactada, tienen un sonido genuino, original que enseguida se les reconoce. Adquirí este Lp a principios de los 80´s y desde entonces ha sido uno de los favoritos de mi biblioteca musical. Tan corta vida, cinco años no dan mucho de sí, pero esta grabación "Make Everybody Happy" es un trabajo que por interesante se hace un hueco entre los grandes discos de la historia del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 5

McCoy Tyner Trío: Infinity (Featuring Michael Brecker)

Portada del disco de McCoy Tyner con
Michael Brecker

En este enlace puedes clickear y escuchar "Impressions" de John Coltrane donde Michael Brecker se luce http://www.youtube.com/watch?v=lWIt4PtJwM0

Me niego a hablar del gran McCoy Tyner (1938) como el pianista de John Coltrane, que lo fue, y que fue una etapa brillante que le sirvió para cimentar su interesante carrera, habiendo contribuido durante los últimos 50 años a ser uno de los pianistas que más influencia han ejercido, sólo superado claramente por Bill Evans, aunque hablamos de estilos distintos. Tyner mantiene vivo el estilo que tantos frutos le dio décadas atrás, por tanto, se mantiene fiel a la originalidad que fue capaz de crear en los sesenta, por otro lado, Michael Brecker (1949-2007), saxofonista tristemente desaparecido, quizás el mejor saxo de la década de los ochenta y noventa, en esta grabación lleno de fuerza, energía y vitalidad, no he conocido a ningún saxofonista que sople el instrumento como Brecker, su técnica con la boquilla y la caña del instrumento es perfecta produciendo sonidos vigorosos llenos de luz y energía y eso se nota en esta grabación donde encontramos a un McCoy Tyner que no arriesga y que hace lo que sabe hacer y a un Michael Brecker que es la verdadera estrella del disco y nos demuestra todo lo que era capaz de hacer.
El disco está grabado para Impulse en 1995 y pianista y saxofonista se entienden a las mil maravillas, es uno de esos discos donde se funden lo clásico y lo innovador, Tyner y Brecker, la mayoría de los nueve temas que conforman el disco están compuestos por el pianista salvo dos excepciones una de Thelonious Monk "I Mean y Good morning, heartheache" y el famosisimo "Impressions" de John Coltrane, que es uno de los temas en que Brecker se luce, el disco está plagado de momentos álgidos, entre ellos el demoledor tema con el que el disco comienza Flyin high donde podemos ver la buena empatía existente entre los músicos. Los otros dos miembros del trío de McCoy Tyner son el bajo Avery Sharpe y el batería Aaron Scout, ambos, no muy conocidos pero que realizan un trabajo impecable.

Michael Brecker

Buen equipo, buena empatía, buena música. En mi opinión el disco se escora del lado de Michael Brecker que creo que está inspiradisimo en esta grabación y esa inspiración se la contagia al resto de músicos incluido el mismísimo McCoy Tyner, donde el pianista está haciendo lo que se espera de él y el saxo se convierte en una demostración de lo que Brecker era capaz de tocar, roza la excelencia. Es una pena que su desaparición  nos haya privado de lo que éste músico nos podría haber brindado con su saxo tenor.

De 5>10 mi valoración es: 9

Brandford Marsalis Quartet: "Metamorphosen"

Caratula del álbum, estética de fondo
de escritorio para Pc

Clickea este enlace y oye al quartet de Marsalis http://www.youtube.com/watch?v=8wvI-vLsVGs


Brandford Marsalis (1960) es miembro de una de las familias con más prestigio de la historia del jazz, Wynton, Jason y Delfeatyo (hermanos) y Ellis (padre) completan la saga de New Orleans.
El Brandford Marsalis Quartet es una de las formaciones  más solidas que existen en la actualidad en el circuito internacional, el cuarteto lleva diez años juntos, manteniendo su formato original desde su creación, durante este tiempo el grupo no ha parado de crecer, ofreciendo una imagen compacta, fuerte, sólida, desarrollando una intuición común y un fuerte sonido colectivo, todos tienen algo que decir y aunque la banda lleve la marca "Marsalis" cada uno de sus componentes tiene un fuerte poder específico dentro de la misma, de hecho en Metamorphosen, Marsalis sólo compone uno de los nueve temas que conforman el álbum, el resto lo firman los otros tres miembros del Quartet y otro es del legendario Thelonious Monk. El grupo está formado por: Marsalis con el Saxofón (alto), Joey Calderazzo con el piano, Eric Revis con el bajo, y en la batería Jeff Tain Watts.
La grabación, de estudio, se realiza en marzo de 2009 para la "Marsalis Music" sello creado por el propio Brandford en 2002. Metamorphosen, metaformosis en alemán, se mueve entre lo novedoso, lo moderno, lo contemporáneo a la vez que muestran un gran respeto, casi reverencial por las formas clásicas del jazz. El sonido es muy bueno, único, potente, sólido, rocoso, compacto y a la par ágil, frágil, lírico y ligero  por momentos, ganando en intensidad conforme la audición del disco va avanzando, donde se observa la gran compenetración que existe entre los músicos que tocan si como de una unidad se tratase, una batería potente y ágil, perfectamente armonizada con un bajo rotundo, sinuoso y limpio y saxo alto y piano tocando e improvisando como si de un vuelo raso se tratase, sobre la base rítmica de forma magistral, el resultado es este "Metemorphosen" que de alguna manera, nos muestra la metamorfosis lenta, pausada, hacia la calidad y la excelencia musical, que el Brandford Marsalis Quartet ha llevado a cabo.

De 5>10 mi valoración es: 8

Brandford Marsalis Quartet

Bill Evans: Waltz for Debby

Caratula del disco de Evans

Bill Evans (1929-1980) peinado hacía atrás con gomina, moreno,  de piel muy blanca, gafas de concha negra y perenne cigarrillo en los labios, traje oscuro, camisa blanca y corbata negra, ésta era la imagen de Bill Evans, la imagen de un país, la imagen del sueño americano. Bill Evans es uno de los músicos más controvertidos del jazz por su fuerte personalidad con el piano, carente del suficiente "swing" se abraza al estilo clásico  impresionista europeo abandonando el predominante "afro" del momento, lo que hace que sea distinto al resto, más austero e introvertido, definido como un "poeta del piano", es simple, elegante, intenso, así era Evans con el piano.
Waltz for Debby es una grabación en directo realizada en el Village Vanguard de NYC en 1961, en concreto es la última grabación que realizaron. El disco está dedicado a la sobrina de Evans llamada Debby. Algunos de los tops lo incluyen entre los mejores 100 discos de la historia, éste año 2011 se han cumplido 50 años de la grabación del disco, de la gestación de esta maravilla, uno de los grandes hitos musicales del Siglo XX. Bill Evans pone de manifiesto en Waltz for Debby todo el potencial armónico del jazz, logrando en unánime expresión poner de acuerdo a músicos, críticos y seguidores en cuanto a la calidad interpretativa del disco que se convierte por méritos propios en el mejor de su carrera musical.
El trío de Evans formado por él al piano, Scott LaFaro al contrabajo y Paul Motian en la batería, donde el bajo y la batería cobran protagonismo para ponerse a la altura de instrumentos solistas, así piano, bajo y batería establecen diálogos , conversaciones, donde se consigue una atmósfera desconocida en el jazz hasta ese momento, todos los tríos actuales de jazz beben de esta formula. Quiero destacar también la excelente grabación donde Evans está inconmensurable por el canal derecho, el excelente contrabajo de LaFaro por el canal izquierdo y en el centro Paul Motian acaricia a ambos con las escobillas de su batería, para que el disco sea más auténtico de fondo se oyen chocar de copas, risas y murmullos. Temas como "Waltz for Debby" o "Milestone" de Miles Davis, se convierten en clásicos del jazz a partir de esta edición, siendo reeditada  por decenas de músicos. Estilo cool del bueno, un clásico entre los clásicos que hizo que Bill Evans esté considerado uno de los tres mejores pianistas de jazz de todos los tiempos.

Valoración Personal: 10 

Lee Konitz New Nonet

Carátula del álbum de Konitz

De nuevo el saxofonista alto Lee Konitz (1927), nos deleita con un nuevo noneto, no es la primera vez que tiene este tipo de formación, ya lideró el Lee Konitz Nonet en los años 70´s, concretamente es la tercera vez que Konitz reúne a su noneto en sesenta años de carrera musical (se dice pronto), sigue liderando el grupo de forma indiscutible aunque delega funciones en el también saxofonista en este caso tenor Ohad Talmor, la experiencia funciona a las mil maravillas, del grupo surge música para archivar en nuestra memoria. El disco se grabó en vivo en el Standar Jazz de NYC en 2006 y temas como la "Suite ChromaticLee" que se divide en seis partes, tiene influencias claras de Miles Davis (1949 Miles Davis Noneto) y aires de una gran modernidad, aportada por la gran cantidad de músicos jóvenes entre los que se encuentra el Director de la Banda Ohad Talmor. Todos los temas del álbum han sido compuestos por Konitz a excepción de un tema que compone Talmor, así Konitz muestra al mundo del jazz el rodaje de sus años de carrera. El dúo funciona bien, Lee Konitz es un tesoro y Talmor un perfecto arreglista y su mano se nota a lo largo de toda la grabación, pero no todo el trabajo lo hacen ellos dos, el trabajo de campo lo hace el noneto y la astucia de Konitz está en la combinación de los músicos y de los instrumentos.
La Suite abre magistralmente el álbum, aunque parece que el trabajo se vuelve más solido en los temas individuales, que ganan en fuerza con un aire cool indudable, donde se aprecian más las distintas gamas tonales y que deleitan el paladar auditivo, de ello se encargan : Bob Bowen en el bajo; Jacob Garchik con el trombón; Dimos Goudaroulis en el cello; Russ Johnson con la trompeta; Lee Konitz saxo alto; Dennis Lee con el clarinete bajo; Ben Monder con la guitarra; Oscar Noriega con clarinete; Ohad Talmor saxo tenor y director musical y Matt Wilson con la batería. Quiero destacar el uso impecable, inteligente, innovador, elegante de la batería que le da un aire fresco a toda la grabación, de las mejores intervenciones con la batería que he escuchado nunca. Doce temas de un álbum innovador (incluida la Suite), no debe ser fácil tener sesenta años de historia a las espaldas y sonar fresco y satisfacer a la vez a quienes te escuchan por tu cool, por tu bop y por tus innovaciones o por la modernidad, éste disco lo tiene todo se mueve en el alambre del funambulista creando equilibrios con clase entre el pasado y el presente. Un gran disco.

De 5>10 mi valoración es: 9

Lee Konitz New Nonet

Bob James & Earl Klugh: "One on One"

Portada del disco

Clickea este enlace y escucha el tema Kari http://www.youtube.com/watch?v=SmQpAKhcuV4

No hablamos de un disco de jazz al uso, es jazz, pero es distinto, es smooth jazz o jazz lento, suave, música cálida con sabor a verano, belleza en las notas, serenidad que te hace viajar a tu interior y pasear entre tus recuerdos evocando lugares y cosas hermosas, podríamos decir que es jazz aterciopelado.
Bob James y Earl Klugh cada uno de ellos vale por si solo, cada uno de ellos tiene una exitosa carrera musical, sin embargo son dos genios que parecen que nacieron para trabajar juntos, discográficamente comparten sólo tres producciones One on One 1979, Two of a kind 1982 y Cool en 1992. Bob James habla de Klugh como su guitarra favorito. Piano y guitarra acompañados por un elenco de músicos impresionantes Eric Gale en la guitarra, Ron Carter con el bajo, también con el bajo está Gary King, Ralph McDonald con la percusión, Harvey Mason en la batería y detrás de todos ellos una orqueta dirigida por David Nadien y formada por 7 violines, 2 violas, 2 cellos y 5 vientos. El disco que se grabó en 1979 para CBS tiene una excelente grabación de la que Bob James es el Productor, Director y Arreglista. En total el álbum lo componen 6 temas a cual de ellos mejor, las composiciones de los temas se los reparten a partes iguales entre los dos, el disco se abre con Kari que ya de por sí es una maravilla, ya vale por todo el disco, todo el álbum tiene el objetivo de deleitarnos y acariciar nuestra sensibilidad de susurrarnos musicalmente los oídos. Compré este vinilo en 1980 desde entonces lo he escuchado miles de veces y siempre suena fresco, dulce, siempre me evoca el mismo estado anímico de rélax, de belleza, de armonía, de suavidad, de elegancia, de ese smooth jazz tan preciosista que generan estos dos músicos,  James y Klugh, piano y guitarra en una armonía tan perfecta que no debieron separarse nunca, son la cara amable de la fusión.

Bob James & Earl Klugh

los temas del disco son:
 1.- Kari
2.- The Afterglow
3.- Love Lips
4.- Mallorca
5.- I´ll See You Smile Again
6.- Winding River

De 5>10 mi valoración es: 7      

The George Shearing trio: 500 milles high

Carátula del disco de Shearing

     George Shearing (1919-2011) pianista ciego de jazz, nacido en Londres. Su estilo se mueve entre el bop, el swing y el cool y ha sido gran admirador de pianistas como Earl Hines, Teddy Wilson, Errol Garner, Art Tatum o Bud Powell. Para abrirse camino dentro del mundo del jazz se traslada a vivir a NYC donde termina nacionalizándose. Durante su carrera toca con músicos tan dispares como Oscar Pettiford o Buddy de Franco. Sus grabaciones más emblemáticas las realiza para las discográficas MGM récords y Capitol, cuenta en su haber con dos premios Grammys. 

     Shearing se ha movido muy bien dentro del bop y eso es lo que rezuma este álbum un hábil equilibrio entre el swing, el cool y el bop moviéndose hábilmente entre distintos estilos como si estuviese en aguas neutrales, extrayendo sus propias e interesantes conclusiones, dando vida a través del piano a sus ideas musicales. A mi personalmente George Shearing me recuerda a un músico de jam sessions, de bar, de estar escuchándolo con el murmullo de la gente de fondo, en realidad muchos de los mejores músicos de la historia del jazz han forjado su historia en garitos y bares, sobre todo pianistas, es todo un tópico, un bar y un pianista ciego, eso es lo que me evoca su forma de tocar jazz. "500 milles high" coge el título de un tema de Chíck Corea y dentro del álbum están Charlie Parker, Duke Jordan o Ben Webster entre otros que ya son historia, todos tratados por el piano de Shearing con mucho respeto y con el denominador común del bop. El disco se graba en junio de 1977 en los estudios de MPS en Villingen (Alemania), son 9 temas de un repertorio elegido minuciosamente que nos hará disfrutar de unos 45 minutos de buen jazz.

     El trío está formado por un piano, una guitarra y un contrabajo, George Shearing, Louis Stewart & Niels Henning Orsted-Pedersen, como vemos prescinde en la sección rítmica de la batería, crea con estos tres instrumentos un ambiente íntimo, suave, atemporal, personal, cercano, sin grandes alardes de virtuosismo, pero con todos los elementos necesarios para escuchar buen jazz.

De 5>10 mi valoración es: 5

Lou Bennett: "I Remember René"

Caratula del vinilo 

     Lou Bennett es el músico estadounidense más europeo, conocido en nuestro continente y desconocido en USA, sobretodo en Francia y España donde comparte residencia y conciertos en un 50%. Nace en Philadelphia en 1926, ya de niño aprende a tocar el piano, crea un trío que se inspira en la figura de Nat King Cole, su afición a la electrónica le hace cambiar el piano por un órgano Hammond, motivado después de escuchar a Jimmy Smith, aquello fue una revelación para Lou y uno de los acontecimientos que marcaron su futuro. Durante un tiempo compaginó el piano y el órgano Hammond hasta que éste último ganó la batalla, aprendió la técnica que a pesar de lo que pueda parecer, es muy diferente a la del piano, perfecciona una técnica propia de la que destaca el desarrollo de manera excelente e innovadora en el uso de los pedales. Muy influenciado desde su juventud por los temas religiosos, su música se mueve entre el gospel, el blues y el jazz, normalmente ha formado tríos de órgano, guitarra y batería, aunque a veces cambia la guitarra por un saxo tenor en cualquier caso posee un irresistible swing y un estilo increíble en los bajos que consigue extraer de su órgano creando un ambiente singular y espectacular.
     "I Remember René" es una grabación dedicada al genio de la guitarra René Thomas con quién Lou comparte estudio y escenario en multitud de ocasiones, el guitarrista murió cuando se disponía a dar su primer concierto en España junto a Lou de una crisis cardiaca. La grabación de este disco es de principios de los años 60´s  y en ella tenemos la suerte de escuchar a Lou Bennett y René Thomas juntos, junto a ellos está el saxo Jacques Pelzer y una sección rítmica sólida con Gilbert Rovére al bajo y Charles Bellonzi a la batería. El sonido combinado de guitarra, órgano y saxo es uno de los más agradables que el jazz puede ofrecer a sus oyentes. como anécdota contar que cuando se editó este disco en la edición original no figuró el nombre de Lou Bennett por algún tipo de impedimento contractual, así que se editó bajo el nombre de René Thomas, ya en ulteriores ediciones se corrige esta situación, como es evidente René Thomas no puede grabar un disco en homenaje a René Thomas. Lou Bennett a quien tuve la suerte de oír en concierto en la Sala de Jazz Georgia de mi ciudad, ha sabido crearse un sitio dentro de los grandes del jazz y ha sido capaz de crear un estilo propio con su viejo y mil veces reparado órgano Hammond y estar por encima de las críticas que sobre él vertieron otros músicos.
La grabacion realizada para la discográfica Barclay cuenta con seis cortes y tiene un sonido espectacular, donde se interpretan temas de René Thomas, Clifford Gray, West Montgomery o Jackie McLean.

De 5>10 mi valoración es 5.
      

Danilo Pérez: Providencia

Carátula del álbum Providencia

   Cada vez son más los músicos latinos que entran en el escenario del Jazz con fuerza como es el caso del Panameño Danilo Pérez, quien ya desde pequeño se empapó de la música que le enseñó su padre, Danilo recibe formación clásica y estudia con distintas becas en Estados Unidos, siendo aún estudiante ya toca con músicos como Paquito D´Rivera, en la década de los 80´s tiene una larga lista de colaboraciones Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Nuñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Gary Burton o Steve Lacy. Es en la década de los 90´s cuando adquiere madurez como músico llegando a grabar álbumes tan importantes como PanaMonk, dedicado al legendario Thelonious Monk,  el disco es nombrado "obra maestra del jazz" por el New York Times, siendo además elegido como uno de los 50 mejores álbumes de jazz piano.
     Providencia es su último trabajo en el que se exponen ideas nuevas, estilos singulares, donde se funden ritmos panameños como "el tamborito" con complejos ritmos. El disco suena a jazz renovado, en él se crean nuevos vocabularios musicales donde se entrelazan en perfecta armonía estilos, instrumentos y voces en una mezcla compleja que nos muestra otra manera de entender la música y el jazz en particular, lo clásico, el free, el hard, lo folklorico, lo afrocubano, el be bop, hasta reminiscencias de fado y como no el famoso bolero Panameño "es la historia de un amor" (Eleta Almaran) donde Danilo sin perder la armonía original del bolero crea ambientes mágicos. En definitiva el músico crea nuevas propuestas para el jazz contemporáneo.
     El disco se graba en 2010 para la discográfica Mack Avenue y son once los temas de este magnífico trabajo de jazz moderno, los músicos que conforman la grabación son: Danilo Pérez con el piano, Ben Street en el contrabajo, Adam Cruz como batería, Rudresh Mahanthappa con el saxo alto, Jamey Haddad en percusión, con las congas Ernesto Díaz, con una magnifica voz está Sara Serpa, Matt Marvuglio en flauta, Barbara Laffitte con el nada jazzístico oboe, Amparo Edo Biol con el desconocido corno francés, Margaret Phillips con el fagot y José B. Meza con el clarinete. Con este disco Danilo Pérez nos demuestra que es un músico comprometido con abrir nuevos caminos y nuevos aires al mundo del jazz.

 Clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=51OmGV8_H74 y escucha un ensayo de Danilo Pérez del tema Providencia.

De 5>10 mi valoración es: 8