Todo un clásico de Hard Bop, Cool struttin es de esos álbumes imprescindibles para cualquier amante del jazz. Uno de los discos más cool de todos los tiempos, basado casi en su integridad en el blues, tiene la peculiaridad que durante la grabación se capta uno de esos momentos mágicos, donde todo es un sublime estado de equilibrio y armonía. Clark es un pianista que oyes como acompañante habitual en las grabaciones de Blue Note en las décadas de los cincuenta y sesenta, teniendo una gran actividad como líder entre 1957 y 1962, sin duda Coll Struttin es su mejor trabajo, sin embargo Clark nunca llegó a tener el renombre de otros pianistas de la época.
El álbum original de vinilo se graba el 5 de enero de 1958, cuenta con un total de cuatro temas, dos de ellos compuestos por el pianista de Pensilvania, con posterioridad en la versión digital se añaden dos temas más, uno de ellos también de Clark y una duración de 52:48 minutos.
El quinteto es de lujo, además de Clark al piano, nos encontramos con Art Farmer a la trompeta, Jackie McLean al saxo alto y la mejor sección rítmica de la época: Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Un factor importante para el éxito de este álbum fue juntar a Art Farmer (t) y a Jackie McLean (Sx), ya habían coincidido una etapa junto a Gene Ammons, la trompeta tiene un sonido sofisticado y relajado, lo que es un complemento perfecto para el sonido más directo y potente del saxo alto de McLean, durante toda la grabación realizan un juego al unísono, para romper la armonía sólo de vez en cuando. Por su parte Sonny Clark fija el escenario para que toda esta magia funcione. Cool Struttin es considerado por muchos puristas como la quintaesencia del hard bop.
Si Quintessence lo hubiese publicado cualquier otro pianista de jazz, seguro que estaría catalogado como uno de los grandes discos de jazz de todos los tiempos, tratándose de Bill Evans la percepción cambia, es tan alto el nivel que Evans tiene, puso el listón tan alto, que esta joya del jazz ha quedado como una obra menor para muchos, dentro de su discografía, un álbum realizado al final de su carrera que ha pasado sin pena ni gloria. En Quintessence, encuentro el sonido inconfundible de Bill Evans, esa volátil manera de tocar el piano, etérea por momentos, exquisita, refinada, cerebral, casi evanescente, a veces meditada, a veces improvisada, culta, marchamo inconfundible de su estilo.
Bill Evans en Quintessence, se abre, ofrece un lado más expansivo, acostumbrados a escucharlo como uno de los grandes en el formato de trío, aquí va más allá y opta por el quinteto que lo conforman Harold Land con el saxo tenor, Ray Brown al contrabajo, Kenny Burrell a la guitarra y Phily Joe Jones a la batería, ni que decir que la sección rítmica es de lujo y ejecuta impecable todo el álbum, y la guitarra de Burrell realiza solos y diálogos con Evans sobrecogedores, el tenor cumple bien su trabajo, pero sin destacar. Es un álbum magnifico, elegante, que llega, pero que muchos consideran algo soso por el formato elegido y es que a Evans se le exigía demasiado. Quintessence se graba en Berkeley entre el 27 y el 30 de mayo de 1976 para el sello Fantasy, cuenta con un total de cinco temas en la versión origínal y un bonus track que hacen seis temas en su primera re-edición, tiene una duración cercana a los 43 minutos, cronológicamente se sitúa entre Alone Again (1975) y Crosscurrents (1977).
Es un testimonio singular dentro de la ingente obra de uno de los músicos incuestionables de la historia del jazz.
De 5 > 10, mi valoración es: 9
Dejo un vídeo con el tema Martina
Este álbum representa a Hank Mobley (1930-1986) en su mejor momento, acompañado por un buen elenco de músicos, aunque muchos buscan en este disco al delirante y gran batería Philly Joe Jones. El saxofonista de Georgia era alma gemela de John Coltrane quien lo recomendó a Miles Davis por su maravilloso sonido lírico y por su música completa, haciendo como hacia Billie Holiday, ir justo detrás del ritmo. Mobley se situaba en ese rango que hay entre la impetuosidad de Coltrane y el sosiego aterciopelado de Lester Young, ahí es donde se movía como pez en el agua y cuando mejor le fue en su carrera musical, cuando quiso ser otra cosa, ya no fue Mobley y su figura se desdibujó. Mobley se instaló en lo que le gustaba y a diferencia de Davis o Coltrane no optó por andar indagando o investigando nuevos sonidos y formas, eso le costó el haber sido injustamente postergado durante tiempo.
Hank Mobley logra para la grabación de Workout un quinteto excepcional, por un lado, el increíble y codiciado guitarrista, el legendario Grant Green, todo el mundo quería tocar con él, ¿porqué? lo podemos comprobar en Workout, al piano está Winton Kelly, ellos tres protagonizan los mejores momentos de la grabación alternándose continuos solos, pero la sección rítmica no se queda atrás ya que tenemos a Paul Chambers con el bajo y a Philly Joe Jones en la batería, ambos están soberbios marcando el ritmo en todo momento, y el batería tiene una de sus mejores grabaciones, todos ex-Coltrane y ex-Davis y eso pesa en el resultado de esta grabación.
Workout se graba en los famosos estudios de Rudy Van Gelder el 26 de marzo de 1961, epicentro de la producción jazzística de la época. La grabación original en vinilo cuenta con cinco temas, cuatro son autoría de Mobley, luego en la versión CD se añade un bonus track "Three coins in the fountain" tema que se quedó fuera y que luego se convirtió en el favorito y más popular de todo el álbum (productores...), cronológicamente lo situamos entre Roll Call 1960 y Another Workout 1961, en total 45:53 minutos grabados para la Blue Note de un magnífico Hard Bop, de hecho fue considerado como uno de los esenciales discos de Hard Bop por All Music.
En música, cuando la primera nota no suena bien...no importa cuantas le siguen, Hank Mobley tocaba bien desde la primera hasta la última nota.
De 5 > 10, mi valoración es: 9
Dejo un vídeo con el tema homónimo del disco Workout
Blue Train es una obra maestra del jazz. El álbum es interesante en sí mismo musicalmente, por los soberbios solos de los vientos, pero también porque se observa el tránsito del saxofonista, ese espacio que ocupa en términos de desarrollo de Coltrane como innovador. Blue Train marca un alejamiento de las armonías del Bop convencional, algunos de los temas del disco, hacen uso de los cambios de acordes conocidos como "cambios Coltrane" y que aquí realiza como preludio de lo que haría a finales de los cincuenta con "Giant Step". En Blue Train, Coltrane está a punto de habitar su futura personalidad musical, pero aún se encuentra firmemente plantado en el hard bop, se reinventa a sí mismo como un intérprete polifacético tanto de hard bop, como de baladas sensuales. Es un disco que captura la esencia y el estilo fresco del autor, donde su música, casi parece flotar en el aire. Sonido característico de Coltrane, Blue Train es un clásico, considerado como uno de los mejores discos de la década de los cincuenta y de la historia del jazz.
El disco se graba en NYC para la Blue Note, aunque Coltrane no tenía ningún contrato con la discográfica, deja esta grabación para la historia, se graba el 15 de septiembre de 1957, cuenta con un total de cinco temas y una duración de 42:50 minutos, es el disco anterior a "soultrane" y es después de "A love supreme" el disco más vendido del autor. El Lp original se remasteriza a CD en 1990 e incluye dos tomas alternativas de "Blue Train" y "Lazy Bird". Todos, excepto "I´m Old Fashioned" son compuestos por Coltrane, por lo que se puede considerar como el primer álbum auténticamente del músico, ya que elige su grupo y compone los temas.
Los créditos son todo un lujo: John Coltrane con el saxo tenor, con un nivel de energía espectacular, con una expresión y una creatividad en todo lo alto y un sentimiento muy profundo; en la trompeta tenemos a Lee Morgan, espectacular sus solos en un derroche de inteligencia e improvisación; en el trombón está Curtis Fuller, quien hace gala de su maestría con el instrumento. Los tres vientos juntos son todo un lujo. En el piano está Kenny Drew, fresco y chispeante; en el bajo el gran Paul Chambers demuestra su impecable estilo marcando ritmo a toda la formación y en la batería Philly Joe Jones quien tiene oportunidad de lucirse durante toda la grabación. Un sexteto para la historia.
Sin reservas, Blue Train se puede considerar uno de los mejores discos de la historia del Jazz.
de 5 > 10, mi valoración es: 10
Dejo este vídeo con el corte primero que da nombre al disco "Blue Train"
Como el título del álbum Crossing, el disco es un cruce de dos viejos conocidos que compartieron la cresta de la ola junto al quinteto de Miles Davis en los años cincuenta, donde ambos participaron en algunas de las grabaciones más importantes de Davis, hablo de Red Garland y Philly Joe Jones, pianista y batería, curiosamente, además es la primera vez que tocan juntos en un trío desde aquellos lejanos lejanos cincuenta, si a continuación digo que el trío se completa con Ron Carter al contrabajo, ya tenemos hecho el cocktail perfecto para un trío de jazz. Pocas formaciones de trío me pueden parecer más sólidas que esta. La técnica de Garland con el piano, su sofisticado acompañamiento y sus rebotes rítmicos; Pocos baterías utilizan las baquetas como Philly Joe Jones, con ellas consigue elevar el nivel de su instrumento e igualarlo al resto; De Ron Carter con el contrabajo, autor del segundo corte "railroad corssing", solo puedo decir "chapeau" a su peculiar forma de tocar el contrabajo, serio, con swing, recio en su ejecución y uno de los mejores contrabajistas de la historia del jazz; Juntos, un lujo de trío liderados por Red Garland.
El álbum se graba en diciembre de 1977, para el sello Original Jazz Classics, la versión CD se edita en 2001, cuenta con un total de cinco temas estándares, compuestos por Miles Davis, Cole Porter, George Gerwhins o Sonny Rollins, la duración total de la grabación es de 39 minutos de excitante música.
Red Garland (1923-1984), hace uso de su famosa técnica "Block Chord" (Milt Burckner y George Shearing) y que en el caso del pianista de Dallas consiste en una técnica depurada de la Burckner y más completa que la de Shearing y que se traduce en que con la mano izquierda toca cuatro notas y construye la base rítmica, además de realizar efectos de coros y con la derecha toca tres notas y arma la melodía, ambas manos perfectamente sincronizadas en una explosión de swing destelleante, dando lugar a una sesión de hard bop memorable, donde Garland es arropado y empujado con la fuerza característica de Philly Joe Jones y el sinuoso toque casi invertebrado, pero que dota de coraza al conjunto de Ron Carter. El resultado es un disco de trío académico, serio, sencillo y a la vez sofisticado y sobre todo de una escucha muy gratificante.
Talles Trees es un álbum de Davis que recoge distintas grabaciones de los cincuenta, en concreto entre el 53 y el 56, distintos momentos del trompetista de Alton (1926-1991) quien en esos años se encontraba en uno de sus momentos más inspirados y creativos, donde dio personalidad y definió el sonido que era capaz de exprimir de su trompeta, aunque estuvo toda su vida por distintos derroteros que le condujeron a distintos momentos musicales (cool, hard-bop, jazz modal, vanguardia, fusión...), a mediados de los cincuenta Davis rezumaba Bebop por todos los poros de su piel, como todo lo que hizo en su carrera artística brilló con una fuerza inusual y con un fuerte liderazgo entre sus colegas de la época, ya en esos años Davis era un innovador que destacaba por su forma pausada, suave, melódica que le daban ese toque tan personal e intimista. Sacaba un sonido a su trompeta que le pertenecía, era el sello indiscutible del artista, su marchamo de calidad y originalidad, embriaga oír su sordina de acero Harmon.
El disco aún siendo un recopilatorio de varias sesiones, es una auténtica joya por la calidad que albergan sus temas, la mayoría estándares del jazz y por el elenco de músicos que le acompañan en esas sesiones, todo un lujo que dan como resultado un trabajo brillante digno de Davis y sus distintas formaciones. El doble vinilo sale a la venta en 1972 por el sello discográfico Prestige y recoge distintas selecciones, cada una de ellas con distintas secciones y músicos, son en total 12 temas: Bag Groove, The Man I Love, Swing Spring y Bermsha Swing se graban el 24 de diciembre de 1954 y los créditos son Davis a la trompeta, Milt Jackson al vibráfono, Thelonious Monk en el piano, Percy Heath al bajo y en la batería Kenny Clarke, suenan a MJQ sobre todo en Bag Groove tema que abre el disco;el tema Smooch se graba el 19 de mayo de 1953 y Davis toca la trompeta, encontramos uno de esos momentos en los que Charles Mingus deja el contrabajo y se sienta delante del piano (genial), Percy Heath en el bajo y Max Roach en la batería, Miles Ahead se graba en la misma fecha que el tema anterior con la diferencia de que el piano lo coge John Lewis, el resto del cuarteto permanece invariable; Grabado el 29 de junio de 1954 los temas Airegin, Oleo, But Not for Me y Doxy, están interpretadas por un quinteto memorable con Davis en la trompeta, Sonny Rollins con el saxo tenor, además compone tres de los temas, Horace Silver en el piano, Percy Heath al bajo y Kenny Clarke en la batería; Blue Haze se graba el 15 de marzo de 1954 con Davis en la trompeta, Horace Silver al piano, Percy Heath al bajo y Art Blakey en la batería; El corte mas tardío es Round About Midnight que se graba el 26 de octubre de 1956 y que cuenta con Davis en la trompeta, John Coltrane con el saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones en la batería, quizá el tema más flojo, o como mucho una versión más del afamado tema, que aquí no destellea como debiera.
Los créditos de todos los temas son un lujo para los sentidos, aquí está lo mejor de lo mejor de la época, tanto buen músico junto no podía tener otro efecto que el de un disco impecable en su ejecución e insuperable en la interpretación, con una excelente grabación y remasterización de la que se encargó el gran Rudy Van Gelder, le pongo un pero, es que se han mezclado los temas de las distintas sesiones, lo que le quita valor, aunque la grabación conserva un estilo uniforme y homogéneo. Cuando se escucha Talles Trees se está escuchando historia viva del jazz, brilló tanto en su día que sus destellos llegan hasta nuestros días.
De 5 > 10, mi valoración es: 10
Disfruta de este vídeo del tema Bags´Groove que abre el disco
Retirado del piano, algo más de lo habitual, encorvado ante el teclado hasta el punto de casi tocarlo con su frente, como haciendo una reverencia a su instrumento, ensimismado en un viaje musical hacía su interior, las manos a ambos lados de la cabeza, con la izquierda toca un lento y suave ostinato, con la derecha improvisa introspectivamente, haciéndose cada vez más compleja en relación a la sencillez del acompañamiento, poco a poco hace que los dos elementos musicales se reconcilien. Evans está interpretando Peace Piece, tema que es un ejemplo de la complejidad de la técnica compositiva del pianista, bitonalidad, tensiones melódicas y armónicas no resueltas, falta de resolución de algunos tonos. Rapidamente el ostinato se desvanece, se diluye, son los mismos acordes iniciales que Some Other Time del gran Leonard Bernstein, aunque también se aprecian manifestaciones estilísticas de Satie, Debussy o Ravel, se dice que pudo estar influenciado en el ostinato por el Berceuse de Chopin op. 57. Peace Piece, es más un estado de ánimo que una composición. Ahora cierra los ojos y sumérgete en la escucha de esta obra maestra. Peace piece and other pieces es un álbum doble lanzado en 1975 por el sello Milestone, el primer disco es Everybody Digs Bill Evans (Riverside) de 1958, donde toca en trío acompañado por el bajista Sam Jones y el batería Phily Joe Jones,mientras que el segundo disco son grabaciones inéditas aparecidas en 1974, pero grabado en 1959 en una sesión con el bajista Paul Chambers y el batería Phily Joe, donde además hay un tema Bloose Loose donde aparecen el saxo Zoot Sims y el guitarrista Jim Hall ¡qué lujo de quinteto!, gracias a esta edición producida por Orrin Keepnews, hemos llegado a conocer parte de la obra inédita de Evans que finalmente salió a la luz en 1975. Las caras 1 y 2 se graban el 15 de diciembre de 1958, las caras 3 y 4 el 19 de enero de 1959 y el quinteto el 21 de agosto de 1962.
Cada nota, cada acorde del disco es una obra maestra que te hipnotiza, de un estilo refrescante, intimista, que era inusual y sorprendente para su época.
De 5 > 10, mi valoración es: 10
Cierra los ojos y déjate llevar
No es habitual, o por lo menos es poco frecuente, que un músico de jazz dedique un álbum a baladas, lo normal es que éstas formen partes aisladas de un disco en la que el autor expresa su lado más lírico e íntimo, normalmente el músico cuenta a través de las baladas una historia y ésta a veces es triste, a veces alegre, así la balada es sólo un pequeño componente del repertorio musical del artista. Fantasy Récords creo una serie denominada "Baladas" en la que reunió a los mejores músicos de jazz, como es el caso de "The Art Of The Ballad" del saxo alto Art Pepper (1925-1982), un recopilatorio de baladas del saxofonista de Los Angeles que recoge obras que cronológicamente se sitúan entre 1956 y 1982, estamos ante un disco que compila el lado más íntimo de Pepper y cuya música es pura autobiografía. "The Art Of The Ballad", un álbum donde alguna de las pistas que contiene pertenecen a la última etapa de la vida de Pepper que después de años de consumo de alcohol, drogas y cárcel, parece que el saxofonista acabó sus días con una nota triste de melancolía y es que de alguna manera, las melodías de este álbum contienen un tono inquietante que se acerca y evoca más el lado triste de la balada. Se percibe y se puede visualizar con claridad en todo el disco su gran capacidad para transmitir emociones que se traducen en baladas maravillosas que transmiten autenticidad y emoción contenida, un disco tranquilo que emociona y donde el fraseo y la excepcional sonoridad de Art Pepper te hace interiorizar agradables sensaciones.
El disco se lanza al mercado el 19 de mayo de 1998, cuenta con un total de 11 temas y una duración de 64:16 minutos. El disco se abre con "winter moon" un tema atípico de Pepper de una sesión de 1980 y acompañado por una linea de cuerdas que no es habitual en la trayectoria del autor y que está fuera de su estilo, al igual sucede con "The Blues in the nights", en"Over the rainbow" ya proyecta un raro y penetrante tono, se grabó tan sólo dos meses antes de su muerte, grabada al igual que el clásico "Body and Soul" a dúo con el pianista Georges Cables. Una cuidada y selecta muestra de baladas de toda la trayectoria musical de Pepper.
Los créditos al ser de diferentes épocas y sesiones varían las formaciones, pero lo más destacados son Art Pepper con saxo y clarinete, pasan pianistas de la talla de George Cables, Red Garland o Wynton Kelly, en la trompeta Conte y Pete Candoli, en el bajo Paul Chambers, y diferentes baterías como Philly Joe Jones, Mel Lewis o Elvin Jones.
Art Pepper es uno de los grandes del jazz de todos los tiempos y máximo exponente de la música de la costa oeste "west coast jazz" y ha sido relativamente e injustamente olvidado por crítica y aficionado.
De 5 > 10, mi valoración es: 8
un vídeo con el tema "Over the rainbow"
Dos jornadas, el 11 de mayo y el 26 de octubre de 1956, Miles Davis decide encerrarse en el estudio para grabar dos sesiones maratonianas junto al ingeniero de sonido Rudy Van Gelder, la idea de Davis era realizar una grabación como si estuvieran tocando en vivo en un club. El resultado fueron cuatro discos legendarios del Hard Bop: "Cookin", "Relaxina", "Workin" y "Steamin" Todos ellos grabados en estas sesiones de estudio, como si efectivamente estuvieran en un Club, para cualquier oyente que oiga estos vinilos la impresión es como escucharlos en directo en cualquier garito de jazz. Con Davis estaba su quinteto, uno de los mejores de la historia del jazz, John Coltrane con su increible e inconfundible saxo tenor, Red Garland brillante con el piano y una de las mejores secciones rítmicas de todos los tiempos, Paul Chambers con el bajo y Philly Joe Jones en la batería. Las grabaciones son posteriormente remasterizadas por Bran Gardner en 1974 y editadas por el sello Prestige Récords.
En palabras del ingeniero Rudy Van Gelder "recuerdo estas sesiones, los músicos lo único que querían era sonido" y vaya si lo consiguieron, sonido con mayúsculas, del bueno. Miles Davis inconfundible con su trompeta, con su sordina de acero "Harmon" que hace que su sonido sea tan peculiar, tan íntimo, suave, melódico, aterciopelado por momentos, basado en la interpretación de notas cortas a ráfagas y bien unidas posteriormente en la melodía que crean ese ambiente cargado de introspección y lirismo, todo ello en contraste con las notas pesadas, las frases largas y a veces disonantes con formas de tempestad del saxo de Coltrane. En el piano Red Garland nos muestra su delicadeza y sensibilidad y en la sección rítmica un perfecto encaje entre el sinuoso bajo de Chamber y la relativa agresividad de Jones con la batería. Davis con este Quinteto acertó y era consciente de ello.
Workin´ and Steamin´, donde Workin se graba el 11 de mayo y Steamin el 26 de octubre, estos cuatro discos son, sin duda, de las mejores grabaciones de jazz del siglo XX, además en esta edición recoge el que para mí es el mejor de las cuatro discos, que no es otro que Workin´, compuesto de ocho temas y una duración aproximada de 43 minutos, donde se interpretan temas de Davis, Coltrane, Dave Brubeck o Jamal, Workin es uno de esos discos que levanta pasiones entre los amantes del jazz. En el otro disco, Steamin, ninguno de los temas son propios, son de autores como Thelonious Monk, Dizzy Gillespie o K. Clarke, son un total de 6 temas con una duración aproximada de 41 minutos de música apasionante. Dos discos imprescindibles para los amantes de Davis, para los amantes del jazz y de la buena música. Un vinilo doble que no puede faltar ni en tu biblioteca ni en tu memoria musical.
Un jovencisimo Phil Woods
en la caratula del doble vinilo
Al referirnos a Phil Woods (1933) hablamos de uno de los mejores saxos altos de la historia del jazz, aunque también toca el clarinete y es compositor. Estudia y es muy influenciado por Lennie Tristano, se le apodó como el nuevo "Bird" cuando él estaba influenciado por Charlie Parker, pero nunca trató de imitarlo, a pesar de lo cual se dijo que era la mejor influencia "blanca" que había dejado Parker. Es uno de los mejores exponentes del Be bop y en "Altology" nos da un botón como muestra.
Altology es un vinilo doble que edita el sello discográfico Prestige en 1976 remasterizado y que corresponde a grabaciones de la década de los 50´s, en concreto las caras 1 y 2 se graban el 15 de junio de 1956 y el segundo Lp y sus caras 3 y 4 se graban el 29 de marzo de 1957 y donde además se introducen temas de la época de su quinteto y sexteto "Bird feathers" y " Phil and Quill". En el primer vinillo Phil Woods toca magistralmente el saxo salto y se hace acompañar por los trompetas Donald Byrd y Kenny Dorham, el también saxo alto Gene Quill, Tommy Flanagan al piano, Doug Satkins en el bajo y Philly Joe Jones en la batería y en el segundo vinilo además del propio Woods y Gene Quill ambos con saxo alto, encontramos a George Syran en el piano, Teddy Kotick en el contrabajo y Nick Stabulas con la batería.
Lo mas destacable del disco es el emparejamiento entre Phil Woods y Gene Quill donde constantemente se complementan y se inspiran uno a otro, cosa por otro lado que también ocurre con el magnífico trompetista Donald Byrd, mientras que las dos secciones rítmicas aparecen bien diferencias en las dos grabaciones, se percibe como los dos saxos comparten el mismo estilo, y que se manifiesta en la excelente calidad de los solos, así a Woods le gusta interpretar pasajes musicales largos y ágiles mientras que Quill prefiere hacer ráfagas musicales dentro de la melodía, donde crean patrones con este estilo que los repiten incansablemente.
El doble álbum lo componen un total 12 temas, 4 para el primer disco y 8 para el segundo y hora y media aproximadamente de duración. Salvo un tema de Sonny Rollins y otro de Miles Davis, el resto son temas propios. El disco rezuma buen jazz por todas partes, auténtico be bop, una excelente grabación, unas magníficas secciones rítmicas y unos músicos solistas llenos de energía, fuerza e inspiración que nos hacen viajar por una de las etapas más brillantes del jazz.
