Oliver Nelson & Eric Dolphy: "Straight Ahead"

Portada del vinilo

Straight Ahead es el disco de Nelson que precede al afamado disco de culto "The Blues and the abstract Truth", ambos lanzados en 1961 y de alguna manera Straight Ahead es un presagio de lo que estaba por venir. Como casi todos los discos de Nelson tiene una corta duración sólo 38:52 minutos, lo conforman un total de 6 temas, 5 son de Oliver Nelson, "Blues New Ralp" es del mítico vibrafonista Milt Jackson, el álbum se graba para el sello Prestige y se edita con la etiqueta de New Jazz, se remasteriza en 1989 y se vuelve a editar en CD en 1998. La sesión de grabación tiene lugar en los afamados estudios de Van Gelder en New Jersey y es de destacar que todos los temas se graban a la primera toma lo que nos da una idea del grado de empatía y compenetración del quinteto que estaba formado por Oliver Nelson tocando el saxo tenor, saxo alto y clarinete y que está sencillamente espectacular y en un delirio interpretativo continuo con Eric Dolphy que toca el saxo alto, clarinete bajo y flauta, Richard Wyands toca de forma discreta el piano, George Duvivier con el contrabajo y Roy Haynes con la batería.
El disco tiene dos protagonistas claros el vanguardista y atrevido Eric Dolphy y el arreglista y más conservador Oliver Nelson, ambos llevan en vena  puro Hard Bop, de estilos diametralmente opuestos, distintos, diferentes, motivos por los que se complementan al cien por cien, sin fisuras ofreciendo un abanico de solos de alta calidad interpretativa, formando un dúo que se dan la alternativa continuamente en una lucha por brillar más y más, al final quien brilla es la música, ambos crean un ambiente mágico producido por la sinergia sin fin creada entre los músicos, así podemos disfrutar de los tonos puros de Nelson junto a la valentía y elasticidad interpretativa de Dolphy.
Sin duda el compositor, músico, director y arreglista supo elegir bien a su compañero de viaje, todas las colaboraciones Nelson/Dophy han resultado brillantes y este disco es un botón de muestra de esa maestría plasmada en "Straight Ahead" un disco altamente recomendado, como casi siempre el álbum no triunfó cuando se editó y ha sido con el paso de los años que el tiempo lo ha puesto en el lugar que le corresponde.

De 5>10, mi valoración es: 9

Te dejo este vídeo

Jackie McLean & Dexter Gordon: "Montmartre Summit 1973"

Genial unión del saxo alto de Jackie McLean (1932-2006) y del saxo tenor Dexter Gordon (1923-1990), saxo alto y tenor uniendo fuerzas en un apasionante "duelo" entre dos gigantes del Hard Bop. Raro es el músico de la época bop o post bop que no tuvo problemas con las drogas que de una u otra manera produjera alguna irregularidad en su trayectoria musical, éste es el caso de estos dos músicos, ambos tuvieron problemas serios con las drogas, en el caso de Jackie McLean además le costó la cárcel, esta situación le lleva a una intromisión personal que afecta a sus creencias religiosas lo que hace que esté apartado varios años de la música. McLean y Gordon por unos motivos u otros se apartan de la música para regresar y hacerlo con ímpetu y fuerza.
En 1973 superados viejos problemas, los días 20 y 21 de julio en el Jazzhus de Montmartre en Copenhague se realiza esta grabación en vivo donde McLean y Gordon parecen empeñados en demostrar el buen momento musical y de creatividad por el que atraviesan y deciden hacerlo juntos demostrando que "la unión hace la fuerza" ambos saxos se encuentran perfectamente arropados por el trío de Kenny Drew (curiosamente fueron vecinos en su juventud) compuesto por el mimo Drew al piano, Niel Pedersen con el contrabajo y en la batería Alex Riel quienes tienen una actuación de lujo. El álbum editado en dos discos se graba para el sello Steeplechase y cuenta con un total de trece temas que oscilan entre los diez minutos y  algunos de ellos de hasta veinte minutos de duración donde Gordon y McLean juegan a sus anchas ya que en vivo es donde se produce esa magia necesaria entre el músico y su público que hace que surja la empatía musical y emocional que a veces es capaz de sacar lo mejor de un instrumentista y eso es exactamente lo que ocurre en esta grabación que saxo alto y tenor tienen un momento óptimo y su química es obvia lo que hace que se les vea cómodos e inspirados, dándonos este momento legendario con parte de lo mejor de ambos.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Stan Getz & Bill Evans: Night and Day

Caratula del disco

Corría el mes de Mayo de 1964 en NYC, concretamente los días 5 y 6, para la grabación de este álbum en los estudios de la discográfica Verve, allí se reunieron en estas dos únicas sesiones Stan Getz (1927-1991) con su saxo tenor, Bill Evans (1929-1980) en el piano, Getz y Evans, Evans y Getz, dos talentos de la música, cada uno con un fuerte ego, tuvieron el tino de juntarse y dejar esta grabación para los anales de la historia, era la única que vez que se reunieron para una grabación de estudio. Cuando dos músicos de la talla de Getz y Evans se reúnen con un mismo objetivo, que no es otro que el de tocar jazz, el resultado sólo puede ser magnífico. Se hacen acompañar el primer día de sesión por el contrabajo Richard Davis quien deja paso a un muy joven Ron Carter el segundo día de grabación, en la batería se encuentra nada más y nada menos que Elvin "tambores" Jones.
"Night and Day" coge el título de un famoso tema de Cole Porter, consta de un total de 11 temas y 62 minutos de muy buen jazz, del mejor, de ese que se establece cuando hay química dejando momentos memorables, Stan Getz con el calor que sabe dar a sus tonos y el delicado y cuidadoso fraseo de su saxo, hay que unir el lirismo, la elegancia y delicadeza  de Bill Evans, la rudeza, a veces, de Elvin Jones y los dos contrabajistas bordan su trabajo, en conjunto consiguen un sonido bien armonizado, donde Stan Getz logra solos de una absoluta belleza que químicamente enlazan con el pianista que hace que la música fluya de manera natural y formidable. Hablamos de uno de los grandes álbumes del jazz de una enorme calidad jazzística realizada por dos gigantes, un disco que ha de ser saboreado por todos los amantes del jazz.

De 5>10 mi valoración es: 8

Charlie Mariano: Helen 12 Trees

Portada del vinilo

El disco está grabado los dias 6,7 y 8 de mayo de 1976 en Alemania en la Unión Studio Munich-Solin para la discográfica MPS, todos los temas (excepto "Thorn of a white rose" de Jam Hammer) del mismo están compuestos por el saxofonista (alto y soprano) Charlie Mariano (1923-2009) quien además toca la flauta. Muy influenciado por John Coltrane aunque su carrera musical adolece de constancia, diferenciando dos etapas bien marcadas, una ortodoxa junto a Charles Mingus, Toshiko Akiyoshi, Chico Hamilton o Quincy Jones, de aquí al final de su carrera se mueve en distintos ámbitos musicales, mostrando gran interés por las diversas modalidades de la música asiática, lo que hace que su trayectoria musical sea irregular con muchos aciertos y también muchos errores, aún así crea un discurso musical propio, lleno de referencias a Coltrane pero con sello personal y creando un sonido distinto.

"Helen 12 Trees" es sin duda, uno de los mejores discos grabados por Mariano como líder, con un estilo de jazz fusión y jazz rock, consigue una musicalidad con cuerpo y espíritu a la par, combinando con sabiduría los elementos del jazz rock con los de la fusión de la música híndú, de esta cultura toca un instrumento llamado nagaswaran de aspecto similar al oboe, pero con una tonalidad más peculiar, casi exótica, lo podemos oír en varios temas. El disco consta de siete temas y una duración total de unos 40 minutos. Se hace acompañar por el checo Zbigniew Seifert, referente europeo junto a Jean Luc Ponty con el violin, Jan Hammer piano acústico y eléctrico y sintetizador con un sonido más aterciopelado que el usado en la Mahavishnu, Jack Bruce con un bajo Fender con aires jazzísticos, John Marshal con fuerza rockera en la batería y Nippy Noya con aires exóticos en la percusión, con este personal sólo se puede esperar un disco de primera como así es, dando como resultado un disco con cierto misticismo, con aires setenteros, bien elaborado, fresco y con una fusión equilibrada, el disco lo adquirí a principios de los 80´s y para mí es una referencia obligatoria del jazz-fusion-rock.

De 5>10 mi valoración es: 6

Dave Brubeck & Paul Desmond: Take Five

Carátula del mítico "Time Out" del Dave Brubeck Quartet

     Clickea este enlace y escucha el mítico Take Five http://www.youtube.com/watch?v=A_ngyWAbLKc

     No sé si para el post de este disco tengo que hablar de Dave Brubeck o de Paul Desmond, lo digo porque "take five" lo compone Paul Desmond pero, alcanza el éxito dentro del cuarteto de Dave Brubeck, así que voy a darle a cada uno su parte alícuota como he hecho ya en el titular, en realidad el disco se vende como  The Dave Brubeck Quartet y se titula "Time Out". Al hablar del disco me sale solo el tararear el famoso "take five" tara...tara..tarararara..tara...del saxo de Paul Desmond, debe ser algo parecido al reflejo de Paulov. No hace mucho vi en televisión la película "Un plan brillante" de Demi Moore y Michael Cane donde el take five suena en varias partes de la película, no es por cierto el único film en el que aparece, su música te transporta a NYC y sus calles en los años 60´s, también he leído por ahí que el inicio de take five se asemeja al inicio del "Mediterráneo" de J.M. Serrat y estoy totalmente de acuerdo. La melodía se hace famosa por el uso de un compás no muy habitual en el jazz, el tiempo quíntuple, compuesto en 5/4 y de donde el tema adquiere su nombre, en definitiva es una forma ternaria A-B-A donde A es un Ostinato que propicia la improvisación.

     En 1951 Dave Brubeck crea su famoso Cuarteto junto al saxo alto Paul Desmond, en 1956 se incorpora el excelente batería Joe Morello quien toca la batería de una forma suave como si le diese miedo golpearla, aunque cuando lo hace es de forma contundente, también se incorpora el contrabajo Gene wright en 1958, quedando así configurado uno de los mejores cuartetos de la historia del jazz hasta que en 1967 Paul Desmond abandona la formación. Quiero mencionar especialmente a Paul Desmond quién para mí es el auténtico alma del disco, además de ser el compositor del "take five" es una maravilla como lo interpreta con esa suavidad, con ese sonido tan característico que cuando lo oyes sabes que es su saxo, es rara su interpretación que no deja escapar un leve sonido, una leve fuga de aire por la boquilla de su saxo que acompaña lógicamente a la melodía y que es uno de sus sellos personales e inconfundibles además del de ralentizar la interpretación, él se preciaba de ser el saxo alto más lento del mundo.

     El disco se graba para la discográfica Columbia y en su momento fue un éxito sin precedentes, hoy es todo un clásico que forma parte de nuestra memoria musical.

The Dave Brubeck Quartet

     Los temas de Time Out son:

- Blue Rondo á la Turk - 6:44

- Strange Meadow Lark - 7:22

- Take Five - 5:24

- Three to Get Ready - 5:24

- Kathy´s Waltz - 4:48

- Everybody´s Jumpin´- 4:23

- Pick Up Sticks - 4:16

De 5>10 mi valoración es: 9

James Carter: "Chasin" the Gypsy

James Carter (Detroit 1969), nace en una familia de músicos donde todos los miembros tocan algún instrumento, crece en este ambiente musical y pronto en 1985 Wynton Marsalis lo llama para que se incorpore a su formación, pocos años más tarde se traslada a NYC donde graba y toca con el gran Lester Bowie, donde colabora con Julis Hemphill, la Mingus Big Band y la Lincoln Center Jazz Orchestra,. Queda marcado por Marsalis, Bowie y Mingus por todo el significado histórico que representan y que van desde la más pura ortodoxia a la más loca aventura y experimentación. Participa en la película "Kansas City" de Robert Altman, en el papel trasunto de Ben Webster. Toca toda la gama de saxos desde el tenor al barítono con una depurada técnica y una gran variedad de exquisiteces en los sonidos que produce, también toca flauta y clarinete.
Su debut discográfico se produce en 1993 con "James Carter On the Set" lo que le permite obtener status de músico revelación  y a la vez entrar por la puerta grande al mundo del jazz contemporáneo, musico prodigio así lo atestiguan las siguientes grabaciones que realiza algo camaleonicas ya que cambia de estilo no solo entre distintos álbumes, sino dentro de un mismo tema y lo hace de forma natural.
"Chasin the Gypsy" se graba en 2000 y el disco está pensado por Carter como un homenaje al gran músico Django Reihnardt, el disco presenta el lado más romántico de James Carter donde realiza un perfecto tributo a uno de los más grandes creadores de la música de jazz, se interpretan piezas típicas de Django con otros con aires latinos, con ritmos peculiares y un uso algo atípico de la percusión dentro del jazz, su saxo suena espectacular con sonidos que abarcan desde un dulce susurro hasta el rugido más desgarrador. Comienza la grabación con el tema "Nuages" uno de los temas más preciosistas del jazz, hasta un total de 9 temas que componen el álbum para el que se hace acompañar por Regina Carter en el violín, Jay Berliner y Romero Lumbao en las guitarras, Charlie Giordano en el acordeón, Steve Kirby en el bajo, Cyro Baptista con la percusión y Joey Baron como baterista.

James Carter

 El disco suena diferente a lo habitual dentro del jazz, se producen una gran variedad de cambios de ritmos,  unidos a un original uso de la percusión, al violín y al acordeón, así como a los múltiples registros que James Carter es capaz de obtener con su saxo, sin duda, todo un desafío a cualquier convencionalismo de la industria discográfica.
 Los temas que componen el disco son:
1. Nuages
2. La Derniere Bergere
3. Manoir de mes reves
4. Artillerie Lourde
5. Chasin the Gypsy
6. Oriental Shuffle
7. I´ll Never Be The Same
8. Avalon
9. Imari´s Lullaby

De 5>10 mi valoración es: 6

Ben Webster: Soulville

Carátula del Soulville

Ben Webster es de esos músicos genuinos, pioneros de otra época, apodado "el rana" por sus ojos saltones, nace en la cuna de otro gran saxofonista Charlie Parker, su carrera comienza en la cuerda de saxos del gran Duke Ellington, eran los tiempos del Cotton Club, como agradecimiento a su saxofonista el Duke compuso "in a mellotone" una pieza hecha a la medida de Ben Webster y que le acompañaría durante toda su carrera musical. Ha tocado con todos los grandes y que no voy a enumerar aquí porque sería interminable. Tras la II Guerra Mundial se produce el declive de las Big Bands cosa que no viene del todo mal a nuestro protagonista ya que se busca la vida con pequeñas formaciones y puede interpretar temas que con la orquesta de Ellington se encontraban camuflados consiguiendo éxitos que antes le habían sido negados. Junto a Coleman Hawkins y Lester Young forman el mejor trío de saxos tenores de la historia del jazz.

Ben Webster y su saxo tenor

Soulville es una joya, sin duda, de los mejores discos de la historia, es de esa música que no se escucha, que se siente, tras unos instantes uno se da cuenta que es una música sobrenatural compuesta e interpretada con el alma. El sonido del saxo de Webster es cálido, apacible, desgarrado por momentos, suave, delicado y con mucho, mucho swing. El disco grabado el 15 octubre de 1957 en California para la discográfica Verve, tiene una muy buena grabación que a principios de siglo fue remasterizada y donde se incluyó algún bonus track. Un lujo el personal que le acompaña Herb Ellis abre el álbum con el primer tema homónimo y su guitarra bien templada, Oscar Peterson posa sus dedos sobre el blanco y negro del teclado y surge la nota adecuada, no cabe otra, en cada instante de la grabación, Ray Brown con su suave sonido de contrabajo y en la batería un exquisito Stan Levey, todos juntos dan paso al saxo de Ben Webster para que pinte una y otra obra de arte con cada pincelada de su saxofón. De estilo Mainstream lo que hizo que llegara al público de su época y que sin duda como un tesoro ha pervivido hasta nuestros dias.
En Soulville, Ben Webster, nos deleita con sus mejores momentos como saxofonista, es jazz "del bueno" se puede escuchar una y otra vez sin que pierda su brillo original. Ningún seguidor de la buena música y del saxo puede pasar por alto este disco (es pecado) lleno de tan buenos momentos.

de 5>10 mi valoración es: 10

John Coltrane: A Love Supreme

Carátula del álbum

John Coltrane (1926-1967), apodado Trane, saxofonista tenor y soprano, compositor controvertido, se mueve en estilos de post bop, como el hard bop o free jazz, en apenas 12 años graba el grueso de su discografía donde no empieza a deslumbrar hasta que toca junto a Miles Davis. Como una maldición la heroína se ceba en los músicos de jazz de la época y Trane cae en sus redes, así su trayectoria musical no evoluciona yendo de banda en banda y de despido en despido, Coltrane recibe una oportunidad que le ofrece Miles Davis ya recuperado, de que él hiciese lo mismo y así fue, en la banda de Davis comienza a brillar y a ser llamado para más y más sesiones como freelance, haciéndose un hueco importante en el mundo del jazz, fruto de esa relación llama la atención de la discográfica Impulse para quien grabará el que fue uno de los mejores discos de la historia del jazz, para muchos el mejor: "A love Supreme". En mi opinion no creo que sea el mejor, pero sí uno de los más inspirados. Es un Opus de jazz dedicado por Trane a la divinidad que para él trascendía a cualquier religión, en agradecimiento a la fuerza espiritual que tuvo para salvar su vida, aunque fallece dos años después.

A love Supreme son 48 minutos vibrantes, alucinantes, la obra es una Suite en cuatro movimientos, en realidad son tres temas y el último de ellos se divide en dos cortes, grabada en 1964 y que interpreta con su célebre cuarteto formado por él mismo, McCoy Tyner y sus genialidades con el piano, el increible Elvin Jones a la batería que realiza un sólo magistral y Jimmy Garrison al contrabajo. Pocos álbumes han tenido la influencia de A Love Supreme, un disco que demostró que el jazz es un medio que se adecuaba a la búsqueda espiritual y creaba una fabulosa expresión de lo inexpresable, con él Trane se encontró en el climax de su carrera y llega a manifestar que: "Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite, esta es la primera vez que lo tengo todo a punto". La escucha del disco merece una dedicación intensa, escuchado atentamente el disco es una genialidad preciosa e inspirada, sin duda uno de los discos más importantes de la historia del Jazz. Esencial para cualquier amante de la música.

John Coltrane "Trane" y su saxo

De 5>10 mi valoración es: 9

Se nos va Clarence Clemons

Posted by juanmerkader on 19 junio, 2011 | EDITAR

Pincha este enlace para recordar a Clemons http://www.youtube.com/watch?v=pIXWWv_YVAc

Aunque este Blog está dedicado al jazz, hoy haremos una excepción, ya que ha muerto Clarence Clemons a los 69 años de un derrame cerebral, el músico de origen afroamericano ha sido durante casi cuatro décadas saxofonista junto a Bruce Springsteen y ha sabido darle a todas las composiciones del Boss un aire singular, piedra angular de la E.Street Band. Amaba el Saxofón, éste instrumento tan ligado al jazz y lo hacía sonar de forma inconfundible, sin duda una gran pérdida para el panorama musical. D.E.P. Clarence Clemons.

Maceo Parker: “Roots & grooves”

Este tema es del 2º disco y es un derroche de fuerza y energía, clickea este enlace http://www.youtube.com/watch?v=nUcGAzrMAQI

Nace en Carolina del Norte en 1943 y toca el saxo y es vocalista de jazz, soul, funk y blues, casi nada. Su éxito radica en mezclar adecuadamente todos estos estilos, un poquito de jazz y el resto de funk, o un poco de soul-jazz, o un buen blues, creo realmente que su éxito no es hacer bien esa combinación de jazz y lo que sea, sino la fuerza que transmite con su música, la energía que desprende cuando toca su saxo que te recorre como un calambre la espina dorsal dejándote electrizado con el vello erizado, además canta y no lo hace nada mal. Se da a conocer en la formación de James Brown donde coincide con el saxofonista Pee Wee Ellis y Fred Wesley al trombón, con los que inicia varios grupos y proyectos, es con ellos y a principios de la década de los 90 donde comienza a ser reconocido, emprendiendo una carrera llena de éxitos y aventuras musicales y donde cada uno de los músicos ha dado lo mejor de sí, sabiendo combinar a la perfección tradición y modernidad e imprimiendo a su música, además de mucha energía, buenas dosis de creatividad.

Roots & grooves es un disco doble grabado en vivo. El primero es un tributo a Ray Charles, en versiones de Parker y el segundo contiene algunos clásicos del artista de jazz soul o jazz funk. Ray Charles fue sin duda uno de los músicos que más fascinó a Maceo Parker. Desde niño soñaba con tocar sus temas y algún dia poder compartir escenario con su admirado héroe. Lo consigue en el año 1994 cuando el legendario Ray, ímpresionado después de escucharlo,  lo elige  para abrir sus conciertos. Los discos se graban en 2007 en directo en una gira europea y Maceo decide dar un tributo al gran Ray Charles   y lo hace  “a lo grande”  con la orquesta de Colonia WDR Big Band, dirigida por el prestigioso director, pianista y productor Michael Abene y una increíble  sección rítmica, formada por Dennis Chambers a la batería y Rodney Curtis al bajo. La grabación es buenísima, su interrelación con la Big Band es de lujo, la sección rítmica magnífica, es un disco lleno de vitalidad, de fuerza a raudales, energía en estado puro, Insisto sonido limpio, una sección de vientos encabezados por el saxo de Parker y respaldados y en diálogo continuo con la Big Band que son un regalo para los oídos. Si te gusta el jazz, el disco te va a gustar, si te gusta el funk, el soul o el blues, también. Maceo Parker con esta grabación deja contento a todos.
De 5>10 mi valoración es: 7

Fuerza es lo que Parker transmite con su saxo

Zoot Sims meets Jimmy Rowles: "If I´m Lucky"

“If  i´m lucky” interpretada por Zoot Sims escúchala aquí > http://www.youtube.com/watch?v=VNNlFoZp5GY

Zoot Sims (1925-1985) Estadounidense, hijo de una familia que se dedicaba al vodevil, ya desde muy niño toca el saxofón y con sólo 15 años ya forma parte con distintas bandas, tocó con todos los grandes de la era dorada del jazz. Sims supo hacerse un hueco y ser respetado por todos gracias a esa manera tan especial que tiene de tocar el saxo tenor, muy influenciado por el gran maestro Lester Young, para muchos Sims, es la esencia misma del swing.  Fue un tenor con un envidiable buen gusto , y sobre todo, fue dueño de un sonido exquisito y refinado que tiene miles de admiradores, entre los que me encuentro. Escuchar esta música es obtener placer e ilustración porque es una música perfecta y completa, cada nota que toca está iluminada por la esencia del arte.

“If  i´m Luycky” es un disco magistral, auténtico, genuino, limpio, puro swing y elegancia combinadas, sin duda de los mejores discos de la década de los 70´s, el disco fue grabado los dias 27 y 28 de octubre de 1977 en los Estudios RCA de NYC.  los arreglos y el elegante piano de  Jimmy Rowles son ideales para que Sims luzca su sonido aterciopelado y sus dotes como improvisador, moviéndose a gusto en los tonos medios, dejando unas baladas muy interesantes  y regalando algunos  pasajes más enérgicos (It’s all right whit me).  En el tema que da nombre al álbum  If I’m Lucky  el saxofonista despliega un elocuente solo del que no sobra una sola nota, rico en matices y con un posterior desarrollo que camina firme hacia el extasis. Completan el cuarteto uno de los grandes pianistas de acompañamiento, Jimmy Rowles, quien realiza unos buenísimos solos y hace un trabajo de acompañamiento estupendo, George Mraz al bajo y Mousie Alexander a la batería. Es un discazo, jazz en estado puro.

los temas de este álbum son:

1. (I Wonder) Where Our Love Has Gone                                             
2. Legs
3. If I’m Lucky
4. Shadow Waltz
5. You’re My Everything
6. It’s All Right With Me
7. Gypsy Sweetheart
8. I Hear a Rhapsody

De 5>10 mi valoración es: 10

Michel Portal: Bailador

Carátula del disco

Michel Portal (Bayona 1935), el clarinetista y compositor francés, nos deleita con un nuevo álbum “Bailador”. De formación musical totalmente clásica,  se especializa en el clarinete, teniendo una relación muy estrecha con la música folklorica del País Vasco Francés y por supuesto con el jazz, muy influenciado por W.A. Mozart, Brahms y Schumann. Es en la década de los 70´s cuando forma un grupo experimental, el Michel Portal Unit, con el que se sumerge definitivamente en el campo del jazz, ocupando un lugar preferente dentro del panorama jazzístico europeo, en Francia es considerado el padre  del jazz francés moderno.

“Baïlador” es el que hace el nº 23 entre sus álbumes. Ha formado un nuevo quinteto con dos artistas con mucha historia dentro del jazz y con caché como son Jack DeJohnnette y Scott Colley en la sección rítmica, por el contrario, apuesta por dos promesas del jazz contemporáneo: el interesantísimo pianista Bojan Z, que a la vez produce el disco y el trompetista revelación  Ambrose Akinmusire .  Excelente mezcla de veteranía y savia nueva lo que hace de Bailador una obra muy interesante y ya recién nacida casi una obra esencial de su discografía.

Componen el álbum un total de ocho temas de los que seis son nuevas composiciones, brillantes, coquetas, complejas  y sofisticadas. La esencia de Michel Portal está en este álbum realizado con el rigor,  la relajación, el conocimiento, la generosidad, la técnica, el disfrute, la precisión y su estrecho conocimiento de las distintas facetas de la improvisación. El disco ha recibido las mas enfervorizadas críticas tanto en Europa como en Estados Unidos.  Suena francamente bien, su sonido es limpio, bien estructurado, con ricas y entrelazadas armonías, donde todos los músicos tienen su oportunidad para lucirse, se nota una rica y todavía fresca batería de DeJohnnette y un sonido dulce a clarinete, un Quinteto ideal, bajo batería, piano y dos vientos, con esta obra Portal nos demuestra que lo clásico y el jazz, se atraen como los polos opuestos de los imanes, y que nunca ha olvidado su amor por el Jazz.

los temas del disco son:

Clarinetista, Saxofonista, Bandoneista y compositor

Dolce
Bailador
Cuba Si, Cuba No
Ombres
Citrus Juice
Alto Blues
One On One
Tutti No Hystérique

De 5>10 mi valoración es: 8

The Elvin Jones Machine: Remembrance

Portada del disco

   Elvin Ray Jones, conocido artísticamente como Elvin Jones (1927/2004), Estadounidense de Pontiac, sin formación musical reglada, crece en ambientes de Gospel, a mediado de los 50 se traslada a NYC donde trabaja con artistas ya consolidados como Charles Mingus, Miles Davis o Bud Powell. Se aferra en un primer momento al más puro Bop para ir definiendo con su batería y el  paso de los años  un estilo propio que marcaría el Post Bop. Hermano de los también músicos de jazz Hank Jones y Thad Jones. Su época dorada se produce junto al gran saxofonista John Coltrane con quién toca desde 1960-66, participando activamente en obras “totem” del jazz como “A love Supreme” o “Crescent”, esta etapa junto al gran maestro del saxo le marca para toda la vida, de hecho su música gira en torno a John Coltrane, a partir de aquí toca con varios grupos pequeños hasta que en 1978 crea el grupo The Elvin Jones Jazz Machine de la que nos han quedado muy buenos testimonios grabados como el álbum “Remembrance”.

     Remembrance. Recuerdo, en efecto, es una de sus primeras grabaciones con la Jazz Machine, grupo con el que estuvo más de veinte años recorriendo el mundo y ofreciendo grabaciones y conciertos, además de dar paso por la formación a una serie de nuevos y grandes artistas que tuvieron la oportunidad de comenzar su andadura jazzística con el gran batería Jones. Remembrance huele a Coltrane por todos lados, el gran saxo está presente de hecho es el homenaje que Elvin Jones realiza sobre su maestro, “Cuando tocaba Remembrance, el recuerdo de Coltrane llegaba a mi memoria con la fuerza de una gigantesca avalancha”,  el mismo Jones dice que no fue consciente de que mientras tocaba junto a John Coltrane estaba cambiando el curso de las cosas, no era consciente de que habría un antes y un después. Remembrance se graba en Stuttgart los dias 3,4 y 5 de Febrero de 1978,  pero no se edita hasta 1980. La Jazz Machine ha sido la máquina de tambores más potente de la historia del Jazz, como curiosidad indicar que esta  formación  no cuenta con piano en sus grabaciones y actuaciones. Quienes hayáis escuchada a la Jazz Machine estaréis de acuerdo en que Jones es un volcán percusivo, una leyenda de la batería que tiene reservado su lugar en el Olimpo de los grandes del Jazz. Si escuchas el primer tema de este disco no vas a poder resistir la tentación de oír el resto. Elvin Jones tiene un gran sentido del swing y una gran facilidad para con la batería crear el climax adecuado, decía una de sus críticas que “esto se debe a la facilidad que tiene de pensar en tres, constantemente aunque esté tocando en 4/4 meterá frases de 3/4″. Los otros músicos de la Jazz Machine son:

Elvin Jones:  batería

Elvin Jones maravilloso percusionista y baterista

Pat LaBarbera: Saxos tenor y soprano

Michael Stuart: Saxos tenor y soprano

Roland Price: guitarra

Andy McCloud III: contrabajo

Ingeniero de sonido: Gibbs Platten

Producido: Joachim E. Berendt

     en total el álbum cuenta con siete maravillosos y bien elaborados  temas que hacen casi una hora de grabación. Disfrútalo.
De 5>10 mi valoración es: 6