Ray Brown Trío: "Ray Brown, Monty Alexander & Russell Malone

Caratula del álbum sobreimpresionada sobre una foto en
blanco y negro de Ray Brown

Un robusto bajo, un alegre piano y una dulce guitarra conforman el trío de Ray Brown, sin batería, lo que proporciona un sonido más tranquilo e íntimo. Ray Brown (1926-2002) bajista y gran maestro, inicia su andadura en NYC de la mano de Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Bud Powell. Durante años estuvo casado con Ella Fitzgerald con la que seguiría grabando después de su divorcio. Con Oscar Peterson estuvo más de quince años. Fue uno de los líderes bajistas durante más de cinco décadas. La grabación de este álbum supone un digno final a una larga carrera musical y una prueba final, por si acaso se necesitaba, del liderazgo de Brown entre los bajistas. El músico de Pittsburgh, murió plácidamente en su camerino el 02 de julio de 2002 en Indianapolis, mientras esperaba el inicio del concierto donde estaban presentando esta grabación, estuvo hasta el final ejerciendo como músico, murió con las botas puestas.
Ray Brown compartió grabación con el pianista Monty Alexander con quien había compartido trabajos desde la década de los setenta y con el guitarrista Russell Malone que era un recién llegado a su formación, los tres por separados, son buenos ejemplos en la ejecución en trío de jazz.
El disco se graba para Telarc Jazz, siendo su décimo octava grabación para este sello y la quinta de su famosa serie Best Friends, es producido por Ray Brown y Elani Martoni,  lo conforman once temas, compuestos entre otros por John Lewis, B.Howart o Dexter Gordon, es decir, desempolva algunos estándares, también el guitarrista Malone compone el corte nº 9 Don´t Go y el mismo Ray Brown compone dos de ellos del que destaco Blues for Junior. Destacar el sonido excepcional en el que se utilizó un Neumann-KU-100 como micrófono global y tres micros individuales para cada instrumento, dando un resultado optimo y uniforme.
El trío suena coherente, centrándose en la tradición Cole-Peterson de sutileza armónica y unidad rítmica, donde predomina un excelente gusto y una combinación musical cálida y cercana, donde Brown nos muestra su impecable técnica y robustez, Monty Alexander coquetea constantemente con las teclas del piano y Malone nos ofrece unos fraseos de guitarra muy intimistas, conformando entre los tres momentos realmente sublimes.
Fue el último regalo que no dejó Brown, donde nos muestra los talentos individuales y colectivos de los tres jazzmen. Consigue que cada pista del disco sea una joya atemporal en la que tienes la respiración contenida en su escucha.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Te dejo un vídeo con el tema Fly me to the moon

Horace Silver: Song for My Father

En la portada del disco, la imagen
pertenece al Padre de Horace Silver
John Tavares Silva

Como bien indica el nombre del álbum el pianista de Connecticut,  Horace Silver (1928) dedica el disco a su padre al que amaba mucho y lo hace a modo de reconocimiento, de él recibe sus primeras influencias musicales, música folclórica de Cabo Verde que escuchaba a su padre que era oriundo de Portugal, ésto junto a las influencias de Monk y Bud Powell, dan como resultado uno de los músicos que mejor ha trabajado y entendido la fusión, si bien, probablemente fue el músico de jazz más subestimado de su época.
" Song for My Father", se graba para la BlueNote en 1963 en New Jersey, cuenta con un total de 7 temas , que en la edición en cd se le suman tres bonus track, todos de una excelente factura, abre el disco el tema homónimo del álbum, se trata de una Bossa en la que se pueden apreciar las influencias de sus raíces caboverdianas, aunque sin olvidar nunca el hard bop del que es considerado una figura indiscutible, aunque el mismo Horace Silver reconoció que un viaje realizado a Brasil le sirvió de inspiración para componer este tema, aunque en todo el álbum nos demuestra su destreza para abordar otros géneros como el funky, gospel, R&B, blues, pasando por temas latinos u orientales, creando una amplia y rica textura multicultural en sus grabaciones.
En cuanto a la formación del grupo utiliza el quinteto para la interpretación del tema "Song for Muy Father", si bien durante toda la grabación va alternando los músicos, así encontramos a Horace Silver en el piano en todo el álbum, en los temas 1,2,4 y 5 la formación era: Carmell Jones en la trompeta, Joe Henderson  con el saxo tenor, Teddy Smith con el contrabajo, Roger Humphries en la batería, por otro lado en los temas 3,6 y 10 la formación estaba compuesta por Blue Mitchell en la trompeta, Junior Cook con el saxo tenor, Eugene Taylor en el bajo y Roy Brooks en la batería.
El álbum marca un antes y un después en la carrera de Horace Silver y es considerada su obra maestra, se encuentra incluido en el libro "los 100 mejores discos de Jazz". El secreto consta de varios elementos: ráfagas musicales pegadizas unidas a una sección rítmica que tira para adelante en todo momento como intentando levantar la música, creando pausas instrumentales a menudo complejas que surgen sin esfuerzo en un constante feedback creando además ricas melodías subyacentes a la melodía troncal, todo ello junto a la rica variedad de géneros que aporta un tinte ligeramente exótico y es que Horace Silver siempre fue un maestro en conseguir el equilibrio entre ritmos fugaces y armonías complejas, dotando sus interpretaciones de una mezcla única de terrenalidad y sofisticación. Un desafío intrincado y constante entre el fraseo musical y el ritmo que a veces ocasionaba una ligera tartamudez musical, que por otro lado caracteriza a Silver. Se trata de un disco asequible a todos tanto para expertos como para neófitos.Un disco que se hace indispensable en tu biblioteca musical.

De 5 > 10, mi valoración es: 9


Te dejo un video con "Song for My Father"

Dexter Gordon: Round Midnight

El film nos lleva a un callejón oscuro, a la profundidad de un Club de Jazz, en París, en cuyo escenario encontramos a Dexter Gordon dando vida a un saxofonista alcohólico y drogadicto, sin más vida que su hotel y su Club de Jazz, su vida se transforma cuando un aficionado entra en su mundo y hace cambiar su destino renaciendo artísticamente, ésta es una resumida sinopsis de la película del francés Travernier para entrar en ambiente de lo que es su B.S.O. "Round Midnight" es ante todo un musical donde importantisimos músicos tocan en directo sobre un escenario de jazz (sin playblacks), en una sola toma, a músicos que hacen de actores como Herbie Hancock, Bobby Hutcherson o el mismísimo Dexter Gordon, donde podríamos decir que se interpretan a sí mismos. La música la arregla y compone en parte un joven Herbie Hancock quien recibió un Oscar por ello. El elenco musical es: Cedar Walton, Bobby McFerrin, Lonette Mckee, Ron Carter, Pierre Michelot, Chet Baker, Tony Williams, Billy Higgins, John Mclaughlin, Bobby Hutcherson, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Dexter Gordon. Seguramente enumerando sólo a los músicos está todo dicho.
Los verdaderos protagonistas son los músicos y la música misma, donde se vive el jazz en cada nota, en una auténtica atmósfera de club de jazz, donde la  música es sublime, hasta la voz de Dexter Gordon parece parafrasear a su saxo.
El tema que da nombre al film "Round Midnight" es aquel que compuso Thelonious Monk y que aquí modula las lineas melódicas con su voz el sinuoso Bobby McFerrin sin que pierda el aire "Monk". Dexter Gordon está como en familia, a sus anchas, como en sus mejores y gloriosos tiempos, sublime, a destacar el emparejamiento musical entre Gordon y Wayne Shorter al interpretar el tema "una noche con Francis" dedicada a Bud Powell y a Francis Paudras, verdaderos protagonistas de la historia real en la que está basada el film, Gordon y Shorter, dos generaciones unidas con un resultado increible. Por su lado, Herbie Hancock está inspiradisimo y quiero resaltar la presencia testimonial de Chet Baker en "Fair Weather" dando un toque de elegancia y belleza al conjunto que le confiere caché al producto, su voz y su trompeta cautivan.
La peli tiene una segunda parte musical y publicada con posterioridad,  Dexter Gordon: "The other side of Round Midnight", pero ese será otro post.

De 5 > 10 mi valoración es: 10

The George Shearing trio: 500 milles high

Carátula del disco de Shearing

     George Shearing (1919-2011) pianista ciego de jazz, nacido en Londres. Su estilo se mueve entre el bop, el swing y el cool y ha sido gran admirador de pianistas como Earl Hines, Teddy Wilson, Errol Garner, Art Tatum o Bud Powell. Para abrirse camino dentro del mundo del jazz se traslada a vivir a NYC donde termina nacionalizándose. Durante su carrera toca con músicos tan dispares como Oscar Pettiford o Buddy de Franco. Sus grabaciones más emblemáticas las realiza para las discográficas MGM récords y Capitol, cuenta en su haber con dos premios Grammys. 

     Shearing se ha movido muy bien dentro del bop y eso es lo que rezuma este álbum un hábil equilibrio entre el swing, el cool y el bop moviéndose hábilmente entre distintos estilos como si estuviese en aguas neutrales, extrayendo sus propias e interesantes conclusiones, dando vida a través del piano a sus ideas musicales. A mi personalmente George Shearing me recuerda a un músico de jam sessions, de bar, de estar escuchándolo con el murmullo de la gente de fondo, en realidad muchos de los mejores músicos de la historia del jazz han forjado su historia en garitos y bares, sobre todo pianistas, es todo un tópico, un bar y un pianista ciego, eso es lo que me evoca su forma de tocar jazz. "500 milles high" coge el título de un tema de Chíck Corea y dentro del álbum están Charlie Parker, Duke Jordan o Ben Webster entre otros que ya son historia, todos tratados por el piano de Shearing con mucho respeto y con el denominador común del bop. El disco se graba en junio de 1977 en los estudios de MPS en Villingen (Alemania), son 9 temas de un repertorio elegido minuciosamente que nos hará disfrutar de unos 45 minutos de buen jazz.

     El trío está formado por un piano, una guitarra y un contrabajo, George Shearing, Louis Stewart & Niels Henning Orsted-Pedersen, como vemos prescinde en la sección rítmica de la batería, crea con estos tres instrumentos un ambiente íntimo, suave, atemporal, personal, cercano, sin grandes alardes de virtuosismo, pero con todos los elementos necesarios para escuchar buen jazz.

De 5>10 mi valoración es: 5

The Tatum Group Masterpieces: Art Tatum, Lionel Hampton, Harry Edison, Buddy Rich, Red Callender, Barney Kessel

Legendaria carátula del disco

Arthur Tatum, conocido por Art Tatum (1909-1956), pianista Estadounidense y uno de los mejores músicos de jazz de todos los tiempos.  Tatum raramente abandonó las líneas melódicas originales de las canciones que tocaba, y prefería rearmonizarlas de forma innovadora, cambiando las progresiones de acordes asociadas a las melodías,  tenía tendencia a realizar grabaciones sin acompañamiento, en parte porque relativamente pocos músicos podían seguir su rápido ‘tempo’ y su avanzado vocabulario armónico. El mayor legado de Tatum son sus grabaciones para piano solo,  La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada. Tatum tenía tendencia a realizar grabaciones sin acompañamiento, o como mucho en trío o cuarteto, el disco que traigo aquí está grabado con un sexteto algo totalmente “extraño” en la carrera del pianista, Tatum disfrutaba con los solos de piano, donde daba rienda suelta a su estilo y creatividad, este sexteto para él tuvo que ser algo así como una big band, pero al contrario de sentirse incómodo en un contexto que al final por desacostumbrado debió resultarle estimulante, porque el resultado es este disco que fue un experimento que salió perfecto, el disco habla por sí mismo. Te das cuenta que cuando el pianista toca detrás de otros solistas, está conteniéndose para remodelar la estructura armónica de la pieza, juega un papel de acompañante y demuestra cuán bien  y cuanto se puede disfrutar porque Tatum podía hacer todo con un piano, excepto que sonara banal. Realizó una serie de grabaciones para Norman Granz en los cincuenta para el sello Verve, poco antes de su fallecimiento. De hecho murió tan solo un par meses después de grabar el disco con Webster. Estas grabaciones incluyeron tanto sesiones en solitario, como en pequeños grupos. En los años 70, Norman Granz recuperó los originales en su nuevo sello, Pablo, y las reeditó como dos cajas The Tatum Group Masterpieces y The Tatum Pablo Solo Masterpieces.

Necesitaría otro post para hablar del resto de miembros del sexteto, Lionel Hampton con el vibráfono, en el que en ocasiones Tatum le cede el papel de virtuoso. Harry Edison con una maravillosa trompeta con sordina que suena a ángeles, a veces evoca a su coetáneo Roy Eldridge. de Barney Kessel y su guitarra, poco tengo que decir, es sencillamente genial, Buddy Rich en un discreto y elegante papel en la batería y Red Callender con el contrabajo, estos cinco invitados que trabajan con Tatum conocen a la perfección su cometido.

Es un disco para disfrutar hasta la última nota,   para disfrutar de su estilo que es pirotécnico, exuberante, abundante, rápido, elegante y sobre todo académico, vamos del jazz que se enseña en las Escuelas de Música. No deja ni un segundo el espacio musical sin notas,  resulta increíble que alguien pueda tocar de esa forma tan veloz con ambas manos. Su forma de tocar el piano ha influido posteriormente en muchos pianistas como Bud Powell, Thelonious Monk, Oscar Peterson o Chick Corea. Sin duda, es una obra “Excelente”.
De 5>10 mi valoración es: 10

Ciego de un ojo, apenas veía con el otro las teclas que magnificamente tocaba

The Elvin Jones Machine: Remembrance

Portada del disco

   Elvin Ray Jones, conocido artísticamente como Elvin Jones (1927/2004), Estadounidense de Pontiac, sin formación musical reglada, crece en ambientes de Gospel, a mediado de los 50 se traslada a NYC donde trabaja con artistas ya consolidados como Charles Mingus, Miles Davis o Bud Powell. Se aferra en un primer momento al más puro Bop para ir definiendo con su batería y el  paso de los años  un estilo propio que marcaría el Post Bop. Hermano de los también músicos de jazz Hank Jones y Thad Jones. Su época dorada se produce junto al gran saxofonista John Coltrane con quién toca desde 1960-66, participando activamente en obras “totem” del jazz como “A love Supreme” o “Crescent”, esta etapa junto al gran maestro del saxo le marca para toda la vida, de hecho su música gira en torno a John Coltrane, a partir de aquí toca con varios grupos pequeños hasta que en 1978 crea el grupo The Elvin Jones Jazz Machine de la que nos han quedado muy buenos testimonios grabados como el álbum “Remembrance”.

     Remembrance. Recuerdo, en efecto, es una de sus primeras grabaciones con la Jazz Machine, grupo con el que estuvo más de veinte años recorriendo el mundo y ofreciendo grabaciones y conciertos, además de dar paso por la formación a una serie de nuevos y grandes artistas que tuvieron la oportunidad de comenzar su andadura jazzística con el gran batería Jones. Remembrance huele a Coltrane por todos lados, el gran saxo está presente de hecho es el homenaje que Elvin Jones realiza sobre su maestro, “Cuando tocaba Remembrance, el recuerdo de Coltrane llegaba a mi memoria con la fuerza de una gigantesca avalancha”,  el mismo Jones dice que no fue consciente de que mientras tocaba junto a John Coltrane estaba cambiando el curso de las cosas, no era consciente de que habría un antes y un después. Remembrance se graba en Stuttgart los dias 3,4 y 5 de Febrero de 1978,  pero no se edita hasta 1980. La Jazz Machine ha sido la máquina de tambores más potente de la historia del Jazz, como curiosidad indicar que esta  formación  no cuenta con piano en sus grabaciones y actuaciones. Quienes hayáis escuchada a la Jazz Machine estaréis de acuerdo en que Jones es un volcán percusivo, una leyenda de la batería que tiene reservado su lugar en el Olimpo de los grandes del Jazz. Si escuchas el primer tema de este disco no vas a poder resistir la tentación de oír el resto. Elvin Jones tiene un gran sentido del swing y una gran facilidad para con la batería crear el climax adecuado, decía una de sus críticas que “esto se debe a la facilidad que tiene de pensar en tres, constantemente aunque esté tocando en 4/4 meterá frases de 3/4″. Los otros músicos de la Jazz Machine son:

Elvin Jones:  batería

Elvin Jones maravilloso percusionista y baterista

Pat LaBarbera: Saxos tenor y soprano

Michael Stuart: Saxos tenor y soprano

Roland Price: guitarra

Andy McCloud III: contrabajo

Ingeniero de sonido: Gibbs Platten

Producido: Joachim E. Berendt

     en total el álbum cuenta con siete maravillosos y bien elaborados  temas que hacen casi una hora de grabación. Disfrútalo.
De 5>10 mi valoración es: 6