Keith Jarrett Byablue

 

Keith Jarrett: Fort Yawuh

Te imaginas un concierto de jazz liderado por un pianista donde el piano no sea lo más importante, esto es lo que sucede en Fort Yawuh, álbum grabado en directo en 1973 en el Village Vanguard. En el tema de apertura del disco, Jarrett se retira a mitad de la canción en un acto de escuchar a su grupo para así reinterpretarse a sí mismo y cuando regresa lo hace soplando como solista un saxo tenor, también juega con elementos de percusión, una forma que el pianista tiene de evadir su creación artística hacía otros instrumentos y de alguna manera le exime tocar con sus dedos el blanco y negro del teclado de su Steinway, es como dar un paso atrás para dar brillantez a sus acompañantes y a la par coger energías para volver con más fuerza.
Aunque desde la perspectiva actual Jarrett es conocido como maestro del piano, en sus primeros discos quiso demostrar que podía imponer una visión potente que iba más allá del dominio del teclado, aún sorprende más la cosa, si en esta época Jarrett ofrece algunos de sus mejores conciertos de solo piano (Bremen, Colonia), en definitiva, trata de subvertir el papel tradicional del pianista en una formación de jazz.
El cuarteto lo forman: Keith Jarrett al piano, saxo soprano y pandereta, Paul Motian a la batería y percusión, Dawey Redman saxo tenor y maracas, Charlie Haden al bajo y Danny Johnson (invitado) a la percusión. El álbum se graba el 24 de febrero de 1973 y cuenta en su versión original de vinilo con cuatro temas.
Motian y Redman provienen de trabajar con Ornette Coleman y eso se hace oír sobre todo, al inicio del disco donde por momentos el free jazz campa a sus anchas. Flota durante toda la grabación "un exceso" de sonidos de percusión ajenos a los que es lo habitual en jazz, que invocan aspectos rituales, alguna visión o búsqueda de lo desconocido, incluso recuerda el ritual de alguna ceremonia primitiva o una danza de posesión de culturas lejanas y desconocidas.

Valoración Personal: 8

Keith Jarrett: Río

Portada del disco

Sólo ante el blanco y negro de las teclas de su piano Steinway, delante suya todo un auditorio repleto de gente respetuosa y cálida, en concreto el viejo teatro municipal de Río de Janeiro. El músico sin ninguna idea preconcebida, sin guión, sin boceto melódico alguno, dispuesto a improvisar y el público deseoso de oír. El problema de este escenario que dibujo "es comenzar", luego todo fluye solo, se avanza, se crece y se hace uno el dueño del escenario y de lo que produce. El resultado un disco que rebosa vitalidad y energía por todas partes, tres causas posibles para ello 1ª el buen momento sentimental y de creatividad que el músico reconoce atravesar en ese momento, 2ª la seguridad de llevar cincuenta años en este mundo y 3º la conexión que se establece entre el pianista y su auditorio. Se nota que Jarrett en esta grabación está suelto, relajado, cómodo y que eso desemboca en momentos de creatividad, de osadía que hace que aún se crezca más. El disco en sí es un desafío, un reto a la creatividad desde la improvisación, delicado, enérgico, lírico, melancólico y es que una vez más el pianista de Allentown logra la genialidad.
El álbum se graba el 9 de Abril de 2011 en Río de Janeiro para su discográfica de las últimas décadas la ECM, tiene una duración de 90 minutos y la grabación está editada en dos discos con un total de XV partes que oscilan entre los 3 y 9 minutos de duración, el primer disco recoge desde la parte I hasta la VI y el segundo desde las partes VII a la XV. El propio Jarrett al finalizar el concierto queda tan satisfecho que llama a su productor para que edite este concierto. En palabras del pianista "a la sociedad occidental le falta frescura, los que han estado en Río estaban realmente vivos".
 "Rio" es el décimo álbum que edita de sólo piano y uno de los mejores de su vida. El concierto es un derroche de preciosismo, un compendio de toda su carrera musical, donde se le reconoce con frescura como si en algún instante estuviera tocando standars y donde el músico despliega todo su arcoiris musical dando guiños a la música culta, a la atonalidad al impresionismo, a las raíces, etc. de tal manera que cada una de las partes del disco constituyen mundos sonoros singulares y deslumbrantes. No faltan los sonidos guturales que el pianista suele realizar al compás de su piano, aunque con menor frecuencia que en otras grabaciones. Un deleite.

De 5 > 10, mi valoración es 10


Te dejo este vídeo con la Parte XV:

Keith Jarrett: Personal Mountains

Caratula del álbum

Personal Mountains es de esos discos que te dejan huella, grabado en Abril  1979 para la ECM récords y publicado diez años después, diez años que nos privaron de esta maravilla. El disco se graba con el cuarteto eurpeo de Jarrett formado por Jarrett al piano, Jan Garbarek con el saxo tenor y soprano, Palle Danielsson al contrabajo y Jon Christenssen a la batería, el disco cuenta con un total de 5 temas y 62 minutos de duración.
A finales de 1979 Jarrett simultaneaba el cuarteo americano y el europeo, esta grabación se realiza en directo en Tokyo dentro de una gira por Japón. El cuarteto había logrado un estándar en esta época de alta creatividad y especialmente una interacción que marca época entre pianista y saxofonista, el americano y el noruego consiguen con su piano y su saxo sonidos inigualables en mucho tiempo, sonidos de alto nivel, creando un ambiente mágico en esa vinculación que reúne lo mejor de ambos , llama la atención la frescura de las interpretaciones y el perfecto dialogo que se establece entre ambos en particular y con el cuarteto en general, procurando escenarios musicales intensos y vibrantes.
La sección rítmica juega un papel discreto, donde se les ve sueltos, relajados, dejándose arrastrar por la fuerza de piano y saxo que son los auténticos protagonistas de la grabación, Quiero destacar el absoluto silencio que existe durante la grabación, sólo interrumpido por los aplausos al final de cada tema que rompen el hechizo. Jarrett convierte la noche en día con cada acorde, es a la vez lírica y euforia capaz de encender a sus colegas europeos, además de sus notas, se le oye a él con esos sonidos guturales lejanos, casi imperceptibles, que acompañan toda su obra jazzística y que no son otra cosa que un auténtico karma entre músico y música. Por su lado Jan Garbarek dibuja paisajes melódicos majestuosos, proclamando melodías a través del aire de una cristalina dicción envuelta de magia cromática, tocando siempre en esos tonos altos de la escala musical como yendo volando, intentando ascender continuamente, soplando con autoridad y elegancia el saxofón.
Pocas veces se puede observa una complicidad entre músicos como en "Personal Mountains", te dejo este enlace para que oigas esta maravilla http://www.youtube.com/watch?v=bCRx0zeah8k

De 5 > 10 mi valoración es: 9

Charlie Haden & Michael Brecker: "American Dream"

Portada del disco

http://www.youtube.com/watch?v=yTI9oRXlvoY Clickea este enlace y saborea este aperitivo.

Disco grabado para la discográfica Verve en 2002. Charlie Haden como director y líder con el contrabajo, Michael Brecker soplando con fuerza contenida el saxo alto, Brad Mehldau con su elegancia y virtuosismo en el piano y Brian Blade con un elegante trabajo en la batería.  Haden y Brecker ambos consiguen con las teclas de Mehldau de fondo momentos de gran emotividad, de alta sensibilidad, con bellos rasgos líricos, con estilo, consiguiendo sonidos apasionados, armonizados, sonidos únicos que enriquecen el alma, virtuosismo que no es otra cosa que pura sensibilidad, los primeros segundos de escucha son suficientes para tomar el pulso a este gran álbum para empaparte de su introspección, de su calidez. En definitiva conversaciones musicales extraordinarias entre bajo, saxo y piano todo ello arropado por las baquetas del batería, como digo diálogos íntimos, precisos, con exquisitez que convierten el disco en una joya.
Acompañando al cuarteto hay una orquesta de 34 instrumentos de cuerda "La String Orchestra de Los Angeles" quien de forma discreta y lejana establece diálogos con el cuarteto pero a lo lejos en el horizonte, sin alterar la esencia del mismo, más bien produciendo un feedback de ida y vuelta que enriquece el conjunto, estando latente durante todo el conjunto como una súplica de la orquesta de cuerda por tener más protagonismo, cosa que consiguen en algunos fragmentos de la obra.
El disco lo componen un total de 12 temas entre los que se interpretan algunos de Keith Jarret o Pat Metheny, la mayoría de las canciones tienen aire experimental como la de Ornette Coleman "Bird food" aportando un poco de neo bop al conjunto y en la sentimental y popular sobre todo por las películas "America the beautiful" donde el peso lo lleva Haden con su contrabajo reforzado por la orquesta de cuerdas.
Un disco intimista, lírico, bello, con unos impresionantes arreglos y una grabación muy equilibrada, donde todos los músicos se dejan embaucar por la magia de Charlie Haden y que tiene como resultado final una auténtica obra de arte, cuanto más lo escuchas más te llena.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Charlie Haden: Sophisticated Ladies

Sophisticated Ladies es uno de los útimos trabajos del bajista Charlie Haden, nacido en 1937, es sin duda, un clásico dentro del panorama jazzístico, sus primeras intenciones fueron ser cantante, pero una enfermedad le estropeó las cuerdas bucales, decidiéndose entonces por cogerle prestado el contrabajo a su hermano, llegando a ser uno de los que más técnica tienen con este instrumento, que ya de por sí, no luce mucho y hay que ser muy bueno para hacerse notar. Haden se dio a conocer interpretando free jazz con el saxofonista Ornette Coleman, más tarde tocó con el pianista Keith Jarret y ha grabado discos con todos sus contemporáneos, algunos de esos discos muy especiales como el que grabó con Pat Metheny, guitarra y contrabajo ¿te imaginas?, un gran trabajo.
El disco cuenta con un total de doce temas, muy cuidadosamente elegidos, se hace acompañar en el saxo  tenor por Ernie Watts, en el piano Alan Broadbent y Rodney Green en la batería, en total nos ofrecen 60:00 minutos de un vintage musical de muy alto nivel, a todo ello añadir la inclusión de cuerdas a través de violonchellos, violines y violas, lo que da un toque refinado al conjunto, pero que por otro lado acapara gran numero de detractores.
Con Sophisticated Ladies Haden culmina una carrera de manera brillante, sacando del baúl algunas de las canciones más bellas de las últimas décadas del jazz con temas como el que da título al álbum, compuesto por Duke Ellington, se hace acompañar de vocalistas como Norah Jones, Diana Krall, Melody Gardot,  Cassandra Wilson o la soprano Renée Fleming, todas ellas realizan interpretaciones magistrales. El álbum suena como si algunos de los mejores jazzmen y jazzladies de todos los tiempos hubiesen regresado a nuestro tiempo, creando un ambiente clásico de hace décadas, un ambiente mágico, a la vez que totalmente actual, la primera vez que lo oí pensé que era como si Billie Holiday hubiese grabado un disco en el siglo XXI , si lo tuviera que definir,  lo haría diciendo que es un disco de libro, de jazz totalmente académico, que te cautiva desde la primera nota, donde Haden sabe lo que se trae entre manos.

Valoración personal: 9

Keith Jarrett: Yesterdays

Carátula del disco

Clickea este enlace para oír una pieza del Yesterdays de Jarret http://www.youtube.com/watch?v=ciZFZD8Y38w

Keith Jarret, uno de los pianistas más grandes de la historia de la música y del jazz en particular, nacido en USA en 1945. Versátil y sobretodo virtuoso con el teclado, en su carrera ha interpretado lo mismo a artistas clásicos como J.S. Bach, Haendel o Mozart, que músicos minimalistas, pero destaca en el jazz de vanguardia donde ha tocado con músicos de la talla de Miles Davis, Chíck Corea, Charlie Haden, Roland Kirk, Art Blakey o Gary Burton, entre otros muchos. En 1972 comenzó sus conciertos improvisados con The Köln Concert, que le han dado fama mundial y que sin duda, es su obra más reconocida.

Durante  los últimos treinta años Keith Jarrett es aclamado como uno de los músicos más creativos de nuestra época, reconocido universalmente como un improvisador genial.  Su proyecto más duradero es The Standards Trio junto a Gary Peacock (contrabajo) y Jack DeJohnette (batería), con quienes lleva más de un cuarto de siglo actuando.  En 2009 y para el sello ECM  publica Yesterdays, que  forma una cuatrilogía con”The Out-of-Towners”, , “Always Let Me Go” y “My Foolish Heart”, ya que todos estos discos, pertenecen a la gira de 2001, grabados en el Metropolitan Festival Hall de Tokyo. Aunque hay quienes acusan a  ECM de sacar un disco de esta gira cada vez que necesita un “superventas”, sin duda estamos ante otra magnífica grabación. De lo que no hay ninguna sospecha es de que 2001 fue un año de una cosecha asombrosa para el que es considerado por algunos como  “el mejor trío del mundo”. Sólo los grandes genios son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente, el grupo de Jarrett demuestra un gran dominio del repertorio y sus directos son siempre una caja de sorpresas en la que no sabemos lo que va a pasar. Mencionar “Strollin”’,  en la que la interacción entre los tres músicos, así como el virtuosismo y la sorprendente velocidad de piano y sección rítmica son de un nivel muy avanzado. Sin embargo, quizás este sea uno de los discos en los que más destaca el contrabajo de Peacock, sus solos en “Scrapple from the Apple”  o en “You’ve Changed” se encuentran entre lo mejor que ha interpretado el contrabajista. Como colofón una versión de “Stella By Starlight”  grabada durante la prueba de sonido. Son 75 minutos de contrabajo, batería y piano con giros impredecibles y exquisitos, con una interacción del trío constante y rica en matices que tiene como resultado un disco más de esta serie de conciertos del 2001 del que “Yesterdays” es el último álbum extraído de la que es sin duda la época más productiva del jazzmen americano.

los temas de Yesterdays son:

Keith Jarret, Peacock y Jack DeJhonette

01. Strollin’ (8:12)
02. You Took Advantage Of Me (10:13)
03. Yesterdays (8:55)
04. Shaw’nuff (6:11)
05. You’ve Changed (7:55)
06. Scrapple From The Apple (9:02)
07. A Sleeping’ Bee (8:18)
08. Smoke Gets In Your Eyes (9:01)
09. Stella By Starlight (7:50)

De 5>10 mi valoración es: 8

Jack DeJohnette: New Directions

Jack DeJohnette (1942) nacido en Estados Unidos, conocido dentro del jazz por ser un músico vanguardista con la batería, donde introduce nuevas formas y elementos en los ritmos, también es pianista y compositor. Forma parte en 1966 del cuarteto de John Coltrane, también ha sido miembro de la banda de Charles Lloyd, ha tocado y grabado con Jackie McLean, Herbie Hancock, Joe Henderson y Bill Evans, en 1969 se integra enla banda de Miles Davis donde permanece hasta 1972, durante esta época graba con Wayne Shorter, Chick Corea, Lee Konitz, Miroslav Vitous, Freddie Hubbard y otros muchos. Al dejar la banda de Miles Davis se acerca a músicos de muy distinto talante musical como Sonny Rollins, Stanley Turrentine, Keith jarret (con el que permanece 20 años), Cannonball Adderley y McCoy Tyner. Su dilatada carrera nos deja una también dilatada discografía  repleta de buenas grabaciones de estudio y en vivo con los mejores músicos del mundo.

Jack DeJohnette New Directions es un proyecto que nace en 1978 y que sucede a un primer proyecto denominado “Directions”,  en ésta su primera grabación dejan una obra maestra. DeJohnette con la batería y percusión, el gran John Abercrombie toca la guitarra y la mandolina, Lester Bowie da un sonido especial, mágico y acompasado a su trompeta y el sinuoso Eddie Gómez hace maravillas con el bajo, éstos cuatro músicos forman la Jack DeJohnette New Directions que durante el mes de Junio de 1978 en la ciudad de Oslo graban este magnífico vinilo para la discográfica ECM. Trompeta y guitarra alineadas con el contrabajo y la batería.  Es su segundo proyecto

el álbum lo componen cuatro temas, todos de larga duración, el que menos dura 5:56 y el que más 12:27 minutos, en total cerca de 50 minutos de buena e intensa música. Álbumes como este ayudan a conocer la posterior evolución de algunas formas musicales dentro del jazz.liderando un grupo, desde entonces hasta ahora han sido muchos y exitosos los proyectos del baterista. La nueva formación recibe el beneplácito de la crítica y logra crear sonidos originales, nuevas formas de entender el diálogo de los instrumentos dentro de una conversación musical, todo ello dentro del jazz, a veces hace jazz fusión o incluso hay quien cataloga su música como new age, yo no soy de esta opinión, DeJohnette investiga, se atreve y adentra en nuevas aventuras musicales creando nuevos estilos, pero en ningún momento está fuera del jazz, muy al contrario está creando corriente, haciendo contribuciones importante en la evolución del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 6