Brian Lynch: Brian Lynch meets Bill Charlap

Lo que más destaca del disco nada más oírlo, es el feeling, la gran compenetración, una complicidad musical que discurre por toda la grabación, pura quimica y es que, aunque es la primera vez que graban juntos como solistas, ya tienen un gran recorrido con el quinteto de Phil Woods durante la década los los noventa, lo que se nota tema a tema, porque están sueltos, apacibles, cómodos, sin perder por ello, la frescura de un primer encuentro, recreándose en sus instrumentos, en un continuo dialogo trompeta-piano que roza la perfección por su belleza y es que sobre todo es un álbum bello, interpretado con el alma y el corazón, además de técnicamente impecable.
El cuarteto lo componen además de Brian Lynch a la trompeta y el fliscornio, Bill Charlap al piano, Dwayne Burno al bajo y Joe Farnsworth a la batería. Se graba para el sello Sharp Nine Récords el 16 de mayo de 2003, aunque no sale al mercado hasta el 17 de febrero de 2004, cuenta con un total de nueve temas, seis de ellos estándares y tres compuestos por Lynch, todos de espléndida factura.
Piano y trompeta, Charlap y Lynch, son dueños durante toda la grabación de sus instrumentos, impregnando el ambiente con un excelente estado de ánimo, con momentos líricos y reflexivos bien ejecutados, preciosos solos sobre el blanco y negro del teclado de Charlap y no menos bonitos los solos con trompeta, con una delicada y aterciopelada sordina, que de vez en cuando abandona para soplar el fliscornio. Be Bop, Post Bop del siglo XXI.

Valoración Personal: 9

Frank Morgan & Machito´s Rhythm Section

Una carrera truncada por las drogas, como tantos y tantos boppers de la época, justo al inicio, cuando algunos de los grandes músicos del momento querían contar con él, Morgan se habitúa al consumo de drogas, heroína, como hacía su idolatrado Charlie Parker, lo que le costó delinquir y treinta años de cárcel que truncaron una carrera y una vida, a su salida comentó: "En ese momento, yo y muchos otros músicos jóvenes cree que si queríamos tocar como Bird tendría que vivir como él" eso, además de la música hace referencia también al alcohol y las drogas duras. Morgan desde la cárcel de San Quintín, no pudo hacer carrera, pero no abandonó la música y se alió con Art Pepper, compañero de fatigas, con quien llegó a reunir grandes orquestas dentro del centro penitenciario. Trágica historia que trató de arreglar a su salida de la cárcel en 1985, donde tuvo la oportunidad de hacer carrera musical con éxito.
El disco Frank Morgan whit Conte Candoli & Machito´s Rhythm Section, se graba en 1955 para el sello Crescendo, en un intento de réplica de la costa oeste a lo que fue denominado Cubop, que no era otra cosa que Be Bop con aire latino que hacía furor en NYC, recordando el célebre disco de Parker con la Machito´s, así reunió a percusionistas de la Machito´s como José Mangual y Ubaldo Nieto a su proyecto. Era su debut como líder, estaba siendo promocionado como el "nuevo Bird", cuando debuta también como preso. El álbum cuenta con cuatro temas con la sección rítmica de Machito´s, el resto de temas lo conforma un septeto compuesto y liderado por Frank Morgan al saxo alto, Wardell Gray al saxo tenor, Wild Bill Davis al piano y al órgano, Conte Candoli en la trompeta, Howard Roberts en la guitarra, Carl Perkins al piano, Leroy Vinnegar al contrabajo y Lawrence Marable a la batería.
Todo el álbum es una gran lección de Be Bop, con protagonismo especial para Morgan y Candoli, que de alguna manera homenajean a sus ídolos Parker y Gillespie. El disco evidencia porque Frank Morgan estaba tan valorado en la época.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Vídeo con el tema Milt´s Tune (4º corte cara B del vinilo)

John Coltrane: Blue Train

Caratula del álbum

Blue Train es una obra maestra del jazz. El álbum es interesante en sí mismo musicalmente, por los soberbios solos de los vientos, pero también porque se observa el tránsito del saxofonista, ese espacio que ocupa en términos de desarrollo de Coltrane como innovador. Blue Train marca un alejamiento de las armonías del Bop convencional, algunos de los temas del disco, hacen uso de los cambios de acordes conocidos como "cambios Coltrane" y que aquí realiza como preludio de lo que haría a finales de los cincuenta con "Giant Step". En Blue Train, Coltrane está a punto de habitar su futura personalidad musical, pero aún se encuentra firmemente plantado en el hard bop, se reinventa a sí mismo como un intérprete polifacético tanto de hard bop, como de baladas sensuales. Es un disco que captura la esencia y el estilo fresco del autor, donde su música, casi parece flotar en el aire. Sonido característico de Coltrane, Blue Train es un clásico, considerado como uno de los mejores discos de la década de los cincuenta y de la historia del jazz.
El disco se graba en NYC para la Blue Note, aunque Coltrane no tenía ningún contrato con la discográfica, deja esta grabación para la historia,  se graba el 15 de septiembre de 1957, cuenta con un total de cinco temas y una duración de 42:50 minutos, es el disco anterior a "soultrane" y es después de "A love supreme" el disco más vendido del autor. El Lp original se remasteriza a CD en 1990 e incluye dos tomas alternativas de "Blue Train" y "Lazy Bird". Todos, excepto "I´m Old Fashioned" son compuestos por Coltrane, por lo que se puede considerar como el primer álbum auténticamente del músico, ya que elige su grupo y compone los temas.
Los créditos son todo un lujo: John Coltrane con el saxo tenor, con un nivel de energía espectacular, con una expresión y una creatividad en todo lo alto y un sentimiento muy profundo; en la trompeta tenemos a Lee Morgan, espectacular sus solos en un derroche de inteligencia e improvisación; en el trombón está Curtis Fuller, quien hace gala de su maestría con el instrumento. Los tres vientos juntos son todo un lujo. En el piano está Kenny Drew, fresco y chispeante; en el bajo el gran Paul Chambers demuestra su impecable estilo marcando ritmo a toda la formación y en la batería Philly Joe Jones quien tiene oportunidad de lucirse durante toda la grabación. Un sexteto para la historia.
Sin reservas, Blue Train se puede considerar uno de los mejores discos de la historia del Jazz.

de 5 > 10, mi valoración es: 10

Dejo este vídeo con el corte primero que da nombre al disco "Blue Train"

Clark Terry & Red Mitchell: Jive and Five

Caratula del álbum

Hay que ser muy valiente para sacar a dúo esta grabación, tan sólo el talento, el ingenio, la profesionalidad y el buen hacer de Clark Terry (1920) y Red Mitchell (1927-1992) son capaces de dar vida a un proyecto musical ante el que se presentan desnudos, sólo trompeta y contrabajo y además conseguir que tenga ritmo, cuerpo, vida, originalidad y suene a música celestial, eso es Jive and Five, un exquisito álbum por lo cuidadoso de la selección musical que se interpreta, por la perfecta ejecución a dúo de los músicos y por lo singular del proyecto. En efecto, Jive and Five consigue conmoverte con el swing-bop de Terry y Mitchell y que se traduce en unos solos de trompeta con sordina que brillan e hipnotizan por sí mismos, sin más aderezo que un poderoso y potente contrabajo del que Mitchell saca todos los registros posibles. Además el disco guarda sorpresas interesantes como Mitchell cantando o tocando el piano y Terry tocando además de la trompeta el fliscorno, instrumento en el que se especializó en la década de los cincuenta.
Jive and Five se graba en Estocolmo el 7 de julio de 1988 para el sello Enja, aunque no se publica hasta 1990, cuenta con un total de 11 temas con una duración aproximada de 57 minutos, la mayoría estándares de Count Basie, Harry "sweet" Edison, Duke Ellington o Lester Young, sólo un tema está compuesto por Red Mitchell  el corte nº 9 Big "N" the bear, el resto temas conocidos por todos los amantes del Jazz como el que da nombre al álbum o el afamado Sophisticated Lady de Ellington.
De principio a fin suena interesante, insólito, culto, bonito, apasionante y digno de elogio, pocas veces un dueto ha logrado sincronizar todas las piezas para sonar tan bien y sobre todo, para no echar en falta a otros instrumentos, ellos solos se sobran y bastan con Jive and Five.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Te dejo un vídeo con el tema Sohphisticated Lady de un concierto un año antes de la grabación

Lester Young: The Master´s touch

The master´s touch es de esos discos que pierden peso gracias a una nefasta gestión de las discográficas, se trata de temas alternativos, cogiendo como base 11 temas de Lester Blue y ampliándolos hasta 20 pistas, repitiendo algunas de las tomas hasta en cuatro ocasiones, por otro lado los créditos en algunas de las sesiones es incompleto o inexistente, dependiendo de las ediciones, el mismo disco aparece con caratulas distintas, alguna de ellas no muy afortunada en su diseño, lo que hace que el resultado final sea algo caótico. No obstante, tratándose de Lester Young (1909-1959) o "Prez" como le apodó Billie Holiday, (o tambien "Pres" abreviatura de "Presidente de los saxos tenores")  no puede tratarse de un mal disco.
Son grabaciones realizadas por el sello Savoy en 1944 (entre el 18 de Abril y el 1 de Mayo) y otras cuatro grabaciones realizadas en 1949, todas  ellas son tomas alternativas, así el disco discurre sobre 20 pistas que cubren 11 temas con una duración total de 54 minutos. Otro de los errores de la edición es no explicar en la portada del disco que se tratan de tomas alternativas, creo que es una información necesaria para el comprador.
Los créditos que aparecen son,  además de Count Basie, Harry "Sweet" Edison, Al Killian, Ed Lewis y Joe Newman con la trompeta, Ted Donnelly, Eli Robinson, Lou Taylor y Dickie Wells en los trombones, Jimmy Powell saxo alto y Earl Warren también en saxo alto y voz, Buddy Tate con el saxo tenor, Rudy Rutherford con saxo barítono, Clyde Hart al piano, Freddie Green con la guitarra, Rodney Richardson con el bajo y Jo Jones con la batería.

Imagen típica de Lester Young, con su
enorme saxo, sus trajes ostentosos y
el sombrero de piel de cerdo

A pesar del caos discográfico, la música de Prez es única, fue el creador de un lenguaje musical único, parco y melancólico y a veces excesivamente cerebral, original y muy influyente, además de un auténtico maestro del Blues y un poeta del jazz, con un gran sentido del ritmo y del swing que reflejaba continuamente en sus improvisaciones y sobre la que se construye toda la tradición del saxo tenor en el jazz, sin duda una de las figuras más importantes de la transición entre la preguerra y el Be Bop.
Si tienes varios discos de Lester Young "The Master´s touch" te ayudará a conocerlo mejor, si tu biblioteca musical es escasa en discos de Prez, no te compres este disco. Considero también un ultimo error llamar al disco "The Master´s touch" tratándose de tomas alternativas.

De 5 > 10, mi valoración es: 6

Buddy de Franco: Borinquin

Caratula del vinilo de Buddy de Franco

El clarinete como instrumento tuvo sus tiempos de gloria en la época del swing, donde era uno de los instrumentos calientes del jazz, gracias sobre todo a Benny Goodman, otros como Artie Shaw y Woody Herman tocaron el clarinete en las grandes orquestas, así la cuerda de saxos y clarinetes constituyeron su propio show. Hace de esto sesenta años. Pocos sobrevivieron a la aparición de pequeños grupos, al nacimiento del Be Bop y los distintos géneros que le siguieron. De los pocos músicos que se supieron adaptar a la nueva situación se encuentra Buddy de Franco (1923) ¿clarinetista de jazz? ¿cuantos siguen tocando hoy?, en efecto De Franco, se acomodó a la nueva situación y comenzó a tocar con cuartetos o quintetos y buscó nuevos caminos para su instrumento, De Franco es un músico cuya habilidad no tenía límites, si los estilos del jazz cambian, él lo hace también de forma camaleonica, mimetizándose con el entorno musical del momento, el fin de la era del swing no significaba dejar de tocar, así continuó su desenvolvimiento como solista y añadió nuevas dimensiones a su estilo interpretativo, así ha sido capaz con su fuerte impronta y personal estilo de elevar al clarinete del declive en el que se sumió y situarlo donde le corresponde.
"Borinquin" sale al mercado el 1 de enero de 1975, cuenta con seis temas grabados mientras actuaba con su grupo en Buffalo y Boston y tiene una duración aproximada de 45 minutos. El quinteto está compuesto por Buddy de Franco al clarinete, Ray Santisi está fresco y genial con el piano, John Chiodini hace filigranas con la guitarra y la sección rítmica está formada por Mike Richmond al bajo y Randy Jones en la batería, ambos realizan un brillante trabajo. Los temas que componen el disco muestran consistencia, versatilidad en su estilo y una gran musicalidad, De Franco controla toda la música y sabe dar protagonismo a su grupo, su interpretación es clara y precisa, como hacen los maestros, hace fácil el arte, se nota su inspiración y la ejecución melódica es suelta, ágil, en ningún momento forzada o precipitada, al contrario su fraseo es elegante, ceremonioso, mostrando la riqueza de los distintos tonos del clarinete con el que realiza sutiles contrastes rítmicos. Un disco para el reencuentro con el instrumento perdido.

De 5 > 10, mi valoración es 6

Danilo Pérez: Providencia

Carátula del álbum Providencia

   Cada vez son más los músicos latinos que entran en el escenario del Jazz con fuerza como es el caso del Panameño Danilo Pérez, quien ya desde pequeño se empapó de la música que le enseñó su padre, Danilo recibe formación clásica y estudia con distintas becas en Estados Unidos, siendo aún estudiante ya toca con músicos como Paquito D´Rivera, en la década de los 80´s tiene una larga lista de colaboraciones Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Nuñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Gary Burton o Steve Lacy. Es en la década de los 90´s cuando adquiere madurez como músico llegando a grabar álbumes tan importantes como PanaMonk, dedicado al legendario Thelonious Monk,  el disco es nombrado "obra maestra del jazz" por el New York Times, siendo además elegido como uno de los 50 mejores álbumes de jazz piano.
     Providencia es su último trabajo en el que se exponen ideas nuevas, estilos singulares, donde se funden ritmos panameños como "el tamborito" con complejos ritmos. El disco suena a jazz renovado, en él se crean nuevos vocabularios musicales donde se entrelazan en perfecta armonía estilos, instrumentos y voces en una mezcla compleja que nos muestra otra manera de entender la música y el jazz en particular, lo clásico, el free, el hard, lo folklorico, lo afrocubano, el be bop, hasta reminiscencias de fado y como no el famoso bolero Panameño "es la historia de un amor" (Eleta Almaran) donde Danilo sin perder la armonía original del bolero crea ambientes mágicos. En definitiva el músico crea nuevas propuestas para el jazz contemporáneo.
     El disco se graba en 2010 para la discográfica Mack Avenue y son once los temas de este magnífico trabajo de jazz moderno, los músicos que conforman la grabación son: Danilo Pérez con el piano, Ben Street en el contrabajo, Adam Cruz como batería, Rudresh Mahanthappa con el saxo alto, Jamey Haddad en percusión, con las congas Ernesto Díaz, con una magnifica voz está Sara Serpa, Matt Marvuglio en flauta, Barbara Laffitte con el nada jazzístico oboe, Amparo Edo Biol con el desconocido corno francés, Margaret Phillips con el fagot y José B. Meza con el clarinete. Con este disco Danilo Pérez nos demuestra que es un músico comprometido con abrir nuevos caminos y nuevos aires al mundo del jazz.

 Clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=51OmGV8_H74 y escucha un ensayo de Danilo Pérez del tema Providencia.

De 5>10 mi valoración es: 8 

Red Rodney: Yard´s Pad

Caratula del álbum

De nombre Robert Chudnick, nacido en Philadelphia (1927-1994), trompetista blanco en una época en que los negros eran los reyes de este instrumento. Primer trompetista blanco que Charlie Parker contrató en 1949, tras la fuga de Miles Davis,  fue un estilista magnífico y un improvisador inteligente y siempre inspirado. El jazz se olvidó injustamente de él durante dos décadas debido a problemas con las drogas,  pero cuando regresó a mediados de los 70, los que le escucharon reconocieron que seguía siendo uno de los grandes del be bop de la historia. Seguidor entusiasta de Dizzy Gillespie y de Charlie Parker, fue uno de los músicos de la película que dirigió Clint Eastwood “Bird” y que dedicó a Charlie Parker. Albino Red, así tuvo que apodarlo Parker para evitar los problemas raciales de los Estados del Sur que no veían con buenos ojos un blanco en una orquesta de negros.Yard´s Pad es un álbum que gira en torno al saxofonista Charlie Parker y que está inspirado en la composición “Yardbird Suite”, interpretado con alegres tonos medios, el disco que es puro Be bop se mueve a lo largo de un flexible, constructivo e insuperable swing, con intricandos dialogos bop entre los intrumentos. Son un total de siete temas los que componen este álbum y Rodney se hace acompañar por Arne Domnerus en el saxo alto, Bengt Hallberg al piano, Red Mitchell en un flexible e insinuoso contrabajo y Ed Thigpen en la batería. El disco fue grabado entre el 4 y 5 de marzo de 1976 en los Estudios Stockholm de la capital sueca. Fue el regreso de Red Rodney a la escena musical después de largos años de problemas con las drogas que le condujeron incluso a la cárcel, un retorno que se materializa en Europa y que se centra en Dinamarca y Suecia donde tuvo una gran acogida por parte del público. En “Yard´s Pad” encontramos a un Red Rodney brillante, recuperado, como en sus mejores tiempos, dándonos una lección de Be Bop y dejando la grabación de este disco para la historia.  De 5>10 mi valoración es: 5

Red Rodney y su trompeta