Bill Evans: Conversations with Myself

El universo musical de Bill Evans dialogando con el "otro" universo musical de Bill Evans, es más: dialogando con un tercer universo musical de Bill Evans. Polémico, innovador, desafiante y cuantos adjetivos más le queramos añadir, pero sólo un genio fue capaz de hacer lo que Evans hizo en estas conversaciones consigo mismo, en este controvertido álbum Evans grabó tres tomas por separado, tres improvisaciones pianísticas que luego se escuchan simultáneamente (overdubbing). Algunos puristas lo consideraron un sacrilegio, ya que era algo que luego no se podía reproducir en un concierto, solo el paso del tiempo lo ha reconocido como una obra maestra de un genio, todo el álbum consiste en una conversación entre las dos primeras tomas de un tema, a partir de ahí se añaden sutiles adornos en la tercera toma.
El disco se graba en NYC, en  tres sesiones los días 6 y 9 de febrero y 20 de mayo de 1963, para el sello Verve y lo produce Creed Taylor, cuenta en su versión de vinilo original con ocho temas, con una duración de 36:43 minutos, a la que en su reedición en CD se añaden dos temas más llegando a los 43:49 minutos. A destacar la magnífica versión que realiza del Round Midnight, de Monk, así como del también Monkiano Blue Monk y el tema por el que en 1964 obtuvo el Grammy al mejor tema instrumental de jazz Spartacus Love Theme. La cuestión técnica durante la grabación tuvo ligeras deficiencias durante el registro, con críticas fuertes al sonido de caja o hojalata que se produce en algunos momentos de la grabación y que Verve nunca arregló, lo que sin duda, en ningún caso estropean o dificultan mi disfrute y respeto por esta grabación.
El disco es un clásico para los amantes del jazz, una obra que está a un nivel superior, es la mirada de un artista mucho más allá de lo convencional, es ver lo que nadie ve, lo que otros tardan en comprender y al final todos aceptan como obra maestra. Con un vocabulario musical complejo en su ejecución que Evans transforma en algo sencillo, bello y simple  mientras toca el piano.

Valoración personal: 10

Art Tatum Solo Masterpieces

Caja de ocho discos con la colección completa de piano solo que Norman Granz encargó al legendario Art Tatum, tres años de grabación que coincidieron con la plenitud del pianista y también con el final de sus días, en total 119 solos de piano, 12 horas de música.
Casi ciego, se sintió condenado en vida a tocar jazz, porque las puertas de la música clásica se le cerraron. Autor de una técnica fenomenal, con una gran capacidad para improvisar de forma intrincada. Tatum cogía una idea simple y extraía de ella todas las ramificaciones imaginables y también inimaginables, lo hacía con sofisticación, pero sin extravagancia, para luego embellecer el desarrollo de la pieza con adornos elaborados y complejos alrededor de la melodía.
Las grabaciones son densas, intensas, requieren atención y no una escucha pasajera, porque están llenas de estilos y ricas sutilezas del mundo del jazz y de su sabiduría clásica. El resultado es una colección única llena de buenas e inspiradas improvisaciones que en su día, revolucionaron a los pianistas de jazz, quien lo consideraban un genio de genios y cuyas influencias han llegado hasta nuestros días pasando por generaciones de pianistas.
Art Tatum con este songbox nos ofrece un rico banquete de improvisación y genialidad y muy importante es una música, donde además de técnica utiliza los sentimientos y eso se transmite en cada nota que sale del blanco y negro del teclado de su piano.

Valoración personal: 10

Bill Evans: Alone Again

Caratula del álbum de Evans

La mano izquierda sobre el teclado marca el ritmo sosegado, mientras la derecha juega coqueta con las melodías y los tonos mas agudos, ambas ayudadas sutilmente por el juego de pedales, así sobre el blanco y negro del teclado, el pianista y su mundo se enfrenta a la grabación de "Alone Again", sí sólo otra vez, y es que Evans no fue profuso en realizar grabaciones de solo piano, cosa que hacía continuamente en la intimidad, sin embargo tenía un miedo escénico a desnudarse y quedarse sólo frente a su piano, nunca disfrutó de estas grabaciones, sentía cierta fobia a exponer demasiado sus sentimientos. El trío era su formación preferida, el bajo y la batería le daban esa capa protectora necesaria y eran una oportunidad de recuperar el aliento musical cuando ejecutaba un solo extenso, probablemente fue su mayor debilidad musical.
Primero fue "Alone" y con posterioridad "Alone Again" la primera grabación parece más consistente de más calidad, la segunda Evans se permite ejecutar más piruetas musicales y muestra alguno de los mejores momentos que puede crear, así afrontó el reto del piano solo y se desnuda, mostrándonos su lado más introspectivo, más íntimo y romántico, con "Alone Again", nos revela las profundidades de su virtuosismo, de sus sentimientos y el gran conocimiento que tenía sobre la música que interpretaba, los temas brillan por sí mismos y a través de sus manos nos hace ver y sentir con gozo la belleza que contienen, en todos los temas del álbum la melodía es el elemento principal y en torno a ella va y viene en espiral constantemente mostrando una amplia gama de estados de ánimo.
El disco cuenta con cinco temas que duran 43 minutos espléndidos, mágicos, se graba en Berkeley los días 16,17 y 18 de diciembre de 1975 para la Fantasy Récords, aunque el álbum no se publica hasta 1977 y no es hasta 1994 que se reedita en formato CD, cronológicamente lo situamos entre "Montreaux III" (1975) y "Quintessence" (1976).
Alone Again sigue siendo el mejor ejemplo del esfuerzo en solitario que tuvo que realizar Evans durante su grabación, hay momentos en los que puso tanta pasión y tanta energía en los que piensas que hay dos pianistas hombro con hombro tocando el instrumento y es que una vez superado el reto de enfrentarse a su soledad, el corazón de Bill Evans, el alma y las manos hizo el resto.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Te dejo un vídeo con el tema "People"

Keith Jarrett: Río

Portada del disco

Sólo ante el blanco y negro de las teclas de su piano Steinway, delante suya todo un auditorio repleto de gente respetuosa y cálida, en concreto el viejo teatro municipal de Río de Janeiro. El músico sin ninguna idea preconcebida, sin guión, sin boceto melódico alguno, dispuesto a improvisar y el público deseoso de oír. El problema de este escenario que dibujo "es comenzar", luego todo fluye solo, se avanza, se crece y se hace uno el dueño del escenario y de lo que produce. El resultado un disco que rebosa vitalidad y energía por todas partes, tres causas posibles para ello 1ª el buen momento sentimental y de creatividad que el músico reconoce atravesar en ese momento, 2ª la seguridad de llevar cincuenta años en este mundo y 3º la conexión que se establece entre el pianista y su auditorio. Se nota que Jarrett en esta grabación está suelto, relajado, cómodo y que eso desemboca en momentos de creatividad, de osadía que hace que aún se crezca más. El disco en sí es un desafío, un reto a la creatividad desde la improvisación, delicado, enérgico, lírico, melancólico y es que una vez más el pianista de Allentown logra la genialidad.
El álbum se graba el 9 de Abril de 2011 en Río de Janeiro para su discográfica de las últimas décadas la ECM, tiene una duración de 90 minutos y la grabación está editada en dos discos con un total de XV partes que oscilan entre los 3 y 9 minutos de duración, el primer disco recoge desde la parte I hasta la VI y el segundo desde las partes VII a la XV. El propio Jarrett al finalizar el concierto queda tan satisfecho que llama a su productor para que edite este concierto. En palabras del pianista "a la sociedad occidental le falta frescura, los que han estado en Río estaban realmente vivos".
 "Rio" es el décimo álbum que edita de sólo piano y uno de los mejores de su vida. El concierto es un derroche de preciosismo, un compendio de toda su carrera musical, donde se le reconoce con frescura como si en algún instante estuviera tocando standars y donde el músico despliega todo su arcoiris musical dando guiños a la música culta, a la atonalidad al impresionismo, a las raíces, etc. de tal manera que cada una de las partes del disco constituyen mundos sonoros singulares y deslumbrantes. No faltan los sonidos guturales que el pianista suele realizar al compás de su piano, aunque con menor frecuencia que en otras grabaciones. Un deleite.

De 5 > 10, mi valoración es 10


Te dejo este vídeo con la Parte XV:

An evening with HERBIE HANCOCK & CHICK COREA in concert

sólo dos pianos de cola, carátula del vinilo

Clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=Ly7xD8Sj6W0 para disfrutar de solo piano.

El momento álgido de todo músico debe ser cuando decide dar conciertos al desnudo, cuando debe enfrentarse a un auditorio repleto con la desnudez de un sólo instrumento, este acto requiere valentía y sin duda, debe coincidir con un gran momento de autoestima, esto es lo que sucede con esta grabación que dos músicos consolidados, admirados por innovadores, procedentes de mundos distintos, pero paralelos, tecladistas más que pianistas, ya que tocan todo tipo de teclados electrónicos y que coquetean con el mundo del jazz-rock, del jazz-soul del jazz-fusión, es decir, el post-bop, hacen de repente, un parón en sus trayectorias musicales y deciden unir sus talentos, y enfrentarse al mundo musical con un concierto de solo piano, además pianos de cola, es una unión de lujo, los músicos el uno frente al otro y cada uno frente a su piano. Poco más se puede decir que no imaginéis, porque “An evening with Herbie Hancock & Chick Corea in concert” es un excelente disco. Da igual el estilo de jazz que te guste, incluso el género musical que escuches habitualmente, este concierto, este disco debe estar en tu biblioteca musical sin excusas y por supuesto en tu memoria musical sin dilación, sus vibraciones deben oscilar con tus vibraciones vitales. Es un disco de los que se debe estudiar en las academias musicales, un disco para los amantes del piano, instrumento protagonista de la grabación, hasta en la breve presentación que hace Chíck Corea de Herbie Hancock hay musicalidad en su voz.

El disco grabado para Columbia (CBS) ofrece una selección de los más inspirados temas que el dúo interpretó a lo largo de una serie de conciertos ofrecidos a principios de 1.978, grabado con una excelente calidad acústica y respetando en todo momento las grabaciones tal cual se dieron en los distintos conciertos, así como el orden de los temas que aparecen en el vinilo, manteniendo así intacta la integridad y el espíritu de estos conciertos y la relación entre músicos y público. El disco se grabó en directo en Masonic Auditorium de San Francisco; Dorothy Chadler Pavilion de Los Angeles; Golden Hall de San Diego y Hill Auditorim, Ann Arbor en Febrero de 1978 y es muy importante indicar para el oyente que el piano de Herbie Hancock aparece a la izquierda y el de Chíck Corea a la derecha en todo el disco.  Al interesante comienzo con Someday my Prince will come, pieza infantil que sacó del olvido Miles Davis, le sigue el bello estándar Liza , de Geoge Gerswhin, uno de los grandes aciertos del álbum. Del resto, destacan las versiones de Maiden voyage, composición de Herbie Hancock La fiesta de Chíck Corea. Son seis temas en total donde la pieza más corta dura 8:59 minutos (Liza) y la más larga 22,00 minutos (La fiesta). moviéndose el resto entre éstos parámetros.

El concierto, el disco es una genialidad, un reto superado con éxito, un deleite para nuestros oídos, un clásico ya, dentro del panorama jazzístico y musical de todos los tiempos, dos maestros, dos pianos de cola y dos vinilos para la historia.
De 5>10 mi valoración es: 10