Sam Yahel: Trio

Portada del disco

¡Qué bien suena este álbum! qué combinación de sonidos más agradables: órgano Hammond, guitarra y batería, un trio original, sencillo y bien combinado, como un buen coktail. Sam Yahel (1971) es un teclista, pianista y organista de NYC, polifacético, influenciado por Jimmy Smith y sobre todo por el sonido más fresco de Larry Young. Yahel puede deleitarse con ellos, admirarlos convertirse en prologación de sus estilos, pero su enfoque, decididamente está armado de múltiples facetas, dotando a su Hammond B-3 de un sonido singular, personal, fresco y moderno, habiéndose convertido en uno de los organistas más prometedores de la escena internacional. Analítico, serio, capaz de mantener los estereotipos de un músico de órgano y a la par ser innovador, dejar su huella y marcar claramente su estilo, poniendo los valores armónicos y melódicos por delante, en un proyecto musical bien equilibrado.
El trio lo conforman además del propio Yahel, Peter Bernstein en la guitarra, con un sonido acoplado al Hammond de Yahel, compenetrados, en un mismo ambiente y delirio musical, a veces parecen una prolongación el uno del otro, sólo rota por la batería de Brian Blade, entre los tres nos deleitan con un sonido de blues estremecedor, guitarrista y batería echan gasolina al fuego de Yahel, dándonos sabrosas lineas solistas de blues, hermosas baladas, donde destaca "Blues for Bulgaria" con un groove constante del órgano que configura una fácil melodía, dejando jugar a la guitarra y batería alrededor de la melodía central, vinculando estilos y emociones. En este álbum no vamos a escuchar un blues al uso, vamos a encontrar sobre todo una buena interacción grupal, una máquina bien engrasada, con estructuras y armonías contemporáneas, que conforman un tapiz de sonidos actuales y modernos.
El álbum se graba para el sello Criss Cross Récords, en NYC, el 8 de diciembre de 1997, lo produce Max Bolleman, cuenta con un total de ocho temas, de los que tres están compuestos por Yahel y tiene una duración de 55:15 minutos. Un disco altamente recomendado.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Bill Evans: Quintessence

Caratula del álbum

Si Quintessence lo hubiese publicado cualquier otro pianista de jazz, seguro que estaría catalogado como uno de los grandes discos de jazz de todos los tiempos, tratándose de Bill Evans la percepción cambia, es tan alto el nivel que Evans tiene, puso el listón tan alto, que esta joya del jazz ha quedado como una obra menor para muchos, dentro de su discografía, un álbum realizado al final de su carrera que ha pasado sin pena ni gloria. En Quintessence, encuentro el sonido inconfundible de Bill Evans, esa volátil manera de tocar el piano, etérea por momentos, exquisita, refinada, cerebral, casi evanescente, a veces meditada, a veces improvisada, culta, marchamo inconfundible de su estilo.
Bill Evans en Quintessence,  se abre, ofrece un lado más expansivo, acostumbrados a escucharlo como uno de los grandes en el formato de trío, aquí va más allá y opta por el quinteto que lo conforman Harold Land con el saxo tenor, Ray Brown al contrabajo, Kenny Burrell a la guitarra y Phily Joe Jones a la batería, ni que decir que la sección rítmica es de lujo y ejecuta impecable todo el álbum, y la guitarra de Burrell realiza solos y diálogos con Evans sobrecogedores, el tenor cumple bien su trabajo, pero sin destacar. Es un álbum magnifico, elegante, que llega, pero que muchos consideran algo soso por el formato elegido y es que a Evans se le exigía demasiado.
Quintessence se graba en Berkeley entre el 27 y el 30 de mayo de 1976 para el sello Fantasy, cuenta con un total de cinco temas en la versión origínal y un bonus track que hacen seis temas en su primera re-edición, tiene una duración cercana a los 43 minutos, cronológicamente se sitúa entre Alone Again (1975) y Crosscurrents (1977).
 Es un testimonio singular dentro de la ingente obra de uno de los músicos incuestionables de la historia del jazz.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Dejo un vídeo con el tema Martina