Gil Evans: "The Individualism of Gil Evans"

Una de las cosas que te quedan claras cuando escuchas el disco de Gil Evans, es que es una obra que no se puede dividir en partes, que es un todo indivisible, integrado, su audición por partes queda inconclusa, incompleta, perdida las ondas en el espacio sin dirección.
El álbum se graba en seis sesiones entre septiembre de 1963 y octubre de 1964, la grabación original cuenta con nueve temas y una duración total de 55:22 minutos. Los créditos son increíbles, una Big Band en toda regla, un total de cuarenta músicos entre los que destacan: Gil Evans al piano y los arreglos, Thad Jones a la trompeta, Jimmy Cleveland al trombón, Wayne Shorter al saxo tenor, Phil Woods con el saxo alto, Eric Dolphy con clarinete bajo y saxo alto, Steve Lacy al saxo soprano, Kenny Burrell a la guitarra, Gary Peacock, Paul Chambers y Ron Carter al bajo y Elvin Jones a la batería, perdón por dejar al resto de músicos en el anonimato. Señalar que el personal varía entre las seis sesiones que componen la grabación.
Evans tuvo una actividad frenética en los cuarenta y cincuenta, sin embargo en los años sesenta más bien mantuvo un perfil bajo hasta la publicación de este disco, donde está a la altura de su expresión creativa y artística, exuberante en la composición y en la relación con el resto de músicos donde huye de acrobacias musicales y hace arreglos complejos, profundos y sutiles. El álbum mantiene durante todo el tiempo un ritmo lento, como a fuego lento con un ligero incremento, pero que no llega a hacer llama. Durante toda la escucha, conforme se va sucediendo el tiempo, el autor se va introduciendo en complejidades musicales que conforman el tejido musical de su obra.
Gil Evans fue uno de los arquitectos del sonido "cool" y este disco con la gran orquesta que tiene detrás escenifica su capacidad de ir más allá de las normas.

Valoración Personal:  9

Charles Tolliver and his All Stars: Paper Man

Charles Tolliver es uno de esos músicos que con frecuencia pasa inadvertido para la gran mayoría de amantes del jazz, también para las discográficas que no han relanzado su obra, cosa que parece inadmisible, ya que hablamos de un talento en la ejecución de la trompeta, se inició en los sesenta con Max Roach, fue en esta época cuando fue nº 1 como "trompetista promesa" por la revista Down Beat. El propio Tolliver hace un paréntesis en su carrera quizá demasiado largo y que dio pie a que su nombre no suene como se merece.
Tolliver en la década de los sesenta y setenta, era un músico tan brillante como Lee Morgan o Freddie Hubbard, discípulo de los Jazz Messengers de Art Blakey, lleva el jazz en las venas. Utiliza una técnica verdaderamente notable, de tono brillante y agresivo, excelente improvisador, consiguió que su música fuese un hard bop que sin abandonar los cánones establecidos, de forma vibrante y vanguardista, se asomaba siempre un poco más allá de la ortodoxia bopper de la época, su música sonaba a inconformismo y a permanente búsqueda.
Tres grabaciones realizó Tolliver para el sello Black Lion, Paper Man se grabó en julio de 1968, cuenta con un total de seis temas, todos compuestos por el trompetista de Jacksonville, tiene una duración cercana a los cuarenta minutos y se hace acompañar por Herbie Hancock al piano, Ron Carter al bajo, Joe Chambers en la batería y en los temas de la cara B, además interviene el saxo alto Gary Bartz. Con este acompañamiento y la calidad de las composiciones, el disco te invita a su continua escucha, destaco los temas Peace With Myself y el blues funky Paper Man. La grabación es buena,  el piano suena a la derecha, el bajo a la izquierda y batería y vientos al centro.
Con frecuencia el éxito viene por la sencillez, por lo simple, lo que constituye un desafío formidable para la improvisación e inventiva de los músicos, tornándose más difícil sostener un flujo de ideas sobre una estructura simple que sobre una compleja secuencia de acordes, en eso Tolliver era un maestro.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Un vídeo con el tema Earl´s World, primer corte del vinilo

Joe Henderson: Mirror, Mirror

Joe Henderson con el saxo tenor, Chíck Corea al piano, Billy Higgins en la batería y Ron Carter al bajo, por separados todos líderes y maestros indiscutibles en sus instrumentos, reunidos en cuarteto, juntos no dan el resultado que se podría esperar, el feeling entre músicos no es el adecuado, o quizá el liderazgo de Henderson no fue suficiente... cosas que pasan, una de esas sesiones donde todos son muy buenos y el resultado no es tan bueno como se esperaba, ronda a toda la sesión un penetrante sentido de "igualdad", de que todo está bajo control, echando en falta más juego y más pasión. El resultado es un disco raro, difícil de digerir, extraño, casi sin alma, está claro que los cuatro no tuvieron su mejor día.
"Mirror, Mirror" se graba en Los Angeles en enero de 1980, para el sello Polygram, cuenta con un total de seis temas, con una duración total de 43: 23 h. con los que Chíck Corea contribuye con dos temas y Ron Carter con otros dos y Henderson aporta el bolero de Joe, junto con Keystone, lo mejor del álbum, El bolero de Joe da un toque algo latino a esta parte de la audición y donde quizá Henderson más se luce con su saxo tenor y Higgins suena como una máquina popper de palomitas, genial aquí el batería. No hay que perder la referencia de la fecha de la grabación, lo digo porque a principios de los ochenta Corea suena a Corea, controlándose excesivamente y Ron Carter hace bien su trabajo.
Mirror,Mirror es un buen disco desprovisto de alma, no brilla lo suficiente, le falta fuerza y pasión, aún así es una referencia en la carrera de altibajos de Henderson.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Dejo un vídeo con el Bolero de Joe, atención al juego de "palomitas" del batería. Genial.

Jimmy Smith: "Of the top"

Caratula del vinilo

"Off the top" es una relajada reunión de amigos que Bruce Lundvall, logró reunir porque la casualidad quiso que todos ellos coincidieran fortuitamente en NYC el 7 de junio de 1982, unos estaban de conciertos, otros de visita, otros pasaban por allí, el caso es que el productor logró juntar un excepcional sexteto formado por Jimmy Smith en su órgano Hammond de la serie B-3, al que es capaz de sacarle unos impresionantes registros, George Benson haciendo lo propio con su Gibson, Stanley Turrentine con sus típicos registros medios-altos de su saxo tenor poniendo toques de viento al la formación, Ron Carter con su habitual maestría al bajo, Grady Tate a la batería y en una discreta percusión encontramos a Crusher Bennett, todos liderados por el organista que llevaba nueve años sin entrar en un estudio de un gran sello de grabación.
El álbum se graba para Elektra, cuenta con un total de siete temas, dos del propio Smith, uno de George Benson y el resto de autores tan dispares como Lionel Richie. La duración total del vinilo es de 39:21 h, con posterioridad se edita en CD en 1990 y ya en la versión digital se añaden tres bonus track con registros en vivo de Smith. El estilo se mueve entre el Hard Bop y el Soul Jazz. El resultado es un disco suelto, relajado, muy bien estructurado, donde se percibe que nada es rígido u obligado, percusión, batería y bajo fijan ritmicamente el escenario para que guitarra, saxo tenor y órgano se suelten en diálogos y solos impecables. Se destila en su sonido la calidez de los setenta, recordando al Jimmy Smith de la Verve, pero con toques más modernos, sin duda, al disco la aportación de Benson y Turrentine con guitarra y saxo tenor es fundamental.
La estrella es Jimmy Smith y los registros que es capaz de obtener de su órgano Hammond, teniendo en cuenta la dificultad del instrumento, ya que cuando éste fue inventado por Hammond en 1934, no estaba concebido para el jazz, sino que se diseñó como un órgano de bajo presupuesto para las iglesias que no podían permitirse el lujo de tener un órgano de tubos, pero Smith tuvo la habilidad de dar al instrumento su lugar en la historia del jazz y de erigirse como el mejor y más completo músico con el Hammond, por su pericia, habilidad y técnica se hizo un hueco en el Olimpo de lo grandes del Jazz.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

dejo un vídeo con el tema homónimo del álbum "Of the top"

Red Garland: Crossings

Portada del disco

Como el título del álbum Crossing, el disco es un cruce de dos viejos conocidos que compartieron la cresta de la ola junto al quinteto de Miles Davis en los años cincuenta, donde ambos participaron en algunas de las grabaciones más importantes de Davis, hablo de Red Garland y Philly Joe Jones, pianista y batería, curiosamente, además es la primera vez que tocan juntos en un trío desde aquellos lejanos lejanos cincuenta, si a continuación digo que el trío se completa con Ron Carter al contrabajo, ya tenemos hecho el cocktail perfecto para un trío de jazz. Pocas formaciones de trío me pueden parecer más sólidas que esta. La técnica de Garland con el piano, su sofisticado acompañamiento y sus rebotes rítmicos; Pocos baterías utilizan las baquetas como Philly Joe Jones, con ellas consigue elevar el nivel de su instrumento e igualarlo al resto; De Ron Carter con el contrabajo, autor del segundo corte "railroad corssing", solo puedo decir "chapeau" a su peculiar forma de tocar el contrabajo, serio, con swing, recio en su ejecución y uno de los mejores contrabajistas de la historia del jazz; Juntos, un lujo de trío liderados por Red Garland.
El álbum se graba en diciembre de 1977, para el sello Original Jazz Classics, la versión CD se edita en 2001, cuenta con un total de cinco temas estándares, compuestos por Miles Davis, Cole Porter, George Gerwhins o Sonny Rollins, la duración total de la grabación es de 39 minutos de excitante música.
Red Garland (1923-1984), hace uso de su famosa técnica "Block Chord" (Milt Burckner y George Shearing) y que en el caso del pianista de Dallas consiste en una técnica depurada de la Burckner y más completa que la de Shearing y que se traduce en que con la mano izquierda toca cuatro notas y construye la base rítmica, además de realizar efectos de coros y con la derecha toca tres notas y arma la melodía, ambas manos perfectamente sincronizadas en una explosión de swing destelleante, dando lugar a una sesión de hard bop memorable, donde Garland es arropado y empujado con la fuerza característica de Philly Joe Jones y el sinuoso toque casi invertebrado, pero que dota de coraza al conjunto de Ron Carter. El resultado es un disco de trío académico, serio, sencillo y a la vez sofisticado y sobre todo de una escucha muy gratificante.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Wynton Marsalis: Black Codes

Fotografia en B&N de Wynton Marsalis y la caratula de
"Black Codes" sobreimpresionada 

A principios de la década de los ochenta, surge con fuerza una nueva generación de músicos de gran técnica y talento, dentro de un contexto de agotamiento de la fussión de los años setenta. En esta explosión musical destaca un instrumentista: el trompetista Wynton Marsalis, generando entre los aficionados unas expectativas que luego no se cumplieron, no sólo no fue el líder de este nuevo movimiento sino que además Marsalis ha sido protagonista de la controversia más intensa dentro del panorama del jazz por parte de la crítica, aficionados y músicos, polémica que por otro lado era necesaria y enriquece el mundo del jazz y es que el trompetista de Nueva Orleans (1961) concitó tantas expectativas y anhelos respecto al camino que debía tomar el Jazz y a su futuro, que la cuestión terminó por confundir a muchos incluido el propio Marsalis. Fuera de toda duda la maestría, técnica, talento y virtuosismo que Wynton Marsalis posee, tal es así, que es el creador de una de las obras maestras de las dos últimas décadas, hablamos de "Black Codes", suficiente para, por sí sola, justificar toda una carrera, más allá de cualquier otra consideración, una obra donde hace gala de su virtuosismo de "alta escuela".
"Black Codes" es uno de los mejores discos de jazz que he escuchado, con este álbum el jazz alcanza un punto culminante en la década de los ochenta, el álbum es de las mejores grabaciones que Wynton ha realizado y no sólo aguanta el paso del tiempo sino que se agiganta conforme pasan los años. Cada tema es una bella muestra de la pasión, el lirismo, la técnica y el entusiasmo, donde es emocionante comprobar como el dinamismo entre melodía y armonía producen estallidos sonoros espectaculares que dan vida propia a cada tema y que te dejan con ganas de más, porque sobre todo es un disco bello, fresco y emocionante. Brillante en su resolución y ejecutoria, donde profundiza en la expresión del Jazz moderno y donde lleva sus conceptos hasta el límite en lo armónico y lo rítmico.
El àlbum se graba en NYC los días 7, 11 y 14 de enero de 1985, posteriormente en 1990 se reedita en CD, se graba para la Columbia, cuenta con un total de siete pistas, donde todos los temas, excepto uno están compuestos por el trompetista de la saga de los Marsalis, tiene una duración total de 50:41 minutos, cronológicamente se sitúa entre "Hot House Flowers, 1984" y "Tomasi, 1986".
Los créditos están formados por Wynton Marsalis en la trompeta, Branford Marsalis con el saxo tenor y soprano, Kenny Kirkland al piano, Charnett Moffett en el bajo, Jeff "Tain" Watts en la batería y como invitado y sólo en el tema 5 "Aural Oasis" aparece Ron Carter al bajo. En la sesión de grabación de estudio K. Kirkland está fenomenal, inspiradisimo, Brandford Marsalis juguetea constantemente con el hermano en un duelo de vientos precioso y Wynton ejecuta algunos de los solos más intensos de su carrera. El resto del quinteto compensa la frialdad de Wynton dándole la temperatura justa, donde al final se consigue que cada músico toque con una profunda pasión y que a la vez, comprendan la visión musical de Wynton, efecto que se consigue. A todo esto, hay que sumar unos increíbles arreglos y unas excelentes composiciones, que son una de las claves por las que se dotan de brío al quinteto y ofrece un agradable e intenso placer al oyente.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

te dejo un vídeo con el 2º corte "For Wee Folks"

Booker Little: Out Front

Portada del mítico vinilo

Comenzaré diciendo que "Out Front" es uno de los discos incluidos en el libro "los 100 mejores discos del jazz", sin duda el mejor disco como líder  de los cuatro que Booker Little (1938) nos dejó como legado, un disco certero, equilibrado, denso y muy completo.
Pocos músicos pueden dejar una huella tan grande como la que nos dejó Booker y más teniendo en cuenta su efímera vida ya que fallece con apenas 23 años de edad, es decir cuando cualquier músico se está formando. A esa edad Booker Little ya tenía una personalidad como músico muy marcada, se había formado en el Conservatorio de Chicago , donde poco después comienza a colaborar con Sonny Rollins quien a su vez le presenta al batería Max Roach con quien comenzaría una andadura breve pero muy fructífera, tuvo también la oportunidad de grabar junto a John Coltrane "Africa/Brass".
"Out Front" se ha convertido en un disco de culto. El álbum se graba en una sesión celebrada el 17 de Abril de 1961 en los estudios Nola Penthouse de NYC, cuenta con un total de siete temas, todos compuestos por Booker y una duración de 42 minutos. El acompañamiento es de lujo, además del propio Booker Litte con la trompeta, añadimos al explosivo y también entonces muy joven Eric Dolphy con el saxo alto, la flauta y el clarinete bajo, Julian Priester también con los vientos del trombón, el gran Max Roach con la batería, al bajo se intercalan Art Davis y nada más y nada menos que Ron Carter y por último con el piano Don Friedman.
 Con recursos técnicos adquiridos de su formación, tiene además "otros" recursos y habilidades innatas que supo aplicar con maestría y una madurez impropia, se alejó del academicismo creando un estilo musical propio, a veces áspero y demasiado denso, intenso y siempre brillante con un gran potencial y una gran imaginación que demuestran una gran autoridad, fue un buscador, un explorador, logrando un sonido genuino y personal. Adquirí el disco a principios de los 80´s y desde entonces tiene un lugar destacado en mi biblioteca musical, para mí era el disco de un desconocido, hoy es un tesoro.

De 5 > 10, mi valoración es: 9


Te dejo un enlace :

Chick Corea: Inner Space

Portada del doble álbum de Chick Corea

Estamos ante un disco de colección. El álbum recoge la primera grabación de Chick Corea como líder, se trata de un doble disco de vinilo grabado en NYC para la Atlantic Récords entre el 30 de Noviembre y el 1 de Diciembre de 1966, en España lo distribuye Hipavox en 1975. Posteriormente se edita en versión CD y por "arte de magia" la Atlantic decide quitar dos de los más emblemáticos temas "This is new" y "Tones for Joan´s Bones", descafeinando la discográfica el álbum original. A su vez "Inner Space" es una segunda edición del original titulado "Tones for Joan´s Bones", en fin un poco lío y falta de respeto la que se trajo la Atlantic con estas grabaciones y que sin duda han influido a la hora de valorarlo como un icono dentro de la discografía de Chick Corea. Son aproximadamente 77 minutos de vibrante jazz que se distribuyen en 8 temas, 7 de ellos compuestos por el propio Corea. Su sonido es ágil, veloz y estimulante muy próximo a las innovaciones más vanguardistas de aquellos años, ya aquí se reconoce el germen de Chíck Corea y el juego que daría con posterioridad, de estilo Hard Bop, a veces muy cercano al Free Jazz.
Los créditos son inmejorables Chick Corea con el piano, Joe Farrel con el saxo tenor y la flauta, Woody Shaw en la trompeta, Hubert Laws con la flauta, Carlos Porter en un instrumento no muy jazzístico como es el fagot, Steve Swallow y Ron Carter con el bajo y Joe Chambers y Grady Tate en la batería, alternándose según los temas y pasando por formaciones de trío, cuarteto o quinteto, el fagot sólo interviene en uno de los temas "el trío para flauta, fagot y piano" y que a nivel de composición considero un tema bastante interesante, tiene aire clásico de principios del S.XX. El disco es producido por otro grande: Herbie Mann.
Personalmente opino que es un disco genuino cargado de connotaciones sentimentales, de los primeros que escuché de un Chick Corea, al que luego he tenido muchos años para seguir y confirmar que en "Inner Space" están todos los elementos musicales, tonales, estílisticos, armónicos y jazzísticos que luego desarrollaría tan generosamente. Es un excelente álbum por su variedad tonal y buenas composiciones, con intención de generar una sonoridad "distinta", efecto que consigue y que hace posible con la ayuda de los músicos que se rodea donde destacan Woody Shaw con su desgarradora trompeta, Hubert Laws muy pausado y elegante con la flauta y un desbordante Joe Farrell con su saxo tenor,  empeñados entre ellos durante toda la grabación en una disputa por el virtuosismo.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Dexter Gordon: Round Midnight

El film nos lleva a un callejón oscuro, a la profundidad de un Club de Jazz, en París, en cuyo escenario encontramos a Dexter Gordon dando vida a un saxofonista alcohólico y drogadicto, sin más vida que su hotel y su Club de Jazz, su vida se transforma cuando un aficionado entra en su mundo y hace cambiar su destino renaciendo artísticamente, ésta es una resumida sinopsis de la película del francés Travernier para entrar en ambiente de lo que es su B.S.O. "Round Midnight" es ante todo un musical donde importantisimos músicos tocan en directo sobre un escenario de jazz (sin playblacks), en una sola toma, a músicos que hacen de actores como Herbie Hancock, Bobby Hutcherson o el mismísimo Dexter Gordon, donde podríamos decir que se interpretan a sí mismos. La música la arregla y compone en parte un joven Herbie Hancock quien recibió un Oscar por ello. El elenco musical es: Cedar Walton, Bobby McFerrin, Lonette Mckee, Ron Carter, Pierre Michelot, Chet Baker, Tony Williams, Billy Higgins, John Mclaughlin, Bobby Hutcherson, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Herbie Hancock y Dexter Gordon. Seguramente enumerando sólo a los músicos está todo dicho.
Los verdaderos protagonistas son los músicos y la música misma, donde se vive el jazz en cada nota, en una auténtica atmósfera de club de jazz, donde la  música es sublime, hasta la voz de Dexter Gordon parece parafrasear a su saxo.
El tema que da nombre al film "Round Midnight" es aquel que compuso Thelonious Monk y que aquí modula las lineas melódicas con su voz el sinuoso Bobby McFerrin sin que pierda el aire "Monk". Dexter Gordon está como en familia, a sus anchas, como en sus mejores y gloriosos tiempos, sublime, a destacar el emparejamiento musical entre Gordon y Wayne Shorter al interpretar el tema "una noche con Francis" dedicada a Bud Powell y a Francis Paudras, verdaderos protagonistas de la historia real en la que está basada el film, Gordon y Shorter, dos generaciones unidas con un resultado increible. Por su lado, Herbie Hancock está inspiradisimo y quiero resaltar la presencia testimonial de Chet Baker en "Fair Weather" dando un toque de elegancia y belleza al conjunto que le confiere caché al producto, su voz y su trompeta cautivan.
La peli tiene una segunda parte musical y publicada con posterioridad,  Dexter Gordon: "The other side of Round Midnight", pero ese será otro post.

De 5 > 10 mi valoración es: 10

Stanley Turrentine : Cherry (with Milt Jackson)

Portada del disco

"Cherry" es un disco que se graba en mayo de 1972 en los estudios del afamado Rudy Van Gelder, es uno de los cinco discos que grabó para la discográfica CTI y en la grabación se rodea de unos excepcionales músicos que hacen que el resultado final grabado tenga el resultado que Turrentine y la discográfica esperaban, el sexteto lo componen Stanley Turrentine al saxo tenor, Milt Jackson en el vibráfono, Bob James en el piano y piano eléctrico, Cornell Dupree en la guitarra, Bill Cobham en la batería y Ron Carter en el bajo. El vinilo cuenta con seis temas y una duración aproximada de 40 minutos.
Stanley Turrentine (1934-2000) se ha caracterizado por moverse entre el hard bop y el soul jazz, proveniente del R&B en "Cherry" consigue una mezcla de todos sus estilos e introduce un aire funk jazz que está latente durante toda la grabación, es muy evidente que el vibrafonista Milt Jackson atempera con su alto refinamiento el resultado final del disco, el lirismo de Turrentine está presente en todo momento creando un hermanamiento memorable, por otro lado el fuerte carisma de Bill Cobham en la batería es evidente, el sonido mágico del piano de Bob James se acompasa hasta tal punto con el vibráfono de jackson que por momentos se funden y como siempre Ron Carter está crecido con su bajo, muy discreto el papel del guitarrista.
Temas como "Speedball", "Sister sanctified" o "Cherry" suenan fresco, con aire soul, funk, consiguiendo uno de los mejores registros de Stanley Turrentine y uno de los mejores discos que la CTI grabó en los setenta, el disco tiene una calidad y una sensibilidad que va más allá del enfoque conmovedor que suele dar Stanley a sus interpretaciones, consiguiendo un álbum artísticamente valioso y que tuvo muy buena aceptación popular y en los medios especializados. Personalmente lo encuentro muy equilibrado, muy conjuntado sin olvidar la importancia de los solos que están ejecutados con rigor y cariño y donde suenan en armonía distintos estilos musicales sin que nada chirríe, es un gran álbum.

De 5 > 10 mi valoración es: 8 

George Benson: Body Talk

Caratula del disco

http://www.youtube.com/watch?v=kIDx5r0JkZY en este enlace tienes un tema de Body Talk para escuchar.

Body Talk pertenece a esa época dorada en la que el guitarrista George Benson graba para la discográfica CTI, se trata de un álbum de estudio grabado en 1973 en Van Gelder Studio de New Jersey, en la edición de vinilo cuenta con cinco temas y ya en la edición digital para CD incluye un bonus track. En la guitarra se encuentran George Benson y el también grande Earl Klugh muy compaginados, asumiendo cada cual su papel de primera y segunda guitarra, con el bajo están Ron Carter y Gary King, en la batería nada más y nada menos que Jack Dejohnette y un extra de percusión a cargo de Mobutu, Harold Marben toca el piano electrico,  cuenta también con el acompañamiento de una cuerda de instrumentos de viento formada por dos trombones, tres trompetas y un saxo tenor, que en este disco juegan un papel menor, el papel principal lo asumen las dos guitarras, el bajo y la batería, ya que a veces rozan el jazz funk. El disco está dirigido y arreglado por Pee Wee Ellis.
Body Talk pertenece a esas grabaciones legendarias que Benson realizó entre 1971 y 1976, ese camino lleno de buen sonido donde casi llegó a crear un estilo propio, con un sonido fresco, distinto, muy del momento, como siempre acompañando con sonidos guturales las notas de su guitarra, a esta época pertenecen "Bad Benson", "White Rabbit" o "Beyond the horinzon blue", todos junto a "Body Talk" forman sin duda, la mejor etapa del guitarrista, una época llena de creatividad y vitalidad que desgraciadamente se ve truncada por un cambio de tendencia de Benson que le arrastra hacía sonidos pop.

De 5 > 10 mi valoración es: 6

Stan Getz & Bill Evans: Night and Day

Caratula del disco

Corría el mes de Mayo de 1964 en NYC, concretamente los días 5 y 6, para la grabación de este álbum en los estudios de la discográfica Verve, allí se reunieron en estas dos únicas sesiones Stan Getz (1927-1991) con su saxo tenor, Bill Evans (1929-1980) en el piano, Getz y Evans, Evans y Getz, dos talentos de la música, cada uno con un fuerte ego, tuvieron el tino de juntarse y dejar esta grabación para los anales de la historia, era la única que vez que se reunieron para una grabación de estudio. Cuando dos músicos de la talla de Getz y Evans se reúnen con un mismo objetivo, que no es otro que el de tocar jazz, el resultado sólo puede ser magnífico. Se hacen acompañar el primer día de sesión por el contrabajo Richard Davis quien deja paso a un muy joven Ron Carter el segundo día de grabación, en la batería se encuentra nada más y nada menos que Elvin "tambores" Jones.
"Night and Day" coge el título de un famoso tema de Cole Porter, consta de un total de 11 temas y 62 minutos de muy buen jazz, del mejor, de ese que se establece cuando hay química dejando momentos memorables, Stan Getz con el calor que sabe dar a sus tonos y el delicado y cuidadoso fraseo de su saxo, hay que unir el lirismo, la elegancia y delicadeza  de Bill Evans, la rudeza, a veces, de Elvin Jones y los dos contrabajistas bordan su trabajo, en conjunto consiguen un sonido bien armonizado, donde Stan Getz logra solos de una absoluta belleza que químicamente enlazan con el pianista que hace que la música fluya de manera natural y formidable. Hablamos de uno de los grandes álbumes del jazz de una enorme calidad jazzística realizada por dos gigantes, un disco que ha de ser saboreado por todos los amantes del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 8

Wayne Shorter: "Speak No Evil"

Portada del disco muestra a Teruka
Nakagami, primera mujer de Shorter

Reconozco lo fácil que me resulta escribir un post en este Blog, sólo tengo que ponerme cómodo, escuchar el disco en cuestión, crear un ambiente agradable y el post sale solo, las palabras fluyen en torno al disco seleccionado. "Sólo los mejores álbumes de jazz" reza la descripción del blog, sólo tengo que elegir un buen disco de mi biblioteca musical y se agolpan en mi cabeza, ambientes, recuerdos, olores, sensaciones, vibraciones y ese corrientazo que te sube por todo el cuerpo cuando escuchas buena música. Exactamente eso es lo que me ocurre con "Speak no evil" del saxofonista Wayne Shorter (1933), uno de los saxofonistas más finos de jazz, con una carrera musical apasionante que abarca desde los Jazz Menssengers de Art Blakey a Miles Davis o Weather Report, ésto es Post bop, Hard bop, jazz modal, jazz fusión. El disco se graba para la Blue Note una Nochebuena de 1964 (el año de A Love Supreme) en NYC y el álbum se edita en 1965, el disco, el sexto de su carrera, no fue especialmente acogido de manera calurosa, Shorter era en ese instante el saxo de Davis y ésto de alguna manera eclipsa su acogida, con el paso del tiempo "Speak no evil" se consolida como uno de los mejores discos del saxofonista y compositor, considerado por muchos como su mejor obra, es sin duda un clásico del jazz.
Asusta ver los nombres del quinteto de Wayne Shorter que toca el saxo tenor, Freddie Hubbard con la trompeta, en los teclados Herbie Hancock, magistral al bajo está Ron Carter y como siempre genial con las baquetas Elvin Jones, con estos músicos uno comprende que el disco ha de ser bueno, pero cuando los escuchas te quedas convulso. Son seis temas que componen una auténtica obra maestra no solo del jazz, sino de la música, es uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, con magníficas composiciones, todas realizadas por Shorter, unos solos instrumentales de academia, unos arreglos discretos y por tanto brillantes y una extraordinaria conjunción del Quinteto. Un músico que es una leyenda del jazz, un disco imprescindible, pura poesía.
Deja el stress a un lado, ponte cómodo, crea un ambiente agradable y déjate llevar por Wayne Shorter y su buen hacer.

De 5>10 mi valoración es: 10

Bob James & Earl Klugh: "One on One"

Portada del disco

Clickea este enlace y escucha el tema Kari http://www.youtube.com/watch?v=SmQpAKhcuV4

No hablamos de un disco de jazz al uso, es jazz, pero es distinto, es smooth jazz o jazz lento, suave, música cálida con sabor a verano, belleza en las notas, serenidad que te hace viajar a tu interior y pasear entre tus recuerdos evocando lugares y cosas hermosas, podríamos decir que es jazz aterciopelado.
Bob James y Earl Klugh cada uno de ellos vale por si solo, cada uno de ellos tiene una exitosa carrera musical, sin embargo son dos genios que parecen que nacieron para trabajar juntos, discográficamente comparten sólo tres producciones One on One 1979, Two of a kind 1982 y Cool en 1992. Bob James habla de Klugh como su guitarra favorito. Piano y guitarra acompañados por un elenco de músicos impresionantes Eric Gale en la guitarra, Ron Carter con el bajo, también con el bajo está Gary King, Ralph McDonald con la percusión, Harvey Mason en la batería y detrás de todos ellos una orqueta dirigida por David Nadien y formada por 7 violines, 2 violas, 2 cellos y 5 vientos. El disco que se grabó en 1979 para CBS tiene una excelente grabación de la que Bob James es el Productor, Director y Arreglista. En total el álbum lo componen 6 temas a cual de ellos mejor, las composiciones de los temas se los reparten a partes iguales entre los dos, el disco se abre con Kari que ya de por sí es una maravilla, ya vale por todo el disco, todo el álbum tiene el objetivo de deleitarnos y acariciar nuestra sensibilidad de susurrarnos musicalmente los oídos. Compré este vinilo en 1980 desde entonces lo he escuchado miles de veces y siempre suena fresco, dulce, siempre me evoca el mismo estado anímico de rélax, de belleza, de armonía, de suavidad, de elegancia, de ese smooth jazz tan preciosista que generan estos dos músicos,  James y Klugh, piano y guitarra en una armonía tan perfecta que no debieron separarse nunca, son la cara amable de la fusión.

Bob James & Earl Klugh

los temas del disco son:
 1.- Kari
2.- The Afterglow
3.- Love Lips
4.- Mallorca
5.- I´ll See You Smile Again
6.- Winding River

De 5>10 mi valoración es: 7      

Jim Hall: Concierto

Carátula del Lp

Jim Hall, guitarrista estadounidense nacido en 1930 en Buffalo, creció escuchando la música country que tocaba su tío, por lo que su madre le compró una guitarra y le animó a que aprendiera a tocarla, su tío se encargó de llevarlo a los ambientes adecuados y que conociera a algunos músicos de jazz, fue escuchando una actuación del sexteto de Benny Goodman y el tema “grand sland” que le impactó de tal manera que comenzó a barajar la posibilidad de dedicarse al mundo de la música y en concreto al jazz. En Ohio terminó sus estudios en el Cleveland Institute of Music donde escuchó todo tipo de música lo que le abrió horizontes. Durante su dilatada carrera musical ha formado parte de muchos grupos comenzando con  Chico Hamilton ,  Jimmy Giuffre ,  Ella Fitzgerald , Sonny Rollins ,Ornette Coleman , grabando también con Bill Evans ,  Michel Petrucciani ,  Pat Metheny , podriamos seguir engordando esta lista de músicos porque ha sido parte, ha colaborado, ha inspirado a un grueso cartel de músicos de todo tipo. Se le encuadra dentro del género  cool y a finales de los 50 a la corriente músico cultural Avant-Garde.

El disco que quiero mencionar de Hall no es otro que “Concierto”, grabado en Abríl en 1975 y que es un referente dentro del jazz, bajo la dirección musical de Don Sebesky, el disco es un prodigio de música bien tocada, bien grabada, bien realizada, con unos arreglos impresionantes, el sonido dulce y armónico de la guitarra de Jim Hall destaca como elemento central de todo el Lp, con el saxo alto de  Paul Desmond , el piano magistral de Roland Hanna, el que para mí es uno de los mejores marcadores de ritmos, el contrabajista y bajista  Ron Carter , la maravilla de trompeta de  Chet Baker y una batería innovadora y muy discreta de Steve Gadd, todo ello bien mezclado y agitado dan como resultado “Concierto” uno de los mejores álbumes de jazz. No quiero dejar de mencionar la versión que realiza del   Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, tema éste recurrente de la clase jazzística y que no pocos músicos se resisten a versionar, desde luego de todas las versiones escuchadas ésta es una de las mejor arregladas e interpretadas, hasta tal punto, que parte de la crítica la considera como su obra maestra, me sumo a esta corriente es sencillamente, magistral.

En 2003 el disco se remasteriza y se le incluyen nuevos temas que no presentaba la grabación original de vinilo, cualquier opción es buena para escuchar a este gran guitarrista ( uno de los mayores aciertos de CTI su casa de grabación), referente de otros músicos y también guitarristas como Pat Metheny quien se encuentra inluenciado por Hall. Es uno de los mejores discos de jazz de la historia.

  De 5>10 mi valoración es: 9

vinilo de "Concierto"

Jim Hall y su guitarr

George Benson: White Rabbit

Carátula del disco

White Rabbit como el conejo de Alicia en el país de las maravillas así tituló George Benson el disco que hoy voy a comentar, para empezar puedes degustar su sonido clickeando este enlace http://www.youtube.com/watch?v=SUuDAOaBT64 El disco se grabó en Noviembre de 1971 para el sello discográfico CTI, época en la que Benson compone un jazz más genuino, más académico, porque el autor ha tenido en su dilatada carrera musical vaivenes entre unos estilos y otros, con CTI está desde 1971 a 1976 y graba sus mejores discos, a partir de esa fecha firma con la WB y acaricia un estilo más popero que a mí personalmente me defraudó.

Su época de jazz es fructífera y muy buena, con grabaciones como “Body talk”, “Beyond the Blue horizon”, “Bad Benson” o “Weedend in L.A.” ya grabado para la Warner, pero en directo y donde bebe de grabaciones de CTI. White Rabbit forma parte de esta época dorada de Benson, el disco está producido y arreglado por Don Sebesky quien lo que toca lo convierte en oro, el disco tiene aires de sonidos españoles (Sebesky ya produjo el Concierto de Aranjuez de Jim Hall) que por los años 70 estaba muy de moda incorporar sonidos aflamencados o ritmos españoles a ritmos puramente jazzísticos con unos resultados espléndidos, de hecho algunas de esas versiones son ya clásicos dentro del jazz. el Lp tiene un sonido espectacular, cuenta con cinco temas White rabbit, Theme from summer of´42, little train, California dreaming y el mar. George Benson toca la guitarra con un sonido dulce, bien encadenado y es muy típico que acompaña al unísono las notas de las cuerdas de su guitarra con un sonido gutural muy característico y que es uno de sus sellos personales inconfundibles.

Para la grabación del disco se hace acompañar nada más y nada menos que por Herbie Hancock en los teclados, por los guitarras acusticos Jay Berliner y Earl Klugh, al bajo el gran Ron Carter, Bill Cobham dando su toque especial a la batería, en la percusión Airto Moreira y Phil Kraus y Gloria Agostini toca pasajes con el harpa , Hubert laws en flauta y clarinete. ahí queda eso. El disco se ha convertido por méritos propios en un clásico dentro del panorama jazzístico, es una gran obra musical a tu alcance. De 5>10 mi valoración es: 6

Benson y su guitarra

Antonio Carlos Jobim: Stone Flower

Portada del vinilo

Aquí una breve pieza musical del disco http://www.youtube.com/watch?v=YUApUKArqAo

Antonio Carlos Jobim, más conocido por Tom Jobim (1927-1994), brasileño, cantante, guitarrista y pianista, considerado unos de los grandes músicos del Siglo XX, consigue en la década de los 60´s dar diseño y forma a un nuevo estilo musical que invade la escena mundial: La Bossa Nova, para ello cuenta con la ayuda de numerosos músicos norteamericanos y brasileños, La Bossa Nova no es otra cosa que la unión de la música tradicional brasileña, principalmente samba y el jazz, creando así un nuevo sonido, un nuevo genero musical, un nuevo estilo que con altibajos ha llegado hasta nuestros días. Los inicios de  Tom Jobim en el jazz están en sus admiradas grabaciones de Gerry Mulligan, Chet Baker y  Barney Kessel, además, el mismo Jobim se deja seducir por el compositor impresionista francés Claude Debussy teniendo una influencia decisiva en sus armonías, así como la samba brasileña  que proporciona a  su música un ritmo unico y original, curiosa mezcla, jazz, impresionismo y folklore. Por el lado brasileño sus influencias le llegan principalmente  de Vinicius de Moraes y Joao Gilberto.  El despegue  definitivo de  Tom Jobim  se produce en 1962 cuando Stan Getz consiguió un sorprendente éxito con su tema Desafinado; un año después, Jobim y varios músicos brasileños más fueron invitados a participar en un espectáculo en el Carnegie Hall, donde es estrenada  (The Girl from Ipanema), y por ende, el éxito de la música brasileña, esta melodía grabó además una versión y un álbum posterior al lado del cantante estadounidense Frank Sinatra. Empujada por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en  éxito internacional, y los músicos de jazz se acercaron a ella, grabándose infinidad de discos de este nuevo género.

“Stone Flower”, está grabado para la discográfica CTI en 1970, quinto álbum del autor y de los que representan más su trabajo, aquí está lo mejor del músico brasileño.  ”Stone flower“, confronta los sonidos selváticos del saxo Joe Farrell con la  presencia de otros metales, percusiones y violines. En la introducción del tema “Sabia” se nota la presencia de Debussy, esa introduccion de flauta similar a la del fauno de Debussy, para dar paso a una languida bossa nova tipica de Jobim, donde nos deleita con su suave,  a la vez grave  y aterciopelada voz de tonos medios, no es la voz del tipico cantante consumado, tiene  algo de autista, como si estuviera cantando para si mismo, para  alejar el silencio, sin darle importancia a ninguna consideración técnica. La version de “Brasil” de Ary Barroso, versión que parece de club nocturno, es larga, siete minutos, pero completa, no sobra nada. Joe Palma se luce con los timbales,  mientras Ron Carter conduce la cancion con la sonoridad sinuosa y flexible de su bajo, otro punto fuerte es la oposición que se produce entre la calidez de la base rítmica y el cool jazz de Jobim con el piano, en la voz se le puede escuchar respirando en el microfono, antes de cantar. El álbum es un regalo para los oídos, ritmos cálidos y jazz unidos, dan como resultado una obra bien elaborada con composiciones y versiones brillantes, con sonidos que te transportan a otros lugares, a otro estado mental. Jobim, un genio, una figura irrepetible.

los músicos del álbum son:

Antonio Carlos Jobim – Guitarra, Piano, Piano Eléctrico, Voz

Tom Jobim

Eumir Deodato – Guitarras
Joe Farrell – Saxo Soprano
Urbie Green – Trombón
Hubert Laws – Flauta
Harry Lookofsky – Violín
Ron Carter – Bajo
Airto Moreira – Percusión
João Palma – Batería, Percusión
Everaldo Ferreira – Percusión

De 5>10 mi valoración es: 7

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