Quincy Jones: "This Is How I Feel About Jazz"

Quincy Jones siempre ha estado ligado al mundo del jazz, desde sus comienzos en los años cincuenta y sesenta, sin embargo es más conocido por otras facetas siempre relacionadas con la música, como productor, director o arreglista de música pop, de bandas sonoras para el cine, fue el productor del Thriller de Michael Jackson. Sus orígenes fueron en la sección de trompetas de Lionel Hampton, aunque pronto daría el paso a formar su propia Big Band, así aunque era un trompeta discreto, con tan sólo algunas sesiones aisladas en NYC, en 1956 tiene su primera oportunidad de grabar un álbum,  para el sello ABC, Paramount, así fue como nació This Is How I Feel About Jazz, con sólo 23 años reúne al mejor elenco de músicos que por entonces había en la ciudad de los rascacielos: Art Farmer, Clark Terry, Joe Wilder, Jimmy Cleveland, Phil Woods, Jerome Richardson, Herbie Mann, Zoot Sims, Lucky Thompson, Milt Jackson quien por cuestiones contractuales aparece bajo el seudónimo de "Soul Brother", Charles Mingus, Paul Chambers, Billy Taylor, Hank Jones y muchos otros. Muchos de estos músicos habían compartido sesiones con Jones, pero no eran un equipo, ni siquiera existió un sentido de pertenencia a este proyecto.
El álbum incluye seis pistas en tres sesiones separadas, las dos primeras sesiones se grabaron con formaciones de ocho o nueve músicos, la última fue con quince miembros, lo que ya constituía una Big Band más tradicional. 36:32 minutos, seis temas entre los que destacan A Sleepin Bee, Walkin o Stockholm Sweetnin, creado en homenaje a Clifford Brown, quien murió en un accidente automovilístico a primeros de 1956 y que hubiese participado en la grabación de este disco, de alguna manera su espíritu está latente en toda la grabación. La pasión que Jones tenía por el jazz se hace ver durante todo el álbum, una pena que en los setenta abandonara definitivamente el mundo del jazz.

Valoración personal: 9

Ella Fitzgerald Abraça Antonio Carlos Jobim

Ella abraça a Jobim, no se me ocurre una mejor definición que la de abrazo para titular este álbum. Un abrazo de una de las grandes del jazz,  que dio todo a este género durante más de seis décadas y fue todo un referente en el jazz vocal, Lady Ella (1917-1996) como se la conocía, poseía unos registros  extraordinarios, con un rango vocal de tres escalas, una energía que se transmite en su música, elementos éstos que le son característicos, junto a su técnica scat producto de una gran capacidad de improvisación y sello de la casa. Ella abraza fuerte a Antonio Carlos Jobim (1927-1994), conocido como Tom Jobim, artista que internacionalizó la bossa nova fusionandola con el jazz y haciéndola eterna desde los sesenta hasta nuestros días.
Norman Granz productor con olfato, los une  y encarga a Ella una selección de los temas más emblemáticos del músico brasileño, según el mismo Norman el doble LP puede ser una continuación de la serie que Ella dedicó a músicos como Cole Porter, George Gershwin o Duke Ellington, aunque varios años después. El álbum se graba en los Estudios Hollywood (California), los días 17,18 y 19 de septiembre de 1980 y 18,19 y 20 de marzo de 1981, para el sello discográfico Pablo Récords, son dos Lp´s, con un total de 19 temas y una duración de 75 minutos, en 1991 se edita la versión CD, contrariamente a lo que siempre suele ocurrir, viene con dos temas menos "por causa de voce" y "samba do aviao".
Los créditos son abundantes e inmejorables, encontramos a Ella Fitzgerald como vocalista, en la percusión a Paulinho da Costa, en la batería Alex Acuña, en el bajo a Abraham Laboriel, tenemos varios teclados: Terry Trotter, Mike Lang, Clarence McDonald, lo mismo sucede con las guitarras rítmicas: Paul Jackson, Oscar Castro-Nieves, Mitch Holder y Roland Bautista. Los platos fuertes vienen con los solistas, donde nos encontramos en la guitarra con muy buenos solos, a Joe Pass, en la guitarra acústica a Oscar Castro-Neves, en la trompeta, aportando alegría y vigor encontramos a Clark Terry, en el saxo tenor Zoot Sims, no se me viene a la cabeza un sonido mejor que el Sims para esta grabación y en la armónica con momentos brillantes y de gran protagonismo está  Toots Thielemans. Elenco de grandes músicos para un gran disco.
El disco viene a ser el reconocimiento a Brasil y la aportación que realiza a la música y a la historia del jazz y a Tom Jobim como su máximo representante. Es muy difícil recomendar alguno de los temas del álbum, porque todos son excelentes y muy conocidos "Garota de Ipanema", "Favela", "Desafinado", aunque me atrevo a recomendarte "Dindi" y "Dreamer", todo ello desde la seguridad que disfrutarás con todos ellos, porque hablamos de un disco hermoso, bello, realizado con mucho cariño y con ese sonido mágico, sutil, aterciopelado, que surge de la unión del jazz y la bossa nova.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Dejo un vídeo con una selección de temas del álbum

Clark Terry: The Happy Horns Of Clark Terry"

Feliz, es quizá la mejor palabra para definir el espíritu de la música de Clark Terry (1920), la suya, es la trompeta con mejor sentido del humor, aunque esta sea una descripción correcta, es demasiado limitada para definir a uno de los grandes trompetistas de la historia del jazz. Terry sabe como sacarle todos los recursos posibles a su trompeta, tiene un rango superado por pocos y si a la vez se divierte con lo que hace, estupendo, eso se transmite y se nota en su música, que es fresca, alegre, dinámica y técnicamente impecable. Clark Terry es uno de los trompetistas mejor dotados y originales que ha dado la historia del jazz, influenciado por Rex Stewart y Dizzy Gillespie, a la que Terry añade su personal forma de construir las frases llenas de técnica y humor a la vez, lo que en realidad define su personalidad.
The Happy Horns Of Clark Terry, es un álbum donde el trompetista de Saint Louis, coquetea con la trompeta y el fliscorno, además se rodea de excelentes músicos y amigos con los que se nota que toca a gusto, así el sexteto está formado por grandes, como el gigante del saxo tenor de todos los tiempos Ben Webster, por no hablar del saxo alto y aquí también clarinetista Phil Woods, El veterano Contrabajista Milt Hinton, Roger Kellaway al piano y Walter Perkins en la batería.
El álbum se graba el 13 de marzo de 1964 en los estudios Van Gelder de New Jersey, para el sello discográfico Impulse, lo produce Bob Thiele y cuenta con ocho temas y una duración de 39 minutos. Los temas son estándares, la mayoría de ellos de una sesión de marcada influencia Ellingtoniana (cortes 1,4 y 6) donde el corte 4 Ellington Rides Again es un medley dividido en tres partes, también encontramos un tema de Johnny Hodges o de Beiderbecke y el propio Terry aporta el corte tercero "Return To Swahili".
The Happy Horns Of Clark Terry, es un disco sin desperdicio, donde Clark Terry se encuentra en un gran momento musical, donde además tiene oportunidad de brillar tocando el fliscornio con ráfagas inolvidables, rodeado de excelentes músicos que crearon un clima musical soberbio que flota sobre toda la grabacion.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Dejo un vídeo inspirado en esta leyenda del jazz

Clark Terry & Red Mitchell: Jive and Five

Caratula del álbum

Hay que ser muy valiente para sacar a dúo esta grabación, tan sólo el talento, el ingenio, la profesionalidad y el buen hacer de Clark Terry (1920) y Red Mitchell (1927-1992) son capaces de dar vida a un proyecto musical ante el que se presentan desnudos, sólo trompeta y contrabajo y además conseguir que tenga ritmo, cuerpo, vida, originalidad y suene a música celestial, eso es Jive and Five, un exquisito álbum por lo cuidadoso de la selección musical que se interpreta, por la perfecta ejecución a dúo de los músicos y por lo singular del proyecto. En efecto, Jive and Five consigue conmoverte con el swing-bop de Terry y Mitchell y que se traduce en unos solos de trompeta con sordina que brillan e hipnotizan por sí mismos, sin más aderezo que un poderoso y potente contrabajo del que Mitchell saca todos los registros posibles. Además el disco guarda sorpresas interesantes como Mitchell cantando o tocando el piano y Terry tocando además de la trompeta el fliscorno, instrumento en el que se especializó en la década de los cincuenta.
Jive and Five se graba en Estocolmo el 7 de julio de 1988 para el sello Enja, aunque no se publica hasta 1990, cuenta con un total de 11 temas con una duración aproximada de 57 minutos, la mayoría estándares de Count Basie, Harry "sweet" Edison, Duke Ellington o Lester Young, sólo un tema está compuesto por Red Mitchell  el corte nº 9 Big "N" the bear, el resto temas conocidos por todos los amantes del Jazz como el que da nombre al álbum o el afamado Sophisticated Lady de Ellington.
De principio a fin suena interesante, insólito, culto, bonito, apasionante y digno de elogio, pocas veces un dueto ha logrado sincronizar todas las piezas para sonar tan bien y sobre todo, para no echar en falta a otros instrumentos, ellos solos se sobran y bastan con Jive and Five.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Te dejo un vídeo con el tema Sohphisticated Lady de un concierto un año antes de la grabación

Thelonious Monk: Brilliant Corners

Caratula del disco

Brilliant Corners es seguramente la obra maestra de Monk y la más perdurable en el tiempo, uno de los más hermosos y uno de los mejores discos de la historia del jazz. Lo que supuso para Thelonious Monk (1917-1982) fue un reto, una firme reivindicación después de serle retirada por un asunto de drogas la licencia como músico, estuvo más de un lustro sin poder tocar en los clubs de NYC. Brilliant Corners es aire fresco para Monk, así en otoño de 1956 tuvo la oportunidad de grabar un álbum con temas propios y con los mejores músicos disponibles y Monk no perdió esta oportunidad, compuso tres de los cinco temas con los que cuenta el álbum, siendo el tercer disco que graba para Riverside, se hizo en tres sesiones el 9 y 15 de octubre y el 7 de diciembre de 1956, lo produce Orrin Keepnews y cronológicamente se sitúa entre "The unique Thelonious Monk" (1956) y "Thelonious Hinself" (1957), se lanza al mercado en 1957.
La grabación cuenta con cinco temas y tiene una duración cercana a los 43 minutos. El primer corte homónimo es una compleja composición, conocida por su extraña melodía y la duplicidad del tempo, que necesitó más de 25 tomas diferentes para finalmente sólo ser posible gracias a un empalme de dos tomas distintas, un tema audaz que nunca ha perdido su poder para sorprender y seducir décadas después. El otro tema por importancia es "Pannonica", el tercer corte y dedicado a su protectora Nica Rothschild, la baronesa de Koeningswarter, en cuya casa murió cuidado por ella, una década después de retirarse bruscamente de la vida pública. "Pannonica" es un tema que destaca por dos razones, la primera porque Monk toca la celesta un instrumento a medio camino entre el piano y el vibráfono y simultánea piano y celesta y el segundo motivo es porque Sonny Rollins hace una interpretación genial y uno de sus mejores solos de baladas, es como si el saxofonista hubiera poseído e interiorizado la composición de Monk y éste le respondiera cariñosamente metiéndose en su solo.
Los músicos que acompañan a Monk son: Ernie Henry con el saxo alto, Sonny Rollins al saxo tenor, Oscar Pettirford y Paul Chambers en el doble contrabajo, Max Roach en la batería y Clark Terry con la trompeta. Rollins y Monk vertebran el disco y Max Roach une al grupo con su capacidad polirrítmica.
Pocos músicos tienen la originalidad de Monk, uno de los padres del Be Bop, estrafalario, pero con lógico rigor, que le hace dueño de esas melodías truncadas, distorsionadas, de esos patrones que permiten la interrupción repentina del ritmo, esos extraños vericuetos difíciles de entender, esa música que suena con aspereza urbana, que le hace artífice como innovador y aportar al jazz un sonido nuevo, distinto, diferente, supuso un hito musical en su momento. Thelonious Monk personificó la originalidad artística, la indiferencia a las normas y su excentricidad personal para realizar interpretaciones y composiciones cargadas de elegancia y una extraña belleza.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Un video con el tema "Brilliant Corners"

The Trumpet Summit: Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Clark Terry MEETS The Oscar Peterson Big 4

Diseño de norman Granz

La cumbre de las trompetas, aunque yo más bien lo llamaría la "Fiesta de las trompetas" y es que la grabación es eso, un festín que se dan tres de los mejores trompetistas de todos los tiempos con la inestimable colaboración del cuarteto de Oscar Peterson. Por ordenar las cosas los trompetistas son: El gran Freddie Hubbard, otro grande como Clark Terry y el grandísimo Dizzy Gillespie, todo ello aderezado por The Oscar Peterson Big 4 formado por Oscar Peterson al piano, Ray Brown al bajo, Joe Pass con la guitarra y Dobby Burham con la batería. De todos es sabido que Oscar Peterson es solista, pero en un acto de generosidad cede todo el protagonismo a las trompetas, el suyo y el de su grupo, quedándose en segunda fila, pero sólo de forma aparente, ya que su grandeza hace que se desborde su ritmo y su inspiración hace a cada músico dar más de sí, tocar con más "swing" de lo habitual, así los tres protagonistas hacen de las suyas durante los cuarenta minutos que dura la grabación que se reparte en cuatro temas: "Daahoud" donde Hubbard y Gillespie tocan con trompeta abierta, Clark Terry con sordina, siendo el orden de cambio de compases Terry-Hubbard-Gillespie, en el siguiente tema "Chicken Wings" tocan con sordina Gillespie y Terry y con trompeta abierta Hubbard, en "Just Friends" Terry cambia la trompeta por el instrumento que hizo famoso a Chuck Mangionne el Fliscorno y Gillespie utiliza sordina, mientras Hubbard toca en abierto, el mismo orden se sucede en el último de los temas "The Champ".
El piano de Peterson  endiabladamente rítmico, Ray Brown siempre grande con su contrabajo, a Joe Pass se le oye poco y más bien rellena huecos y el batería Dobby Durham hace que todo encaje, así entre los cuatro dan cuerpo al sonido de las trompetas que son las auténticas protagonistas de la sesión de grabación que se realizó entre las 9 de la noche y las 3 de la madrugada del 10 de marzo de 1980. El culpable del encuentro, quien se encargó de juntar a todos los músicos no es otro que Norman Granz.

De 5 > 10 mi valoración es: 9

Duke Ellington: The Ellington Suites

Duke Ellington

El pianista, compositor, director y arreglista Duke Ellington (1899-1974) apodado el Duke porque al contrario de lo habitual a principios del siglo XX, él pertenecía a una familia acomodada, por lo que con envidia, le apodaron aristocraticamente el Duke (Duque). Hablar de Duke Ellington es hablar de la historia misma del jazz desde sus inicios hasta casi sus actuales formas, elevó el jazz a niveles excelsos, convirtiéndose en el genuino Duke del jazz, aunque por derecho propio es el verdadero Rey Orquestal del género, capaz de sobrevivir como director de grandes Big Band al Be Bop y la proliferación que éste trajo consigo de solistas y pequeños grupos. Renovó el concepto de jazz orquestal hasta el último día de su vida, engrandeciendo y dignificando el concepto de orquesta utilizando para ello todas las expresiones musicales, desde el blues, el dixie hasta el post bop, pasando por la música clásica o el cine todo ello con un uso acertado del swing que fue tan exitoso en la primera mitad del siglo XX.
The Ellington Suites es un álbum de estudio que recoge una época musicalmente madura del pianista y director y que lo conforman tres Suites grabadas en 1951, 1971 y 1972 y que publica la discográfica Pablo en 1976, después de la muerte de Ellington. El disco ganó un premio Grammy a la mejor interpretación de Jazz por una Big Band. Este tipo de composiciones hacen que se produzca un giro de concepto, tanto a la hora de componer como de interpretar, pasando a ser más "formales" y con un mayor peso temático, "The Queen´s suite" con seis cortes se graba en NYC entre Febrero y Abril de 1959, "The Goutelas suite" también con seis cortes se graba en NYC en 1971 y "The uwis suite" con tres cortes se graba en NYC en octubre de 1972, cada una de las suites tiene una formación musical distinta y que por extensas no voy a nombrar aquí en su totalidad solo como muestra, músicos como Clark Terry, Cootie Williams o el propio Ellington.
El creador de "Mood indigo" o "Sophisticated Ladies" nos muestra en The Ellington Suites otra cara menos popular, con menos swing y cercana a veces al impresionismo clásico, con un disco muy bien estructurado y dirigido que nos hace ver la Big Band desde otra perspectiva más culta, más intimista, sofisticada, elegante y elaborada. El resultado es de los mejores trabajos del pianista.

De 5>10 mi valoración es: 9