Clark Terry & Red Mitchell: Jive and Five

Caratula del álbum

Hay que ser muy valiente para sacar a dúo esta grabación, tan sólo el talento, el ingenio, la profesionalidad y el buen hacer de Clark Terry (1920) y Red Mitchell (1927-1992) son capaces de dar vida a un proyecto musical ante el que se presentan desnudos, sólo trompeta y contrabajo y además conseguir que tenga ritmo, cuerpo, vida, originalidad y suene a música celestial, eso es Jive and Five, un exquisito álbum por lo cuidadoso de la selección musical que se interpreta, por la perfecta ejecución a dúo de los músicos y por lo singular del proyecto. En efecto, Jive and Five consigue conmoverte con el swing-bop de Terry y Mitchell y que se traduce en unos solos de trompeta con sordina que brillan e hipnotizan por sí mismos, sin más aderezo que un poderoso y potente contrabajo del que Mitchell saca todos los registros posibles. Además el disco guarda sorpresas interesantes como Mitchell cantando o tocando el piano y Terry tocando además de la trompeta el fliscorno, instrumento en el que se especializó en la década de los cincuenta.
Jive and Five se graba en Estocolmo el 7 de julio de 1988 para el sello Enja, aunque no se publica hasta 1990, cuenta con un total de 11 temas con una duración aproximada de 57 minutos, la mayoría estándares de Count Basie, Harry "sweet" Edison, Duke Ellington o Lester Young, sólo un tema está compuesto por Red Mitchell  el corte nº 9 Big "N" the bear, el resto temas conocidos por todos los amantes del Jazz como el que da nombre al álbum o el afamado Sophisticated Lady de Ellington.
De principio a fin suena interesante, insólito, culto, bonito, apasionante y digno de elogio, pocas veces un dueto ha logrado sincronizar todas las piezas para sonar tan bien y sobre todo, para no echar en falta a otros instrumentos, ellos solos se sobran y bastan con Jive and Five.

De 5 > 10 mi valoración es: 8

Te dejo un vídeo con el tema Sohphisticated Lady de un concierto un año antes de la grabación

Lester Young: The Master´s touch

The master´s touch es de esos discos que pierden peso gracias a una nefasta gestión de las discográficas, se trata de temas alternativos, cogiendo como base 11 temas de Lester Blue y ampliándolos hasta 20 pistas, repitiendo algunas de las tomas hasta en cuatro ocasiones, por otro lado los créditos en algunas de las sesiones es incompleto o inexistente, dependiendo de las ediciones, el mismo disco aparece con caratulas distintas, alguna de ellas no muy afortunada en su diseño, lo que hace que el resultado final sea algo caótico. No obstante, tratándose de Lester Young (1909-1959) o "Prez" como le apodó Billie Holiday, (o tambien "Pres" abreviatura de "Presidente de los saxos tenores")  no puede tratarse de un mal disco.
Son grabaciones realizadas por el sello Savoy en 1944 (entre el 18 de Abril y el 1 de Mayo) y otras cuatro grabaciones realizadas en 1949, todas  ellas son tomas alternativas, así el disco discurre sobre 20 pistas que cubren 11 temas con una duración total de 54 minutos. Otro de los errores de la edición es no explicar en la portada del disco que se tratan de tomas alternativas, creo que es una información necesaria para el comprador.
Los créditos que aparecen son,  además de Count Basie, Harry "Sweet" Edison, Al Killian, Ed Lewis y Joe Newman con la trompeta, Ted Donnelly, Eli Robinson, Lou Taylor y Dickie Wells en los trombones, Jimmy Powell saxo alto y Earl Warren también en saxo alto y voz, Buddy Tate con el saxo tenor, Rudy Rutherford con saxo barítono, Clyde Hart al piano, Freddie Green con la guitarra, Rodney Richardson con el bajo y Jo Jones con la batería.

Imagen típica de Lester Young, con su
enorme saxo, sus trajes ostentosos y
el sombrero de piel de cerdo

A pesar del caos discográfico, la música de Prez es única, fue el creador de un lenguaje musical único, parco y melancólico y a veces excesivamente cerebral, original y muy influyente, además de un auténtico maestro del Blues y un poeta del jazz, con un gran sentido del ritmo y del swing que reflejaba continuamente en sus improvisaciones y sobre la que se construye toda la tradición del saxo tenor en el jazz, sin duda una de las figuras más importantes de la transición entre la preguerra y el Be Bop.
Si tienes varios discos de Lester Young "The Master´s touch" te ayudará a conocerlo mejor, si tu biblioteca musical es escasa en discos de Prez, no te compres este disco. Considero también un ultimo error llamar al disco "The Master´s touch" tratándose de tomas alternativas.

De 5 > 10, mi valoración es: 6

Buddy de Franco: Borinquin

Caratula del vinilo de Buddy de Franco

El clarinete como instrumento tuvo sus tiempos de gloria en la época del swing, donde era uno de los instrumentos calientes del jazz, gracias sobre todo a Benny Goodman, otros como Artie Shaw y Woody Herman tocaron el clarinete en las grandes orquestas, así la cuerda de saxos y clarinetes constituyeron su propio show. Hace de esto sesenta años. Pocos sobrevivieron a la aparición de pequeños grupos, al nacimiento del Be Bop y los distintos géneros que le siguieron. De los pocos músicos que se supieron adaptar a la nueva situación se encuentra Buddy de Franco (1923) ¿clarinetista de jazz? ¿cuantos siguen tocando hoy?, en efecto De Franco, se acomodó a la nueva situación y comenzó a tocar con cuartetos o quintetos y buscó nuevos caminos para su instrumento, De Franco es un músico cuya habilidad no tenía límites, si los estilos del jazz cambian, él lo hace también de forma camaleonica, mimetizándose con el entorno musical del momento, el fin de la era del swing no significaba dejar de tocar, así continuó su desenvolvimiento como solista y añadió nuevas dimensiones a su estilo interpretativo, así ha sido capaz con su fuerte impronta y personal estilo de elevar al clarinete del declive en el que se sumió y situarlo donde le corresponde.
"Borinquin" sale al mercado el 1 de enero de 1975, cuenta con seis temas grabados mientras actuaba con su grupo en Buffalo y Boston y tiene una duración aproximada de 45 minutos. El quinteto está compuesto por Buddy de Franco al clarinete, Ray Santisi está fresco y genial con el piano, John Chiodini hace filigranas con la guitarra y la sección rítmica está formada por Mike Richmond al bajo y Randy Jones en la batería, ambos realizan un brillante trabajo. Los temas que componen el disco muestran consistencia, versatilidad en su estilo y una gran musicalidad, De Franco controla toda la música y sabe dar protagonismo a su grupo, su interpretación es clara y precisa, como hacen los maestros, hace fácil el arte, se nota su inspiración y la ejecución melódica es suelta, ágil, en ningún momento forzada o precipitada, al contrario su fraseo es elegante, ceremonioso, mostrando la riqueza de los distintos tonos del clarinete con el que realiza sutiles contrastes rítmicos. Un disco para el reencuentro con el instrumento perdido.

De 5 > 10, mi valoración es 6

Benny Carter: Live and well in Japan ¡

Portada del disco de Benny Carter

Benny Carter (1907-2003) fue una de las principales figuras de la historia del jazz entre 1930 y 1990, se le puede catalogar como un músico completo, ya que fue compositor, arreglista, director de orquesta, además tocaba el saxo, la trompeta y el clarinete, prácticamente autodidacta destaca principalmente por sus arreglos. Es un buenísimo ejemplo de como un músico es capaz de adaptarse a los cambios y triunfar en los años 30 y en los 90, pasando por muy distintos estilos y siempre con óptimos resultados.
Live and well in Japan ¡, es un álbum que cuando se grabó levantó pasiones, el disco se graba para la Pablo récords en directo el 29 de Abril de 1977 en el Kosei Nenkin Hall de Tokio con Benny Carter en saxo alto y trompeta, Budd Johnson con el saxo tenor y soprano, Cecil Payne con saxo barítono y flauta, Cat Anderson y Joe Newman en las trompetas, Britt Woodman con el trombón, Nat Pierce en el piano, Mundel Lowe en la guitarra, George Duvivier en el bajo y Harold Jones en la batería. Es un disco para disfrutarlo, porque es atrevido, ágil, vibrante, con aire festivo y con mucho, mucho swing donde todos los músicos están soberbios.
El disco comienza con "Squaty Roo" que es un tema presentación donde todos los músicos intervienen con un solo, el siguiente tema es buenísimo "Tribute to Louis Armstrong" que a su vez se subdivide en tres partes y donde los tres trompetistas se reparten cada una de las partes, con Newman genial cantando como el homenajeado y muy metido en el papel de Armstrong, Otros dos temas más "Them there eyes" y "It don´t mean a thing" conforman el disco que tiene una duración aproximada de 41 minutos.
Es de esos discos que hace que no pares de mover el pié al ritmo de la música y hace que una sensación de bienestar te invada y una sonrisa aparezca en tu cara cuando lo escuchas, y es que Benny Carter en esta grabación transmite optimismo.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Buddy Tate Quartet: Tate a Tete at la Fontaine, Copenhagen

Buddy en la portada del vinilo

George Homes "Buddy" Tate (1931-2001), otro gran saxo tenor que ha dado la tierra de Texas, lo más destacable de su trayectoria musical fue la década que estuvo junto a Count Basie y las distintas pequeñas formaciones que tuvo sobre todo cuartetos, en este caso hablamos de un disco grabado el 24 de septiembre de 1975 para la Storyville Récords en La Fontaine, Copenhagen, se trata de su cuarteto al que suma para convertir en quinteto al pianista Tete Montoliu. El pianista español toca un jazz más avanzado que el mainstream de Buddy Tate, pero la asociación entre el tenor tejano y el pianista catalán tiene un muy buen resultado con lo que Tete Montoliu demostró que era un todo terreno capaz de adaptarse a cualquier estilo.
Junto a Tete participan también en esta grabación algunos de los mejores músicos escandinavos, así Finn Ziegler toca el violín en dos temas del álbum, también es reconocido por ser un excelente vibrafonista, Bob Stief toca el contrabajo, Svend Erik Norregard la batería, conformando así el quinteto que da cuerpo a esta grabación.
El disco tiene un total de 5 temas y una duración aproximada de 47 minutos, los temas pertenecen a Goodman, Ellington, Green o Clifford, el otro tema es del saxofonista. La grabación es realmente buena y el vinilo se edita en España en 1979 por Discophon.
Resulta curiosa la mezcla de un genuino jazzmen como Buddy Tate cargado de "swing" con el piano de Tete Montoliu, más sobrio, más europeo, con menos "swing", al igual que la sección rítmica y el violín, también europeos y eso contrasta, en este caso enriqueciéndose y alimentándose  mutuamente. Tate a Tete es eso, saxo frente a piano, piano frente a saxo, aunque en este caso el viento tiene más peso que el teclado,  demostrando que es uno de los mejores saxos tenores, con una gran sonoridad y un swing que le sale de dentro lo que lo dota de una gran autoridad.

De 5 > 10 mi valoración es: 5

Duke Ellington: The Ellington Suites

Duke Ellington

El pianista, compositor, director y arreglista Duke Ellington (1899-1974) apodado el Duke porque al contrario de lo habitual a principios del siglo XX, él pertenecía a una familia acomodada, por lo que con envidia, le apodaron aristocraticamente el Duke (Duque). Hablar de Duke Ellington es hablar de la historia misma del jazz desde sus inicios hasta casi sus actuales formas, elevó el jazz a niveles excelsos, convirtiéndose en el genuino Duke del jazz, aunque por derecho propio es el verdadero Rey Orquestal del género, capaz de sobrevivir como director de grandes Big Band al Be Bop y la proliferación que éste trajo consigo de solistas y pequeños grupos. Renovó el concepto de jazz orquestal hasta el último día de su vida, engrandeciendo y dignificando el concepto de orquesta utilizando para ello todas las expresiones musicales, desde el blues, el dixie hasta el post bop, pasando por la música clásica o el cine todo ello con un uso acertado del swing que fue tan exitoso en la primera mitad del siglo XX.
The Ellington Suites es un álbum de estudio que recoge una época musicalmente madura del pianista y director y que lo conforman tres Suites grabadas en 1951, 1971 y 1972 y que publica la discográfica Pablo en 1976, después de la muerte de Ellington. El disco ganó un premio Grammy a la mejor interpretación de Jazz por una Big Band. Este tipo de composiciones hacen que se produzca un giro de concepto, tanto a la hora de componer como de interpretar, pasando a ser más "formales" y con un mayor peso temático, "The Queen´s suite" con seis cortes se graba en NYC entre Febrero y Abril de 1959, "The Goutelas suite" también con seis cortes se graba en NYC en 1971 y "The uwis suite" con tres cortes se graba en NYC en octubre de 1972, cada una de las suites tiene una formación musical distinta y que por extensas no voy a nombrar aquí en su totalidad solo como muestra, músicos como Clark Terry, Cootie Williams o el propio Ellington.
El creador de "Mood indigo" o "Sophisticated Ladies" nos muestra en The Ellington Suites otra cara menos popular, con menos swing y cercana a veces al impresionismo clásico, con un disco muy bien estructurado y dirigido que nos hace ver la Big Band desde otra perspectiva más culta, más intimista, sofisticada, elegante y elaborada. El resultado es de los mejores trabajos del pianista.

De 5>10 mi valoración es: 9

Bill Evans: Waltz for Debby

Caratula del disco de Evans

Bill Evans (1929-1980) peinado hacía atrás con gomina, moreno,  de piel muy blanca, gafas de concha negra y perenne cigarrillo en los labios, traje oscuro, camisa blanca y corbata negra, ésta era la imagen de Bill Evans, la imagen de un país, la imagen del sueño americano. Bill Evans es uno de los músicos más controvertidos del jazz por su fuerte personalidad con el piano, carente del suficiente "swing" se abraza al estilo clásico  impresionista europeo abandonando el predominante "afro" del momento, lo que hace que sea distinto al resto, más austero e introvertido, definido como un "poeta del piano", es simple, elegante, intenso, así era Evans con el piano.
Waltz for Debby es una grabación en directo realizada en el Village Vanguard de NYC en 1961, en concreto es la última grabación que realizaron. El disco está dedicado a la sobrina de Evans llamada Debby. Algunos de los tops lo incluyen entre los mejores 100 discos de la historia, éste año 2011 se han cumplido 50 años de la grabación del disco, de la gestación de esta maravilla, uno de los grandes hitos musicales del Siglo XX. Bill Evans pone de manifiesto en Waltz for Debby todo el potencial armónico del jazz, logrando en unánime expresión poner de acuerdo a músicos, críticos y seguidores en cuanto a la calidad interpretativa del disco que se convierte por méritos propios en el mejor de su carrera musical.
El trío de Evans formado por él al piano, Scott LaFaro al contrabajo y Paul Motian en la batería, donde el bajo y la batería cobran protagonismo para ponerse a la altura de instrumentos solistas, así piano, bajo y batería establecen diálogos , conversaciones, donde se consigue una atmósfera desconocida en el jazz hasta ese momento, todos los tríos actuales de jazz beben de esta formula. Quiero destacar también la excelente grabación donde Evans está inconmensurable por el canal derecho, el excelente contrabajo de LaFaro por el canal izquierdo y en el centro Paul Motian acaricia a ambos con las escobillas de su batería, para que el disco sea más auténtico de fondo se oyen chocar de copas, risas y murmullos. Temas como "Waltz for Debby" o "Milestone" de Miles Davis, se convierten en clásicos del jazz a partir de esta edición, siendo reeditada  por decenas de músicos. Estilo cool del bueno, un clásico entre los clásicos que hizo que Bill Evans esté considerado uno de los tres mejores pianistas de jazz de todos los tiempos.

Valoración Personal: 10 

The George Shearing trio: 500 milles high

Carátula del disco de Shearing

     George Shearing (1919-2011) pianista ciego de jazz, nacido en Londres. Su estilo se mueve entre el bop, el swing y el cool y ha sido gran admirador de pianistas como Earl Hines, Teddy Wilson, Errol Garner, Art Tatum o Bud Powell. Para abrirse camino dentro del mundo del jazz se traslada a vivir a NYC donde termina nacionalizándose. Durante su carrera toca con músicos tan dispares como Oscar Pettiford o Buddy de Franco. Sus grabaciones más emblemáticas las realiza para las discográficas MGM récords y Capitol, cuenta en su haber con dos premios Grammys. 

     Shearing se ha movido muy bien dentro del bop y eso es lo que rezuma este álbum un hábil equilibrio entre el swing, el cool y el bop moviéndose hábilmente entre distintos estilos como si estuviese en aguas neutrales, extrayendo sus propias e interesantes conclusiones, dando vida a través del piano a sus ideas musicales. A mi personalmente George Shearing me recuerda a un músico de jam sessions, de bar, de estar escuchándolo con el murmullo de la gente de fondo, en realidad muchos de los mejores músicos de la historia del jazz han forjado su historia en garitos y bares, sobre todo pianistas, es todo un tópico, un bar y un pianista ciego, eso es lo que me evoca su forma de tocar jazz. "500 milles high" coge el título de un tema de Chíck Corea y dentro del álbum están Charlie Parker, Duke Jordan o Ben Webster entre otros que ya son historia, todos tratados por el piano de Shearing con mucho respeto y con el denominador común del bop. El disco se graba en junio de 1977 en los estudios de MPS en Villingen (Alemania), son 9 temas de un repertorio elegido minuciosamente que nos hará disfrutar de unos 45 minutos de buen jazz.

     El trío está formado por un piano, una guitarra y un contrabajo, George Shearing, Louis Stewart & Niels Henning Orsted-Pedersen, como vemos prescinde en la sección rítmica de la batería, crea con estos tres instrumentos un ambiente íntimo, suave, atemporal, personal, cercano, sin grandes alardes de virtuosismo, pero con todos los elementos necesarios para escuchar buen jazz.

De 5>10 mi valoración es: 5

Ben Webster: Soulville

Carátula del Soulville

Ben Webster es de esos músicos genuinos, pioneros de otra época, apodado "el rana" por sus ojos saltones, nace en la cuna de otro gran saxofonista Charlie Parker, su carrera comienza en la cuerda de saxos del gran Duke Ellington, eran los tiempos del Cotton Club, como agradecimiento a su saxofonista el Duke compuso "in a mellotone" una pieza hecha a la medida de Ben Webster y que le acompañaría durante toda su carrera musical. Ha tocado con todos los grandes y que no voy a enumerar aquí porque sería interminable. Tras la II Guerra Mundial se produce el declive de las Big Bands cosa que no viene del todo mal a nuestro protagonista ya que se busca la vida con pequeñas formaciones y puede interpretar temas que con la orquesta de Ellington se encontraban camuflados consiguiendo éxitos que antes le habían sido negados. Junto a Coleman Hawkins y Lester Young forman el mejor trío de saxos tenores de la historia del jazz.

Ben Webster y su saxo tenor

Soulville es una joya, sin duda, de los mejores discos de la historia, es de esa música que no se escucha, que se siente, tras unos instantes uno se da cuenta que es una música sobrenatural compuesta e interpretada con el alma. El sonido del saxo de Webster es cálido, apacible, desgarrado por momentos, suave, delicado y con mucho, mucho swing. El disco grabado el 15 octubre de 1957 en California para la discográfica Verve, tiene una muy buena grabación que a principios de siglo fue remasterizada y donde se incluyó algún bonus track. Un lujo el personal que le acompaña Herb Ellis abre el álbum con el primer tema homónimo y su guitarra bien templada, Oscar Peterson posa sus dedos sobre el blanco y negro del teclado y surge la nota adecuada, no cabe otra, en cada instante de la grabación, Ray Brown con su suave sonido de contrabajo y en la batería un exquisito Stan Levey, todos juntos dan paso al saxo de Ben Webster para que pinte una y otra obra de arte con cada pincelada de su saxofón. De estilo Mainstream lo que hizo que llegara al público de su época y que sin duda como un tesoro ha pervivido hasta nuestros dias.
En Soulville, Ben Webster, nos deleita con sus mejores momentos como saxofonista, es jazz "del bueno" se puede escuchar una y otra vez sin que pierda su brillo original. Ningún seguidor de la buena música y del saxo puede pasar por alto este disco (es pecado) lleno de tan buenos momentos.

de 5>10 mi valoración es: 10

Larry Coryell : Spaces

Puedes pinchar sobre este enlace http://www.youtube.com/watch?v=NuadBNmIiPk para degustar un aperitivo del disco.

Larry Coryell, nace en USA en 1943 desde muy joven comienza a tocar rock y country,  a los quince años comienza a recibir clases de jazz y esto cambia su futuro, se instala con su familia en NYC donde toca con Charles Lloyd y, después, con la banda del batería Chico Hamilton ,  también forma parte del grupo de Gary Burton, pasando después por diversas y variopintas formaciones de jazz de muy distinta índole como las de Herbie Mann, Steve Marcus y Mitch Mitchell. Después se incorporará a la Jazz Composer’s Orchestra, hasta formar su propio grupo de jazz rock, “The Eleventh House“, en 1973. Notablemente influenciado por el malogrado J. Hendrix, Larry Coryell goza de un gran virtuosismo en sus dedos que hace que las notas fluyan a una velocidad endiablada, lo que a veces dificulta la audición. en “Spaces” reúne a una constelación de estrellas musicales así: Larry Coryell es la primera guitarra, John McLaughlin: Guitarra, Chick Corea: piano eléctrico, Miroslav Vitous: Bajo, Billy Cobham: Batería.

El álbum se graba en 1969, aunque no se publica hasta 1974, “Spaces” es un excelente disco de jazz-fusión temprana, también podría estar catalogado como jazz-rock, el disco suena como si la electricidad se hubiese instalado en el jazz y le hubiese dado un impulso de energía perdiendo a cambio en el camino algo de swing. Sin duda, “Spaces” es un referente del jazz que se fabricó en los setenta y también lo es por la calidad y excelencia de todos los músicos que intervinieron en la grabación, cada uno de ellos, por separado ha tenido carreras brillantes. Lamentablemente la discografia y la carrera de Larry Coryell tiene muchos altibajos, grandes discos como  “Spaces”, no son muy habituales en su trayectoria, tuvo problemas en esta época con las drogas, lo que sin duda, influyó en la constancia del músico. Coryell se incopora más tarde a una serie de exitosos conciertos en trío con John McLaughlin y Paco de Lucía. El grupo realizó diversas giras por Europa y publicó su actuación en el Royal Albert Hall de Londres, titulado “Meeting of Spirits”. A comienzos de 1980, fue precisamente, su adición a las drogas la que motivó su sustitución por Al Di Meola. Coryell de todas maneras, ha seguido componiendo y dando conciertos, así su última grabación es Duality (2011) dueto con Kenny Drew Jr. al piano. En resumen la grabación suena a aires setenteros, le sobra energía y le falta algo de swing, a veces se confunden las guitarras de Coryell y McLaughlin, íncluso éste último le hace sombra y también tiene un exceso de virtuosismo de rapidez en la interpretación por parte de las guitarras, a pesar de todo se trata de un excelente trabajo que hay que saber contextualizar dentro de la agonía del  post-bop y en la eclosión del rock.

los temas del disco son:

Coryell y su guitarra

1. Espacios (Infinito) – 9:16
2. Tema de René – 4:06
3. Paso de Gloria – 4:29
4. Lo malo es bueno – 9:00
5. Chris – 9:31
6. Día de Año Nuevo en Los Angeles – 1968 – 0:20

De 5>10 mi valoración es: 6

Zoot Sims meets Jimmy Rowles: "If I´m Lucky"

“If  i´m lucky” interpretada por Zoot Sims escúchala aquí > http://www.youtube.com/watch?v=VNNlFoZp5GY

Zoot Sims (1925-1985) Estadounidense, hijo de una familia que se dedicaba al vodevil, ya desde muy niño toca el saxofón y con sólo 15 años ya forma parte con distintas bandas, tocó con todos los grandes de la era dorada del jazz. Sims supo hacerse un hueco y ser respetado por todos gracias a esa manera tan especial que tiene de tocar el saxo tenor, muy influenciado por el gran maestro Lester Young, para muchos Sims, es la esencia misma del swing.  Fue un tenor con un envidiable buen gusto , y sobre todo, fue dueño de un sonido exquisito y refinado que tiene miles de admiradores, entre los que me encuentro. Escuchar esta música es obtener placer e ilustración porque es una música perfecta y completa, cada nota que toca está iluminada por la esencia del arte.

“If  i´m Luycky” es un disco magistral, auténtico, genuino, limpio, puro swing y elegancia combinadas, sin duda de los mejores discos de la década de los 70´s, el disco fue grabado los dias 27 y 28 de octubre de 1977 en los Estudios RCA de NYC.  los arreglos y el elegante piano de  Jimmy Rowles son ideales para que Sims luzca su sonido aterciopelado y sus dotes como improvisador, moviéndose a gusto en los tonos medios, dejando unas baladas muy interesantes  y regalando algunos  pasajes más enérgicos (It’s all right whit me).  En el tema que da nombre al álbum  If I’m Lucky  el saxofonista despliega un elocuente solo del que no sobra una sola nota, rico en matices y con un posterior desarrollo que camina firme hacia el extasis. Completan el cuarteto uno de los grandes pianistas de acompañamiento, Jimmy Rowles, quien realiza unos buenísimos solos y hace un trabajo de acompañamiento estupendo, George Mraz al bajo y Mousie Alexander a la batería. Es un discazo, jazz en estado puro.

los temas de este álbum son:

1. (I Wonder) Where Our Love Has Gone                                             
2. Legs
3. If I’m Lucky
4. Shadow Waltz
5. You’re My Everything
6. It’s All Right With Me
7. Gypsy Sweetheart
8. I Hear a Rhapsody

De 5>10 mi valoración es: 10

Oscar Peterson: Jazz Piano Solos

Posted by juanmerkader on 31 octubre, 2011 | EDITAR

Oscar Peterson y su piano

   Oscar Peterson, Canadiense de Montreal (1925-2007) Poseedor de un estilo  formado en los años cuarenta como sus coetáneos los pianistas  Erroll Garner y George Shearing, su estilo musical es anterior al bop, al que tarda en incorporarse sin abandonar nunca el estilo swing,  encuadrándose dentro de la tendencia académica o tradicional de jazz. Seguidor y admirador de Art Tatum, es un pianista  de una gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing,  independientemente del tempo de ejecución. Sus mejores grabaciones las realiza como solista.

Ha recibido fuertes críticas durante su carrera musical por dos motivos: por ser un virtuoso con el teclado y tener una gran profusión de notas en las interpretaciones y por otro lado por tener una actitud activa dentro del mundo de las discográficas habiendo dejado gran cantidad de grabaciones. Personalmente no entiendo ninguna de estas críticas, lo que ha dejado es un gran legado para que nos deleitemos con sus grabaciones y su virtuosismo. Se puede afirmar que Oscar Peterson era capaz de tocar cien notas cuando otros pianistas usan solo la mitad,  lo bueno es que esas notas son las correctas, las adecuadas, no sobra ninguna, lo único que hace Peterson es mostrar su técnica personal, su habilidad, su destreza cuando toca el piano, bien sólo, bien acompañado.

No es hasta finales de los años 60´s que Peterson se decide a grabar en solitario y teniendo al piano como elemento principal de la grabacion. “Jazz piano solos” es una gran obra que recorre a través del piano distintas épocas musicales que marcan su vida, así de los distintos temas que componen la obra podemos escuchar aires de Boggie-Woogie, de un exquisito y elegante Swing que bien podría ser interpretado por una Big Band y de un discreto Bop. Sus grabaciones con trío fueron cambiando a los largo de su carrera y los músicos que tocaban el contrabajo o la batería entraban y salían siempre de la formación al compás del piano de Peterson, así tocó con Louis Hayes, Boddy Durham, Ray Price, Sam Jones o George Mraz, lo que está claro es que estos tríos siempre  han sido exquisitos, discretos y brillantes. Oscar Peterson marcó una época dentro del jazz, donde recuperó innumerables piezas tradicionales del boogie, del swing y las adaptó sin perder “el tempo” a su época. En total son 10 temas para disfrutarlos.
De 5>10 mi valoración es: 8

Peterson y su gran volumen físico y como pianista