Gil Evans: "The Individualism of Gil Evans"

Una de las cosas que te quedan claras cuando escuchas el disco de Gil Evans, es que es una obra que no se puede dividir en partes, que es un todo indivisible, integrado, su audición por partes queda inconclusa, incompleta, perdida las ondas en el espacio sin dirección.
El álbum se graba en seis sesiones entre septiembre de 1963 y octubre de 1964, la grabación original cuenta con nueve temas y una duración total de 55:22 minutos. Los créditos son increíbles, una Big Band en toda regla, un total de cuarenta músicos entre los que destacan: Gil Evans al piano y los arreglos, Thad Jones a la trompeta, Jimmy Cleveland al trombón, Wayne Shorter al saxo tenor, Phil Woods con el saxo alto, Eric Dolphy con clarinete bajo y saxo alto, Steve Lacy al saxo soprano, Kenny Burrell a la guitarra, Gary Peacock, Paul Chambers y Ron Carter al bajo y Elvin Jones a la batería, perdón por dejar al resto de músicos en el anonimato. Señalar que el personal varía entre las seis sesiones que componen la grabación.
Evans tuvo una actividad frenética en los cuarenta y cincuenta, sin embargo en los años sesenta más bien mantuvo un perfil bajo hasta la publicación de este disco, donde está a la altura de su expresión creativa y artística, exuberante en la composición y en la relación con el resto de músicos donde huye de acrobacias musicales y hace arreglos complejos, profundos y sutiles. El álbum mantiene durante todo el tiempo un ritmo lento, como a fuego lento con un ligero incremento, pero que no llega a hacer llama. Durante toda la escucha, conforme se va sucediendo el tiempo, el autor se va introduciendo en complejidades musicales que conforman el tejido musical de su obra.
Gil Evans fue uno de los arquitectos del sonido "cool" y este disco con la gran orquesta que tiene detrás escenifica su capacidad de ir más allá de las normas.

Valoración Personal:  9

Wayne Shorter: wayning moments

Caratula del álbum

No vamos a encontrar en wayning moments el mejor álbum de Wayne Shorter (1933), tampoco de Freddie Hubbard, pero ya se ve el germen de lo que está por llegar para ambos, son dos músicos en pleno desarrollo estilístico y músical. Sin innovaciones, ni viajes a otros mundos, Shorter está pisando firme el terreno, está incluso bastante tradicional, casi irreconocible diría yo. El joven Shorter en wayning moments se mueve entre un be bop de academia y un hard bop conservador, aún no le había llegado el momento del jazz experimental y se deja arrastrar por la corriente musical de la època, de la cual esta grabación es un buen reflejo. Predominan los temas de corta duración, con arreglos muy sencillos, lo que no da lugar para un gran lucimiento como solista, por lo que encontramos solos muy limitados, pero con un gran magnetismo y simplicidad que hacen el conjunto muy bello y divertido.
Wayning moments se graba en vinilo los días 2 y 6 de noviembre de 1961, aunque no se lanza al mercado hasta 1962, es de los primeros discos que Shorter graba como solista y lo hace en los estudios de la Universal en Chicago, para el sello Vee Jay, después vendría su contrato con la Blue Note y con ella algunas de sus grabaciones más importantes. El disco original cuenta con ocho temas y una duración de 32 minutos, con posterioridad se digitaliza y ya en la versión CD se incluyen "tomas falsas" hasta un total de 15 temas y una duración de 67 minutos. Las tomas falsas, son en realidad una "doble toma" de todos los temas excepto uno, sin que haya realmente una diferencia importante y de peso con respecto a las tomas originales, de hecho la versión en CD aporta poco al original e incluso confunde al oyente que no entiende muy bien el porqué de esas dobles tomas, cosas de las discográficas. Cronológicamente se encuentra entre Second Genesis (1960) y Night Dreamer (1964).
En cuanto a los créditos encontramos a Wayne Shorter con el saxo tenor, conservador, sin un gran lucimiento, pero apuntando maneras, Freddie Hubbard, muy joven, toca con la trompeta y es junto con Shorter el otro gran jazzmen del quinteto, con algunos solos espectaculares, aunque en lineas generales siguiendo la misma línea que el saxo;  Eddie Higgins toca el piano, discreto, pero realizando su cometido a la perfección; Jymie Merritt toca con discreción el doble bajo y Marshall Thompson la batería. Piano, bajo y batería no sobresalen pero consiguen crear un ritmo sólido con unos resultados globales bastante agradables.
En esencia es un buen disco, brillante por momentos, que no permite un gran lucimiento de sus solistas, pero que consigue armonizar una sesión de jazz de la época, una sesión de tránsito entre el be bop y el post bop. Lo que vino después es otro mundo.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Lee Morgan: Search for the New Land

Lee Morgan y caratula del disco sobreimpresionada

Search for the New Land  es seguramente el álbum que Lee Morgan (1938-1972) tuvo con una formación más moderna e innovadora, el trompetista de Philadelphia fijó su atención en la búsqueda y exploración de lo que fue su disco más exitoso, hablamos de The Sidewinder, del que trató de sacar el máximo provecho posible apurando el filón comercial, hasta el extremo de que la discográfica no lanzó el disco al mercado hasta dos años después de su grabación, con la intención de sacar la máxima rentabilidad posible al disco anterior, comercialmente tendrá su explicación, pero artísticamente es algo inexplicable. En Search for the New Land nos encontramos con un Morgan más intimista, más abstracto y a la vez centrado, en definitiva más maduro, con lo que consigue un álbum de una alta calidad técnica, más introspectivo y maestramente interpretado por una formación de lujo que estaba compuesta por Lee Morgan en la trompeta, Reginald Workman quien da un excelente juego con su bajo, Billy Higgins en la batería, arropa a todos los instrumentos y no destaca, lo mejor que le puede suceder en esta grabación, Grant Green está soberbio con la guitarra y aporta una calidad especial, como de otro mundo al conjunto, sobre todo en la pista que da título al álbum, Herbie Hancock elegante con el piano y Wayne Shorter disputando liderazgo con su saxo y ofreciendo un excelente juego de vientos con la trompeta. Un sexteto de lujo, formación que Morgan no juntaba desde 1950 y es que con este álbum consiguió uno de sus mejores registros. Todos los músicos están frescos y consiguen un estimulante resultado donde estiran los límites del  hard bop, corriente principal del jazz moderno de la época con especial creatividad.
El disco se graba en New Jersey el 15 de febrero de 1964, en los estudios del afamado Rudy Van Gelder, tiene una duración de 42 minutos, la posterior reedición en CD es un duplicado del LP origínal, son cinco temas intensos  todos ellos compuestos por Morgan, donde brilla como un compositor de gran talento, cronológicamente el álbum se sitúa entre The Sidewinder (1963) y Tom Cat (1964), sin duda años claves para el jazz y prolíficos para el trompetista.
En definitiva, la grabación es magnífica consiguiendo un doble objetivo, convencer y gustar a los puristas y también a los más vanguardistas, ya que es musicalmente innovadora, pero firmemente atada a la tradición, dando como resultado un disco estimulante, agradable y coherente que te invita a su escucha una y otra vez.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Te dejo un video con el tema Morgan the pirate

Art Blakey: Thermo

Al hablar de Art Blakey (1919-1990) no se puede disociar del proyecto que crearon en 1953 entre él y Horace Silver, aunque al fínal  fue Blakey el verdadero protagonista de esa "Escuela de Jazz" llamada The Jazz Messengers, tanto que la unió a su nombre denominándose durante tres décadas como Art Blakey and The Jazz Messengers, por la que pasaron algunos de los músicos más importantes del jazz de la segunda mitad del siglo XX, contribuyendo a dar personalidad propia al movimiento Hard Bop.
Thermo en su edición original es un Lp doble de vinilo que aúna las grabaciones de otros tres discos de Art Blakey que se grabaron para el sello Riverside y que son; "Caravan" de octubre de 1962, "Ugetsu" grabado en directo al 16 de junio de 1963 en el afamado Birland y "Kyoto" un homenaje de Blakey a Japón que también se graba en el Birland el 20 de febrero de 1964. Thermo cuenta con todas las pistas de "Ugetsu" y una selección bastante buena de los otros dos, tanto que el álbum tiene un sonido homogéneo, compacto y uniforme, ya que se trata de la misma formación musical en los tres discos. Se trata del sexteto que Art Blakey tuvo con los Jazz Messengers entre 1962-1964, nada más y nada menos que Freddie Hubbard en la trompeta, Wayne Shorter en el saxo tenor, Curtis Fuller en el trombón, Cedar Walton al piano, Reggie Workman en el contrabajo y por supuesto Art Blakey en la bateria, Un sexteto de lujo con una dulzura conmovedora por momentos y duros en la escucha a veces, donde Hubbard y Shorter aportan toda la fuerza del hard bop en sus respectivos vientos, estando frescos, ágiles e innovadores, Curtis Fuller tiene una presencia muy discreta, pero impecable y Cedar es sin duda, uno de los favoritos del grupo, Art Blakey cohesiona, dirige y mantiene la unidad y disciplina del sexteto, dando como resultado un grupo sólido.
El álbum cuenta con un total de doce pistas, de las que 5 son compuestas por Shorter, una aporta Cedar Walton y otra Curtis Fuller, por su lado, Hubbard aporta dos temas propios, uno de ellos inéditos en los tres discos anteriores y que es el plato fuerte de este doble vinilo y es el tema que da nombre al álbum "Thermo". La duración total es de 86 minutos, se remasteriza en 1973 y se vuelve a editar por la Milestone Récords en 1976. El disco no es recomendado para coleccionistas o amantes de las obras originales, aunque para iniciados da una perspectiva clara de esa época de Art Blakey and The Jazz Messengers.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

te dejo un vídeo del tema Skylark

Jack DeJohnette, John Patitucci & Danilo Pérez: Music We Are

Portada del disco

Jack DeJohnette (1942) lidera este disco, el veterano y sorprendente batería se hace acompañar por músicos de otra generación que empujan fuerte desde hace tiempo, hablamos de John Patitucci (1959) bajista nada convencional y Danilo Pérez (1965) con un estilo propio al piano y los teclados. Los tres músicos habían tenido actuaciones o colaboraciones cruzadas, pero nunca habían coincidido lo tres como trío. Sin duda, son tres singulares músicos de jazz de los que no podía salir más que un singular álbum "Music We Are", el disco se graba para la Golden Beams Productions en el estudio de Catskills el 14 de Abril de 2009 y todo él está impregnado de un aire melancólico, alegre y a la vez intimista, se percibe que los músicos se lo pasan bien grabando este disco, pero también se percibe el fuerte carácter de los tres músicos, sus estilos distintos y la fuerte personalidad de cada uno de ellos con sus instrumentos, lo que hace que no se perciba un líder claro, en este caso por cuestión de edad, trayectoria y respeto el líder asumido es DeJohnette.
Se trata de un trío, pero con "trampas" ya que cada músico dobla algunos de los instrumentos, así encontramos a DeJohnette tocando su clásica melódica en dos de los temas, Patitucci toca el bajo acústico, el contrabajo con arco y un bajo de 5 cuerdas, por su parte Danilo Pérez toca lo mismo el piano que los teclados. Lo que se nota durante toda la grabación es que el bajo y el piano de Wayne Shorter tienen mucho peso en esta grabación repleta de cambios de ritmos, de una espontaneidad manifiesta que se traduce en un proceso creativo muy interesante, repleto de atractivas composiciones, donde la música en sí transciende el formato del trío para extenderse más allá, lleno de alegres y a la vez oscuros y profundos matices, una química que se desborda cuando estos tres músicos se reúnen en el estudio de grabación, recorriendo un amplio territorio estilístico que va desde un clasicismo abstracto a los aires folclóricos  y de aquí a la más pura tradición del jazz.
El álbum lo componen un total de 11 pistas y 10 temas ya que uno de ellos se divide en dos movimientos, tiene una duración de 63 minutos y destacan  temas como "Tango African", "Panamá Viejo" o "Cobilla".

De 5 > 10, mi valoración es: 8


te dejo este vídeo de la grabación:

Dexter Gordon: Round Midnight

El film nos lleva a un callejón oscuro, a la profundidad de un Club de Jazz, en París, en cuyo escenario encontramos a Dexter Gordon dando vida a un saxofonista alcohólico y drogadicto, sin más vida que su hotel y su Club de Jazz, su vida se transforma cuando un aficionado entra en su mundo y hace cambiar su destino renaciendo artísticamente, ésta es una resumida sinopsis de la película del francés Travernier para entrar en ambiente de lo que es su B.S.O. "Round Midnight" es ante todo un musical donde importantisimos músicos tocan en directo sobre un escenario de jazz (sin playblacks), en una sola toma, a músicos que hacen de actores como Herbie Hancock, Bobby Hutcherson o el mismísimo Dexter Gordon, donde podríamos decir que se interpretan a sí mismos. La música la arregla y compone en parte un joven Herbie Hancock quien recibió un Oscar por ello. El elenco musical es: Cedar Walton, Bobby McFerrin, Lonette Mckee, Ron Carter, Pierre Michelot, Chet Baker, Tony Williams, Billy Higgins, John Mclaughlin, Bobby Hutcherson, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Dexter Gordon. Seguramente enumerando sólo a los músicos está todo dicho.
Los verdaderos protagonistas son los músicos y la música misma, donde se vive el jazz en cada nota, en una auténtica atmósfera de club de jazz, donde la  música es sublime, hasta la voz de Dexter Gordon parece parafrasear a su saxo.
El tema que da nombre al film "Round Midnight" es aquel que compuso Thelonious Monk y que aquí modula las lineas melódicas con su voz el sinuoso Bobby McFerrin sin que pierda el aire "Monk". Dexter Gordon está como en familia, a sus anchas, como en sus mejores y gloriosos tiempos, sublime, a destacar el emparejamiento musical entre Gordon y Wayne Shorter al interpretar el tema "una noche con Francis" dedicada a Bud Powell y a Francis Paudras, verdaderos protagonistas de la historia real en la que está basada el film, Gordon y Shorter, dos generaciones unidas con un resultado increible. Por su lado, Herbie Hancock está inspiradisimo y quiero resaltar la presencia testimonial de Chet Baker en "Fair Weather" dando un toque de elegancia y belleza al conjunto que le confiere caché al producto, su voz y su trompeta cautivan.
La peli tiene una segunda parte musical y publicada con posterioridad,  Dexter Gordon: "The other side of Round Midnight", pero ese será otro post.

De 5 > 10 mi valoración es: 10

Wayne Shorter: "Speak No Evil"

Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter

Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.

De 5>10 mi valoración es: 10

Herbie Hancock: River, the Joni letters

Clickea este enlace para escuchar una pieza del disco http://www.youtube.com/watch?v=TazdEF9vIAE

Hoy me he dado cuenta que el 90% de los post que he publicado en este Blog tiene que ver con artistas que tocan piano o guitarra, no era consciente de ello hasta ahora. Curioso.

Herbie Hancock es uno de esos músicos todoterreno que estando dentro del panorama jazzístico siempre le ha gustado coquetear con otras influencias y estilos, creo que menos freejazz, ha tocado de todo desde el Be Bop hasta nuestros días, en una palabra le gustan “todas” y ha bailado con todas en su momento, frivolidades aparte Hancock es uno de los grandes músicos contemporáneos no voy a relacionar aquí los músicos con los que ha tocado porque la lista sería interminable, ha bebido y cogido lo mejor de cada uno de ellos y le ha dado su toque personal, estílisticamente podemos denominarlo como cambiante, dicho ésto su estilo al piano y a los teclados son totalmente reconocibles como del autor con sus rasgos complejos y urbanos.

River, the Joni letters es un álbum que dedica a la cantante Joni Mitchell y que recicla y arregla una serie de temas habituales de la artista, grabado en 2007,  los interpreta con su banda de all star habitual : Lionel Loueke (guitarra), Wayne Shorter (saxos), Dave Holland (bajo) y Vinnie Colaiuta (batería). Además incluye una serie de artistas vocales entre las que se encuentra la propia Mitchell, que canta  Tea leaf prophecy, Norah Jones, Corinne Bailey Rae, Tina Turner, Luciana Souza y Leonard Cohen, que más que cantar recita en Jungle line. Son un total de 10 temas los que componen el disco, cuatro intrumentales y el resto con vocalista, todos compuestos por Mitchell salvo Nefertiti (W. Shorter) y Latitude (Duke Ellington) con un estilo sosegado, tranquilo (como el que transmite Joni Mitchell), de jazz auténtico, con un toque urbano, a veces oscuros, casi underground,  con toques armónicos complejos que tienen como resultado un excelente álbum que cuando lo oyes, sabes que es distinto, sabes con la primera escucha que es bueno, muy bueno y que te llega y llena completamente, es de esos discos, además que no te cansas de escuchar porque siempre suena fresco. Ni que decir que las vocalistas están todas en estado de gracia. Genial.

De 5>10 mi valoración es: 8

Jack DeJohnette: New Directions

Jack DeJohnette (1942) nacido en Estados Unidos, conocido dentro del jazz por ser un músico vanguardista con la batería, donde introduce nuevas formas y elementos en los ritmos, también es pianista y compositor. Forma parte en 1966 del cuarteto de John Coltrane, también ha sido miembro de la banda de Charles Lloyd, ha tocado y grabado con Jackie McLean, Herbie Hancock, Joe Henderson y Bill Evans, en 1969 se integra enla banda de Miles Davis donde permanece hasta 1972, durante esta época graba con Wayne Shorter, Chick Corea, Lee Konitz, Miroslav Vitous, Freddie Hubbard y otros muchos. Al dejar la banda de Miles Davis se acerca a músicos de muy distinto talante musical como Sonny Rollins, Stanley Turrentine, Keith jarret (con el que permanece 20 años), Cannonball Adderley y McCoy Tyner. Su dilatada carrera nos deja una también dilatada discografía  repleta de buenas grabaciones de estudio y en vivo con los mejores músicos del mundo.

Jack DeJohnette New Directions es un proyecto que nace en 1978 y que sucede a un primer proyecto denominado “Directions”,  en ésta su primera grabación dejan una obra maestra. DeJohnette con la batería y percusión, el gran John Abercrombie toca la guitarra y la mandolina, Lester Bowie da un sonido especial, mágico y acompasado a su trompeta y el sinuoso Eddie Gómez hace maravillas con el bajo, éstos cuatro músicos forman la Jack DeJohnette New Directions que durante el mes de Junio de 1978 en la ciudad de Oslo graban este magnífico vinilo para la discográfica ECM. Trompeta y guitarra alineadas con el contrabajo y la batería.  Es su segundo proyecto

el álbum lo componen cuatro temas, todos de larga duración, el que menos dura 5:56 y el que más 12:27 minutos, en total cerca de 50 minutos de buena e intensa música. Álbumes como este ayudan a conocer la posterior evolución de algunas formas musicales dentro del jazz.liderando un grupo, desde entonces hasta ahora han sido muchos y exitosos los proyectos del baterista. La nueva formación recibe el beneplácito de la crítica y logra crear sonidos originales, nuevas formas de entender el diálogo de los instrumentos dentro de una conversación musical, todo ello dentro del jazz, a veces hace jazz fusión o incluso hay quien cataloga su música como new age, yo no soy de esta opinión, DeJohnette investiga, se atreve y adentra en nuevas aventuras musicales creando nuevos estilos, pero en ningún momento está fuera del jazz, muy al contrario está creando corriente, haciendo contribuciones importante en la evolución del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 6