Sonny Clark: Cool Struttin

Todo un clásico de Hard Bop, Cool struttin es de esos álbumes imprescindibles para cualquier amante del jazz. Uno de los discos más cool de todos los tiempos, basado casi en su integridad en el blues, tiene la peculiaridad que durante la grabación se capta uno de esos momentos mágicos, donde todo es un sublime estado de equilibrio y armonía. Clark es un pianista que oyes como acompañante habitual en las grabaciones de Blue Note en las décadas de los cincuenta y sesenta, teniendo una gran actividad como líder entre 1957 y 1962, sin duda Coll Struttin es su mejor trabajo, sin embargo Clark nunca llegó a tener el renombre de otros pianistas de la época.
El álbum original de vinilo se graba el 5 de enero de 1958, cuenta con un total de cuatro temas, dos de ellos compuestos por el pianista de Pensilvania, con posterioridad en la versión digital se añaden dos temas más, uno de ellos también de Clark y una duración de 52:48 minutos.
El quinteto es de lujo, además de Clark al piano, nos encontramos con Art Farmer a la trompeta, Jackie McLean al saxo alto y la mejor sección rítmica de la época: Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Un factor importante para el éxito de este álbum fue juntar a Art Farmer (t) y a Jackie McLean (Sx), ya habían coincidido una etapa junto a Gene Ammons, la trompeta tiene un sonido sofisticado y relajado, lo que es un complemento perfecto para el sonido más directo y potente del saxo alto de McLean, durante toda la grabación realizan un juego al unísono, para romper la armonía sólo de vez en cuando. Por su parte Sonny Clark fija el escenario para que toda esta magia funcione.
Cool Struttin es considerado por muchos puristas como la quintaesencia del hard bop.

Valoración Personal: 10

Art Blakey Jazz Messengers: "Live at Café Bohemia"

El Café Bohemia apenas duró dos años, era un local de NYC al que su dueño, un aldenao llamado J. Garafolo, había orientado en otro tipo de actividades distintas al jazz, hasta que una noche tuvieron que echar a alguien que apoyado en la barra había bebido brandy sin parar y además no pudo pagar, una semana después éste cliente apareció en el bar ofreciéndose a tocar a cambio de saldar su deuda, Garafolo, con tal de cobrar aceptó el reto y llegaron a un acuerdo, ese alguien era Charlie Parker, abrumado por la gran cantidad de gente que acudió al local, decidió dar continuidad a los conciertos de jazz, así contrató una de las primeras actuaciones de Art Blakey con los Jazz Messengers, la formación estaba compuesta por Art Blakey como batería y líder, Horace Silver al piano, Kenny Dorham en la trompeta, Hank Mobley al saxo tenor y Doug Watkins al bajo, casi nada.
El 23 de noviembre de 1955 se grabó una actuación en vivo para la Blue Note del que luego saldrían dos álbumes, que por derecho propio han pasado a ser considerados como de los mejores del Hard Bop y de la formación liderada por Blakey. El Vol. 1 cuenta con nueve temas y 41:54 minutos, mientras el Vol. 2 cuenta con ocho temas y 62:15 minutos, la grabación es excelente y el sonido puro Hard Bop en ebullición, unos músicos compenetrados, entusiasmados, donde ya se insinuaban las grandes cosas que estaban por venir.
Hay en toda la grabación, flotando entre las notas, una combinación de potencia, melodía, swing y sentimiento de blues, que ya nunca después fue captado en un disco. Dorham con su trompeta y Mobley con su saxo tenor hacen un frente común formidable, Horace Silver co-lider de los Messengers con Blakey y el bajo Watkins están soberbios durante toda la actuación. Super Jazz del que no puede faltar a un buen aficionado.

Valoración Personal: 9

Zoot Sims and The Gershwin Brothers

Tanto George como Ira Gershwin, han sido homenajeados e interpretados por multitud de intérpretes de muy diversos estilos, éste es un tributo ofrecido por tres de los grandes maestros del jazz:  Zoot Sims al saxo tenor, Oscar Peterson al piano y Joe Pass a la guitarra, respaldados por George Mraz al contrabajo y Grady Tate a la batería, donde toman 11 de las melodías más memorables de los hermanos Gershwin y las traducen al jazz clásico, dando como resultado un disco fresco, de tono cálido y familiar, donde Zoot había interpretado y tocado la mayoría de ellas miles de veces, pero en esta grabación todavía suena fresco, nuevo, como recién salido, enérgico e inspirado, confiado en sí mismo, consigue algunos de sus mejores registros y es uno de sus álbumes más logrados, suena a Zoot Sims. El piano de Peterson que a veces puede ser abrumador y desbordante, afortunadamente en este disco está en su lugar, contenido y explosivo cuando se le requiere, con solos excelentes, lo mismo que sucede con Joe Pass y su guitarra sonando a gloria, dando cuerpo, solidez y volumen están Mraz y Tate con una excelente sección rítmica.
El álbum se graba el 6 de junio de 1975 en NYC, en los estudios de la RCA para la Pablo Récords, convocados por el productor Norman Granz, 11 pistas y una duración de 49:11 minutos.
Puro jazz, con músicos en pura forma, dando la máxima expresión musical que pueden y lo logran, belleza pura creada por los hermanos Gershwin y libremente interpretada por este maravilloso quinteto liderado por Zoot Sims y su exuberante energía.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Vídeo con el famoso Summertime

Charles Tolliver and his All Stars: Paper Man

Charles Tolliver es uno de esos músicos que con frecuencia pasa inadvertido para la gran mayoría de amantes del jazz, también para las discográficas que no han relanzado su obra, cosa que parece inadmisible, ya que hablamos de un talento en la ejecución de la trompeta, se inició en los sesenta con Max Roach, fue en esta época cuando fue nº 1 como "trompetista promesa" por la revista Down Beat. El propio Tolliver hace un paréntesis en su carrera quizá demasiado largo y que dio pie a que su nombre no suene como se merece.
Tolliver en la década de los sesenta y setenta, era un músico tan brillante como Lee Morgan o Freddie Hubbard, discípulo de los Jazz Messengers de Art Blakey, lleva el jazz en las venas. Utiliza una técnica verdaderamente notable, de tono brillante y agresivo, excelente improvisador, consiguió que su música fuese un hard bop que sin abandonar los cánones establecidos, de forma vibrante y vanguardista, se asomaba siempre un poco más allá de la ortodoxia bopper de la época, su música sonaba a inconformismo y a permanente búsqueda.
Tres grabaciones realizó Tolliver para el sello Black Lion, Paper Man se grabó en julio de 1968, cuenta con un total de seis temas, todos compuestos por el trompetista de Jacksonville, tiene una duración cercana a los cuarenta minutos y se hace acompañar por Herbie Hancock al piano, Ron Carter al bajo, Joe Chambers en la batería y en los temas de la cara B, además interviene el saxo alto Gary Bartz. Con este acompañamiento y la calidad de las composiciones, el disco te invita a su continua escucha, destaco los temas Peace With Myself y el blues funky Paper Man. La grabación es buena,  el piano suena a la derecha, el bajo a la izquierda y batería y vientos al centro.
Con frecuencia el éxito viene por la sencillez, por lo simple, lo que constituye un desafío formidable para la improvisación e inventiva de los músicos, tornándose más difícil sostener un flujo de ideas sobre una estructura simple que sobre una compleja secuencia de acordes, en eso Tolliver era un maestro.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Un vídeo con el tema Earl´s World, primer corte del vinilo

Hank Mobley: Workout

Caratula del vinilo

Este álbum representa a Hank Mobley (1930-1986) en su mejor momento, acompañado por un buen elenco de músicos, aunque muchos buscan en este disco al delirante y gran batería Philly Joe Jones. El saxofonista de Georgia era alma gemela de John Coltrane quien lo recomendó a Miles Davis por su maravilloso sonido lírico y por su música completa, haciendo como hacia  Billie Holiday,  ir justo detrás del ritmo. Mobley se situaba en ese rango que hay entre la impetuosidad de Coltrane y el sosiego aterciopelado de Lester Young, ahí es donde se movía como pez en el agua y cuando mejor le fue en su carrera musical, cuando quiso ser otra cosa, ya no fue Mobley y su figura se desdibujó. Mobley se instaló en lo que le gustaba y a diferencia de Davis o Coltrane no optó por andar indagando o investigando nuevos sonidos y formas, eso le costó el haber sido injustamente postergado durante tiempo.
Hank Mobley logra para la grabación de Workout un quinteto excepcional, por un lado, el increíble y codiciado guitarrista, el legendario Grant Green, todo el mundo quería tocar con él, ¿porqué? lo podemos comprobar en Workout, al piano está Winton Kelly, ellos tres protagonizan los mejores momentos de la grabación alternándose continuos solos, pero la sección rítmica no se queda atrás ya que tenemos a Paul Chambers con el bajo  y a Philly Joe Jones en la batería, ambos están soberbios marcando el ritmo en todo momento, y el batería tiene una de sus mejores grabaciones, todos ex-Coltrane y ex-Davis y eso pesa en el resultado de esta grabación.
Workout se graba en los famosos estudios de Rudy Van Gelder el 26 de marzo de 1961, epicentro de la producción jazzística de la época. La grabación original en vinilo cuenta con cinco temas, cuatro son autoría de Mobley, luego en la versión CD se añade un bonus track "Three coins in the fountain" tema que se quedó fuera y que luego se convirtió en el favorito y más popular de todo el álbum (productores...), cronológicamente lo situamos entre Roll Call 1960  y Another Workout 1961, en total 45:53 minutos grabados para la Blue Note de un magnífico Hard Bop, de hecho fue considerado como uno de los esenciales discos de Hard Bop por All Music.
En música, cuando la primera nota no suena bien...no importa cuantas le siguen, Hank Mobley tocaba bien desde la primera hasta la última nota.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Dejo un vídeo con el tema homónimo del disco Workout

Jimmy Smith: "Of the top"

Caratula del vinilo

"Off the top" es una relajada reunión de amigos que Bruce Lundvall, logró reunir porque la casualidad quiso que todos ellos coincidieran fortuitamente en NYC el 7 de junio de 1982, unos estaban de conciertos, otros de visita, otros pasaban por allí, el caso es que el productor logró juntar un excepcional sexteto formado por Jimmy Smith en su órgano Hammond de la serie B-3, al que es capaz de sacarle unos impresionantes registros, George Benson haciendo lo propio con su Gibson, Stanley Turrentine con sus típicos registros medios-altos de su saxo tenor poniendo toques de viento al la formación, Ron Carter con su habitual maestría al bajo, Grady Tate a la batería y en una discreta percusión encontramos a Crusher Bennett, todos liderados por el organista que llevaba nueve años sin entrar en un estudio de un gran sello de grabación.
El álbum se graba para Elektra, cuenta con un total de siete temas, dos del propio Smith, uno de George Benson y el resto de autores tan dispares como Lionel Richie. La duración total del vinilo es de 39:21 h, con posterioridad se edita en CD en 1990 y ya en la versión digital se añaden tres bonus track con registros en vivo de Smith. El estilo se mueve entre el Hard Bop y el Soul Jazz. El resultado es un disco suelto, relajado, muy bien estructurado, donde se percibe que nada es rígido u obligado, percusión, batería y bajo fijan ritmicamente el escenario para que guitarra, saxo tenor y órgano se suelten en diálogos y solos impecables. Se destila en su sonido la calidez de los setenta, recordando al Jimmy Smith de la Verve, pero con toques más modernos, sin duda, al disco la aportación de Benson y Turrentine con guitarra y saxo tenor es fundamental.
La estrella es Jimmy Smith y los registros que es capaz de obtener de su órgano Hammond, teniendo en cuenta la dificultad del instrumento, ya que cuando éste fue inventado por Hammond en 1934, no estaba concebido para el jazz, sino que se diseñó como un órgano de bajo presupuesto para las iglesias que no podían permitirse el lujo de tener un órgano de tubos, pero Smith tuvo la habilidad de dar al instrumento su lugar en la historia del jazz y de erigirse como el mejor y más completo músico con el Hammond, por su pericia, habilidad y técnica se hizo un hueco en el Olimpo de lo grandes del Jazz.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

dejo un vídeo con el tema homónimo del álbum "Of the top"

John Coltrane: The Stardust Session

Portada del vinilo

Nueve años antes de su muerte, Coltrane graba dos sesiones en los afamados estudios de Rudy Van Gelder, estas grabaciones no se publicaron hasta tiempo después, en 1963, cuando el saxofonista de Carolina del Norte dio sus mejores momentos musicales, es cuando el sello Prestige aprovecha para sin consentimiento del músico, lanzar estas sesiones musicales, en 2011 se edita una versión digital en CD.
Entre 1955 y hasta su muerte Coltrane grabó prolíficamente, la mayor parte de su producción se salía de los estándares habituales, su poder espiritual, reivindicativo, social, siempre buscando un sonido más elevado, un fraseo de su saxo tenor único e influyente, lo que es una característica común a todos sus discos, en Stardust Session, aún no encontramos el Coltrane inspirado y rompedor de los sesenta, pero lo cierto es que sus solos están repletos de ideas sorprendentes, innovadoras, frescas, sobre todo se percibe una energía creativa incansable que nos apunta información sobre la etapa de desarrollo del futuro maestro.
El álbum es una impresionante colección de baladas interpretadas al más alto nivel, menos lírica y bella de lo que estaría por venir, aunque recoge el anhelo sensible y romántico del saxofonista. Se percibe como el músico va más allá que la sección rítmica, como con su fraseo intenta alcanzar "algo" a lo que sus músicos no llegan y se quedan atrás, como si hubiese algo que "no pillan", que los retiene, a pesar de lo cual el resultado es genial. El disco es recomendable para entender la trayectoria de Coltrane, no es su mejor disco de los cincuenta, pero es un gran álbum porque encontramos en plenitud al Coltrane más clásico.
Son ocho temas de buen Hard Bop grabados para el sello Prestige, con una duración de 1:09 h. Los créditos son impresionantes: Además de Coltrane con el saxo tenor, encontramos a Paul Chambers en el bajo, Jimmy Cobb (pista 1 y 3) y Art Taylor en la batería, Red Garland al piano, como siempre magistral y acoplado al líder a la perfección, Wilbur Harden (pista 1 y 3) y Freddie Hubbard (pista 4) con el fliscorno y la trompeta haciendo unos buenos solos sobre todo en My Ideal y Stardust.
En Stardust Session encontramos al Coltrane mas convencional y clásico a la par que al más imaginativo en las improvisaciones. En un disco redondo.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Dejo un video con el primer corte Stardust que da nombre al álbum

Lee Morgan: The Sidewinder

Caratula del disco

The Sidewinder es uno de los álbumes de jazz donde podemos encontrar una trompeta en estado puro, un músico crecido que sabe sacar de su instrumento lo mejor de éste, un gran estilista con voz propia, que combina a la perfección efectos de válvulas en tonos medios que confieren un sonido vivo, mágico y optimista a una trompeta que acompañada de unos sinuosos ritmos, unas fluidas melodías y un toque de soul y funk confieren un aire especial a The Sidewinder.
El disco parece estudiado para que no falte ni sobre ninguna nota, tal cual está en perfecto equilibrio. Es curioso que una pieza de jazz sea un éxito comercial, así fue The Sidewinder, el tema que da nombre al álbum que lo abre se metió en 1964 en las lista Top 100 de Bildboard, hasta la casa Chrysler la utilizó para anuncios de sus coches y es que la mezcla que hizo Morgan de Blues-Funky y Hard Bop funcionó de maravilla, hasta el punto de formar parte de los 100 mejores discos de la historia del jazz.
El álbum se graba para la Blue Note el 21 de diciembre de 1963 y se lanza al público en 1964, cuenta con cinco temas, todos muy equilibrados entre sí y compuestos por Morgan, la duración del álbum es de 40:59 minutos y está producido por Alfred Lion. El trompetista de Filadelfia consigue este estupendo álbum además de por méritos propios, por los músicos de los que se hace acompañar, especialmente por Joe Henderson en el saxo tenor, Barry Harris al piano, Billy Higgins a la batería y un menos conocido Bob Cranshaw al bajo. La simbiosis Morgan-Henderson es brutal, no hay sonidos apagados aquí, es hard bop en su máxima expresión. Morgan que cuando graba este disco llevaba unos veinte álbumes grabados, siempre supo dar espacio a sus músicos para el lucimiento y aquí Joe Henderson y Barry Harris aprovechan la ocasión a la perfección. Los cinco temas son buenísimos, destaco de manera especial "Hocus Pocus" un tema uptempo que te hará mover los pies sin parar al ritmo constante de la batería de Billy Higgins, un temazo con una fuerza inaudita, pura dinamita. 35 años después de su lanzamiento el disco fue remasterizado por Rudy Van Gelder. The Sidewinder, es sin duda, el más exitoso de los discos de Lee Morgan, uno de los mejores y más vibrantes, donde cada canción es una joya que crepita con energía mientras se mantiene un flujo elegante y vital.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Te dejo un video con el tema homónimo

Sonny Rollins: The Bridge

Portada del LP

The Bridge está rodeado de una leyenda que agiganta la figura de Rollins, se trata de una historia underground, muy al estilo de una ciudad cosmopolita como el  NYC de principios de los sesenta, una leyenda con sabor a hormigón, a noche, a humo, a tráfico... El mayor crítico que tuvo Sonny Rollins fue él mismo, siempre estaba investigando nuevas formas, nuevos caminos, así a finales de los cincuenta llega a un punto en que cree que su trayectoria está agotada, sobre todo porque la figura de Ornette Coleman le desconcierta y piensa que su discurso musical está caduco, frustrado por lo que considera sus propias limitaciones y en la seguridad de que precisa un nuevo impulso, un nuevo aire que de vida al sonido que sale de su saxo, decide en 1959 tomarse un tiempo sabático, así lo hace, durante este tiempo en un gesto suburbano y a la vez romántico, términos éstos que pueden parecer contradictorios, pero aquí son complementarios, Rollins tiene la necesidad de salir del estudio y de estar en contacto con la calle, para ello elige los bajos del puente de Williamsburg, que une Brooklyn con Manhattan, junto al río Hudson, rodeado de viejas vigas de acero, hierro, hormigón, tráfico y la majestuosa vista de la ciudad al fondo, para allí en este ambiente de película de cine negro, con su saxo tenor improvisar solos tras solos, buscando nuevos giros, nuevos sonidos capaces de conjugar éste entorno con su expresión musical, así hasta doce horas diarias,  en un ejercicio de depuración musical y conceptual sin precedentes.
El resultado que obtuvo Rollins no andaba muy alejado del que ya tenía, pero en este tiempo engendró lo que estaría por venir. Los que pensaron que el Dios del saxo nunca regresaría, se equivocaron, así en 1962 el saxofonista se encierra en el estudio y vuelve a aparecer en escena con The Bridge. Rollins aparece en forma de Cuarteto y para ello se desvía del cuarteto clásico y sustituye el piano por la guitarra, claro que no con cualquier guitarra, lo hace nada más y nada menos que con Jim Hall, que principalmente llena el contenido que habitualmente hace el piano con su guitarra, así escuchamos una guitarra en jazz como nunca lo habíamos hecho con anterioridad, el resultado fue brillante. Bob Cranshaw al bajo y Ben Riley en la batería ejecutan una sección rítmica a la perfección.
El álbum se graba en NYC en 1962 para la serie "Bluebird" del sello discográfico RCA, cuenta con un total de seis temas, de los que dos son propios, los otros cuatro son estándares tratados con suma elegancia, en total 40:08 minutos de vibrante Hard Bop, cronológicamente se sitúa entre Sonny Rollins and the contemporany leaders y What´s New´s y está producido por George Akavian.
The Bridge, es un disco que marca de forma indiscutible la carrera del saxo tenor, un álbum donde se le percibe emotivo, lírico a la par que poderoso y centrado. El liderazgo de Rollins se podría expresar gráficamente como si fueras corriendo por el campo con una tropa detrás pisándote los talones y de pronto frenas en seco, una de dos, o te llevan por delante o están tan metidos en tu ritmo que todo sale a la perfección. Eso es The Bridge un álbum memorable con una historia de leyenda.

De 5 > 10, mi valoración es: 9,5

Dejo un video con el tema The Bridge...

John Coltrane: Blue Train

Caratula del álbum

Blue Train es una obra maestra del jazz. El álbum es interesante en sí mismo musicalmente, por los soberbios solos de los vientos, pero también porque se observa el tránsito del saxofonista, ese espacio que ocupa en términos de desarrollo de Coltrane como innovador. Blue Train marca un alejamiento de las armonías del Bop convencional, algunos de los temas del disco, hacen uso de los cambios de acordes conocidos como "cambios Coltrane" y que aquí realiza como preludio de lo que haría a finales de los cincuenta con "Giant Step". En Blue Train, Coltrane está a punto de habitar su futura personalidad musical, pero aún se encuentra firmemente plantado en el hard bop, se reinventa a sí mismo como un intérprete polifacético tanto de hard bop, como de baladas sensuales. Es un disco que captura la esencia y el estilo fresco del autor, donde su música, casi parece flotar en el aire. Sonido característico de Coltrane, Blue Train es un clásico, considerado como uno de los mejores discos de la década de los cincuenta y de la historia del jazz.
El disco se graba en NYC para la Blue Note, aunque Coltrane no tenía ningún contrato con la discográfica, deja esta grabación para la historia,  se graba el 15 de septiembre de 1957, cuenta con un total de cinco temas y una duración de 42:50 minutos, es el disco anterior a "soultrane" y es después de "A love supreme" el disco más vendido del autor. El Lp original se remasteriza a CD en 1990 e incluye dos tomas alternativas de "Blue Train" y "Lazy Bird". Todos, excepto "I´m Old Fashioned" son compuestos por Coltrane, por lo que se puede considerar como el primer álbum auténticamente del músico, ya que elige su grupo y compone los temas.
Los créditos son todo un lujo: John Coltrane con el saxo tenor, con un nivel de energía espectacular, con una expresión y una creatividad en todo lo alto y un sentimiento muy profundo; en la trompeta tenemos a Lee Morgan, espectacular sus solos en un derroche de inteligencia e improvisación; en el trombón está Curtis Fuller, quien hace gala de su maestría con el instrumento. Los tres vientos juntos son todo un lujo. En el piano está Kenny Drew, fresco y chispeante; en el bajo el gran Paul Chambers demuestra su impecable estilo marcando ritmo a toda la formación y en la batería Philly Joe Jones quien tiene oportunidad de lucirse durante toda la grabación. Un sexteto para la historia.
Sin reservas, Blue Train se puede considerar uno de los mejores discos de la historia del Jazz.

de 5 > 10, mi valoración es: 10

Dejo este vídeo con el corte primero que da nombre al disco "Blue Train"

Red Garland: Crossings

Portada del disco

Como el título del álbum Crossing, el disco es un cruce de dos viejos conocidos que compartieron la cresta de la ola junto al quinteto de Miles Davis en los años cincuenta, donde ambos participaron en algunas de las grabaciones más importantes de Davis, hablo de Red Garland y Philly Joe Jones, pianista y batería, curiosamente, además es la primera vez que tocan juntos en un trío desde aquellos lejanos lejanos cincuenta, si a continuación digo que el trío se completa con Ron Carter al contrabajo, ya tenemos hecho el cocktail perfecto para un trío de jazz. Pocas formaciones de trío me pueden parecer más sólidas que esta. La técnica de Garland con el piano, su sofisticado acompañamiento y sus rebotes rítmicos; Pocos baterías utilizan las baquetas como Philly Joe Jones, con ellas consigue elevar el nivel de su instrumento e igualarlo al resto; De Ron Carter con el contrabajo, autor del segundo corte "railroad corssing", solo puedo decir "chapeau" a su peculiar forma de tocar el contrabajo, serio, con swing, recio en su ejecución y uno de los mejores contrabajistas de la historia del jazz; Juntos, un lujo de trío liderados por Red Garland.
El álbum se graba en diciembre de 1977, para el sello Original Jazz Classics, la versión CD se edita en 2001, cuenta con un total de cinco temas estándares, compuestos por Miles Davis, Cole Porter, George Gerwhins o Sonny Rollins, la duración total de la grabación es de 39 minutos de excitante música.
Red Garland (1923-1984), hace uso de su famosa técnica "Block Chord" (Milt Burckner y George Shearing) y que en el caso del pianista de Dallas consiste en una técnica depurada de la Burckner y más completa que la de Shearing y que se traduce en que con la mano izquierda toca cuatro notas y construye la base rítmica, además de realizar efectos de coros y con la derecha toca tres notas y arma la melodía, ambas manos perfectamente sincronizadas en una explosión de swing destelleante, dando lugar a una sesión de hard bop memorable, donde Garland es arropado y empujado con la fuerza característica de Philly Joe Jones y el sinuoso toque casi invertebrado, pero que dota de coraza al conjunto de Ron Carter. El resultado es un disco de trío académico, serio, sencillo y a la vez sofisticado y sobre todo de una escucha muy gratificante.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Art Blakey: Moanin´

Caratula original del vinilo

Nunca el inicio de una canción ha marcado tanto a un grupo, unos ligeros toques de piano, apenas una docena de notas que marcan un hito dentro del jazz, me refiero a la introducción que realiza el pianista por entonces de los Messengers Bobby Timmons, que además es el autor del tema Moanin´, estos ligeros toques de piano con aire de blues marcaron tanto y se hicieron tan populares que el álbum que en principio era un self-titled, pasó a denominarse por los tiempos de los tiempos Moanin´.
Para Art Blakey fue el regreso de un impás en su vida musical, fue un comenzar de nuevo, además era el primer disco que grababa para la Blue Note, siendo en la actualidad uno de los temas principales en el catálogo de la discográfica. El disco original se grabó el 30 de octubre de 1958, aunque no salió a la venta hasta enero de 1959, cuenta con seis temas y una duración de 40:26 minutos. Coincidiendo con el 60º aniversario de la Blue Note, se edita una versión digitalizada, donde además se incluye al inicio una charla entre el famoso productor Rudy Van Gelder y Lee Morgan y al final del álbum se incluye un bonus track con otra versión de Moanin´.
La formación que Art Blakey tenía en esa época para sus Jazz Messengers estaba compuesta por él a la batería, conduciendo con maestría, gobernando desde la percusión toda la línea rítmica; Lee Morgan está genial con la trompeta, ruge de una manera inaudita, apasionada, como poseído por una divina inspiración, el grupo en su totalidad está en plena forma, pero Lee Morgan sobresale del resto, dejando en esta grabación algunos de sus mejores registros; Benny Golson, autor de cuatro de los temas, brillante y seductor con el saxo tenor; Bobby Timmons, ya legendario por habernos dado una de los mejores inicios de un tema, sobresaliente con el piano y por último, Jimie Merritt indispensable con su contrabajo.
Un quinteto de auténtico lujo que han hecho de Moanin´ uno de los mejores discos de la historia del jazz y un emblema del hard bop, en el disco se incluyen algunos de los mejores temas del repertorio de Blakey y que éste supo pasear con orgullo por escenarios de todo el mundo. Moanin´ roza la más suprema perfección y es sin duda un regalo para los oídos

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Te dejo un vídeo con el tema Moanin´ en un concierto en Bélgica y con la misma formación del disco:

Art Farmer: A Sleeping Bee

Trompetista y Fliscornista

Sin artificios, lejos de la pirotecnia escandalosa y deslumbrante, sin hacer aspavientos, como queriendo susurrar para no hacer demasiado ruido, Art Farmer (1928-1999) nos deja un álbum de unos registros relajados, suaves, de tonos medios, agradables y de una escucha muy reconfortante y es que el trompetista de Iowa hace una perfecta simbiosis con el bajista Red Mitchell, son el alma de este disco en el que constantemente mantienen un continuo feedback, un balanceo continuado de solos de uno y otro que vertebran esta composición musical de principio a fin, es todo un espectáculo ver ese diálogo constante de estos dos grandes veteranos y amigos, el feeling entre ellos se percibe a cada nota. Art Farmer lidera este sexteto con inteligencia y clase, dándonos una lección de sencillez con sus dos instrumentos la trompeta y el Flugelhorn o Fliscorno al que saca unos maravillosos registros, toques muy especiales de una suavidad cautivadora, Jan Schaffer toca la guitarra de manera sosegada y plácida a tono con el resto de la formación, Göran Strandbert el piano, sin destacar, pero cumpliendo a la perfección su papel, Red Mitchell toca el bajo y está sencillamente brillante, Sabu Martinez se encarga de la percusión y da un aire especial a algunos cortes y Tony Inzalaco y Island Ostlund tocan la batería, todos excepto Farmer y Mitchell (y el latino Sabu Martinez) son escandinavos, un grupo atípico de apoyo que desempeña bien su trabajo.
El disco se graba en Suecia en 1974 en los Estudios Europa Film para el sello británico Sonet Récords y se edita por Discophon, lo produce el mismo Farmer y cuenta con un total de seis temas del que el propio fliscornista compone uno de ellos A Bitty Ditty. El disco comienza con una balada It Might As Well Be Spring y a medida que el disco se va adentrando en otros cortes se añaden elementos como la percusión de Sabu Martinez y la alineación de guitarra, piano y las dos baterías, el tema homónimo del álbum A Sleeping Bee (Harold Arlen) comienza con una maravillosa entrada de Mitchell a la que da una bella respuesta el fliscornista y es donde más se percibe ese entendimiento Farmer-Mitchell, siempre en un tono agradable, el tono que Art Farmer quiso imprimir a esta grabación, un disco sencillo, humilde, lírico, intimista y desprovisto de artificios y pompa y es que a veces las cosas más sencillas son a la vez, las más hermosas.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Te dejo un vídeo con el tema más trepidante del álbum Green Witch

Lee Morgan: Search for the New Land

Lee Morgan y caratula del disco sobreimpresionada

Search for the New Land  es seguramente el álbum que Lee Morgan (1938-1972) tuvo con una formación más moderna e innovadora, el trompetista de Philadelphia fijó su atención en la búsqueda y exploración de lo que fue su disco más exitoso, hablamos de The Sidewinder, del que trató de sacar el máximo provecho posible apurando el filón comercial, hasta el extremo de que la discográfica no lanzó el disco al mercado hasta dos años después de su grabación, con la intención de sacar la máxima rentabilidad posible al disco anterior, comercialmente tendrá su explicación, pero artísticamente es algo inexplicable. En Search for the New Land nos encontramos con un Morgan más intimista, más abstracto y a la vez centrado, en definitiva más maduro, con lo que consigue un álbum de una alta calidad técnica, más introspectivo y maestramente interpretado por una formación de lujo que estaba compuesta por Lee Morgan en la trompeta, Reginald Workman quien da un excelente juego con su bajo, Billy Higgins en la batería, arropa a todos los instrumentos y no destaca, lo mejor que le puede suceder en esta grabación, Grant Green está soberbio con la guitarra y aporta una calidad especial, como de otro mundo al conjunto, sobre todo en la pista que da título al álbum, Herbie Hancock elegante con el piano y Wayne Shorter disputando liderazgo con su saxo y ofreciendo un excelente juego de vientos con la trompeta. Un sexteto de lujo, formación que Morgan no juntaba desde 1950 y es que con este álbum consiguió uno de sus mejores registros. Todos los músicos están frescos y consiguen un estimulante resultado donde estiran los límites del  hard bop, corriente principal del jazz moderno de la época con especial creatividad.
El disco se graba en New Jersey el 15 de febrero de 1964, en los estudios del afamado Rudy Van Gelder, tiene una duración de 42 minutos, la posterior reedición en CD es un duplicado del LP origínal, son cinco temas intensos  todos ellos compuestos por Morgan, donde brilla como un compositor de gran talento, cronológicamente el álbum se sitúa entre The Sidewinder (1963) y Tom Cat (1964), sin duda años claves para el jazz y prolíficos para el trompetista.
En definitiva, la grabación es magnífica consiguiendo un doble objetivo, convencer y gustar a los puristas y también a los más vanguardistas, ya que es musicalmente innovadora, pero firmemente atada a la tradición, dando como resultado un disco estimulante, agradable y coherente que te invita a su escucha una y otra vez.

De 5 > 10, mi valoración es: 9

Te dejo un video con el tema Morgan the pirate

Sonny Stitt with Art Blakey and the Jazz Messengers: "In Walked Sonny"

¡Entró Sonny!, es la música que cada uno de ellos hace, sólo que en esta espléndida sesión de hard bop se han abierto para dejar que los otros entren y hagan su propia manifestación músical. Todos eran consciente que esta sesión quedaría registrada para los anales de la historia y "In Walked Sonny" grabó un excelente momento en las carreras de Sonny Stitt, Art Blakey y sus Jazz Messengers. Es un álbum donde cada uno de los músicos tiene oportunidad para lucirse, cada uno tiene su momento, su ocasión, un piano brillante y colorido, un cuidadoso y sinuoso bajo, rápidos y ágiles solos de la batería y los vientos que son la estrella del sexteto, saxo tenor, alto y trompeta interpretan con maestría los seis temas que componen este vinilo que se grabó en 16 de mayo de 1975 en los CI Studios de NYC para la Sonet Récords y que fue producido por Sam Charters. Son 45 minutos fascinantes de buen Jazz, en la versión digital en CD se añaden dos bonus track, con "otras tomas" de los temas Ronnie´s A Dynamite Lady y Birdlike.
Sonny Stitt toca el saxo alto y tenor, Art Blakey la batería y los Jazz Messengers estaban formados por Dave Schnitter al saxo tenor, Bill Hardman con la trompeta, Walter Davis Jr. al piano y Chin Suzuki al bajo, créditos de lujo, para un disco de lujo. Difícilmente un músico puede encontrar mejor acompañamiento liderando una grabación que al mismísimo Blakey y a sus Jazz Messengers, es la primera vez que graban juntos, pero son músicos que se compenetran bien, porque se conocen bien, son de toda la vida, gente con la que siempre ha tocado, aunque en distintas formaciones. El resultado no puede ser más que un disco emotivo, que surge de dentro y que estalla hacía el exterior con fuerza y colorido, se nota que todos los músicos están en buena forma en esta sesión.
Sonny Stitt (1924-1982), interpreta dos baladas de esas que le han dado la fama It Might As Well Be Spring con saxo tenor y I Can´t Get Started con saxo alto, otros dos temas son del repertorio habitual de los Messengers Birdlike y Ronnie´s A Dynamite Lady, donde Sonny toca el tenor en el primer tema y no participa en el segundo, aquí es Dave Schnitter quien se luce, los dos temas restantes son dos Blues, uno el exuberante Blues March y el tema homónimo del álbum In Walked Sonny, es el típico blues lento característico de Stitt, aquí además lo abre con el saxo alto y lo cierra con el tenor, todo un lujo para los oídos poder disfrutar de este fluido solo lleno de belleza y lirismo.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Art Blakey: Thermo

Al hablar de Art Blakey (1919-1990) no se puede disociar del proyecto que crearon en 1953 entre él y Horace Silver, aunque al fínal  fue Blakey el verdadero protagonista de esa "Escuela de Jazz" llamada The Jazz Messengers, tanto que la unió a su nombre denominándose durante tres décadas como Art Blakey and The Jazz Messengers, por la que pasaron algunos de los músicos más importantes del jazz de la segunda mitad del siglo XX, contribuyendo a dar personalidad propia al movimiento Hard Bop.
Thermo en su edición original es un Lp doble de vinilo que aúna las grabaciones de otros tres discos de Art Blakey que se grabaron para el sello Riverside y que son; "Caravan" de octubre de 1962, "Ugetsu" grabado en directo al 16 de junio de 1963 en el afamado Birland y "Kyoto" un homenaje de Blakey a Japón que también se graba en el Birland el 20 de febrero de 1964. Thermo cuenta con todas las pistas de "Ugetsu" y una selección bastante buena de los otros dos, tanto que el álbum tiene un sonido homogéneo, compacto y uniforme, ya que se trata de la misma formación musical en los tres discos. Se trata del sexteto que Art Blakey tuvo con los Jazz Messengers entre 1962-1964, nada más y nada menos que Freddie Hubbard en la trompeta, Wayne Shorter en el saxo tenor, Curtis Fuller en el trombón, Cedar Walton al piano, Reggie Workman en el contrabajo y por supuesto Art Blakey en la bateria, Un sexteto de lujo con una dulzura conmovedora por momentos y duros en la escucha a veces, donde Hubbard y Shorter aportan toda la fuerza del hard bop en sus respectivos vientos, estando frescos, ágiles e innovadores, Curtis Fuller tiene una presencia muy discreta, pero impecable y Cedar es sin duda, uno de los favoritos del grupo, Art Blakey cohesiona, dirige y mantiene la unidad y disciplina del sexteto, dando como resultado un grupo sólido.
El álbum cuenta con un total de doce pistas, de las que 5 son compuestas por Shorter, una aporta Cedar Walton y otra Curtis Fuller, por su lado, Hubbard aporta dos temas propios, uno de ellos inéditos en los tres discos anteriores y que es el plato fuerte de este doble vinilo y es el tema que da nombre al álbum "Thermo". La duración total es de 86 minutos, se remasteriza en 1973 y se vuelve a editar por la Milestone Récords en 1976. El disco no es recomendado para coleccionistas o amantes de las obras originales, aunque para iniciados da una perspectiva clara de esa época de Art Blakey and The Jazz Messengers.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

te dejo un vídeo del tema Skylark

Horace Silver: Song for My Father

En la portada del disco, la imagen
pertenece al Padre de Horace Silver
John Tavares Silva

Como bien indica el nombre del álbum el pianista de Connecticut,  Horace Silver (1928) dedica el disco a su padre al que amaba mucho y lo hace a modo de reconocimiento, de él recibe sus primeras influencias musicales, música folclórica de Cabo Verde que escuchaba a su padre que era oriundo de Portugal, ésto junto a las influencias de Monk y Bud Powell, dan como resultado uno de los músicos que mejor ha trabajado y entendido la fusión, si bien, probablemente fue el músico de jazz más subestimado de su época.
" Song for My Father", se graba para la BlueNote en 1963 en New Jersey, cuenta con un total de 7 temas , que en la edición en cd se le suman tres bonus track, todos de una excelente factura, abre el disco el tema homónimo del álbum, se trata de una Bossa en la que se pueden apreciar las influencias de sus raíces caboverdianas, aunque sin olvidar nunca el hard bop del que es considerado una figura indiscutible, aunque el mismo Horace Silver reconoció que un viaje realizado a Brasil le sirvió de inspiración para componer este tema, aunque en todo el álbum nos demuestra su destreza para abordar otros géneros como el funky, gospel, R&B, blues, pasando por temas latinos u orientales, creando una amplia y rica textura multicultural en sus grabaciones.
En cuanto a la formación del grupo utiliza el quinteto para la interpretación del tema "Song for Muy Father", si bien durante toda la grabación va alternando los músicos, así encontramos a Horace Silver en el piano en todo el álbum, en los temas 1,2,4 y 5 la formación era: Carmell Jones en la trompeta, Joe Henderson  con el saxo tenor, Teddy Smith con el contrabajo, Roger Humphries en la batería, por otro lado en los temas 3,6 y 10 la formación estaba compuesta por Blue Mitchell en la trompeta, Junior Cook con el saxo tenor, Eugene Taylor en el bajo y Roy Brooks en la batería.
El álbum marca un antes y un después en la carrera de Horace Silver y es considerada su obra maestra, se encuentra incluido en el libro "los 100 mejores discos de Jazz". El secreto consta de varios elementos: ráfagas musicales pegadizas unidas a una sección rítmica que tira para adelante en todo momento como intentando levantar la música, creando pausas instrumentales a menudo complejas que surgen sin esfuerzo en un constante feedback creando además ricas melodías subyacentes a la melodía troncal, todo ello junto a la rica variedad de géneros que aporta un tinte ligeramente exótico y es que Horace Silver siempre fue un maestro en conseguir el equilibrio entre ritmos fugaces y armonías complejas, dotando sus interpretaciones de una mezcla única de terrenalidad y sofisticación. Un desafío intrincado y constante entre el fraseo musical y el ritmo que a veces ocasionaba una ligera tartamudez musical, que por otro lado caracteriza a Silver. Se trata de un disco asequible a todos tanto para expertos como para neófitos.Un disco que se hace indispensable en tu biblioteca musical.

De 5 > 10, mi valoración es: 9


Te dejo un video con "Song for My Father"

Oliver Nelson & Eric Dolphy: "Straight Ahead"

Portada del vinilo

Straight Ahead es el disco de Nelson que precede al afamado disco de culto "The Blues and the abstract Truth", ambos lanzados en 1961 y de alguna manera Straight Ahead es un presagio de lo que estaba por venir. Como casi todos los discos de Nelson tiene una corta duración sólo 38:52 minutos, lo conforman un total de 6 temas, 5 son de Oliver Nelson, "Blues New Ralp" es del mítico vibrafonista Milt Jackson, el álbum se graba para el sello Prestige y se edita con la etiqueta de New Jazz, se remasteriza en 1989 y se vuelve a editar en CD en 1998. La sesión de grabación tiene lugar en los afamados estudios de Van Gelder en New Jersey y es de destacar que todos los temas se graban a la primera toma lo que nos da una idea del grado de empatía y compenetración del quinteto que estaba formado por Oliver Nelson tocando el saxo tenor, saxo alto y clarinete y que está sencillamente espectacular y en un delirio interpretativo continuo con Eric Dolphy que toca el saxo alto, clarinete bajo y flauta, Richard Wyands toca de forma discreta el piano, George Duvivier con el contrabajo y Roy Haynes con la batería.
El disco tiene dos protagonistas claros el vanguardista y atrevido Eric Dolphy y el arreglista y más conservador Oliver Nelson, ambos llevan en vena  puro Hard Bop, de estilos diametralmente opuestos, distintos, diferentes, motivos por los que se complementan al cien por cien, sin fisuras ofreciendo un abanico de solos de alta calidad interpretativa, formando un dúo que se dan la alternativa continuamente en una lucha por brillar más y más, al final quien brilla es la música, ambos crean un ambiente mágico producido por la sinergia sin fin creada entre los músicos, así podemos disfrutar de los tonos puros de Nelson junto a la valentía y elasticidad interpretativa de Dolphy.
Sin duda el compositor, músico, director y arreglista supo elegir bien a su compañero de viaje, todas las colaboraciones Nelson/Dophy han resultado brillantes y este disco es un botón de muestra de esa maestría plasmada en "Straight Ahead" un disco altamente recomendado, como casi siempre el álbum no triunfó cuando se editó y ha sido con el paso de los años que el tiempo lo ha puesto en el lugar que le corresponde.

De 5>10, mi valoración es: 9

Te dejo este vídeo

Jackie McLean & Dexter Gordon: "Montmartre Summit 1973"

Genial unión del saxo alto de Jackie McLean (1932-2006) y del saxo tenor Dexter Gordon (1923-1990), saxo alto y tenor uniendo fuerzas en un apasionante "duelo" entre dos gigantes del Hard Bop. Raro es el músico de la época bop o post bop que no tuvo problemas con las drogas que de una u otra manera produjera alguna irregularidad en su trayectoria musical, éste es el caso de estos dos músicos, ambos tuvieron problemas serios con las drogas, en el caso de Jackie McLean además le costó la cárcel, esta situación le lleva a una intromisión personal que afecta a sus creencias religiosas lo que hace que esté apartado varios años de la música. McLean y Gordon por unos motivos u otros se apartan de la música para regresar y hacerlo con ímpetu y fuerza.
En 1973 superados viejos problemas, los días 20 y 21 de julio en el Jazzhus de Montmartre en Copenhague se realiza esta grabación en vivo donde McLean y Gordon parecen empeñados en demostrar el buen momento musical y de creatividad por el que atraviesan y deciden hacerlo juntos demostrando que "la unión hace la fuerza" ambos saxos se encuentran perfectamente arropados por el trío de Kenny Drew (curiosamente fueron vecinos en su juventud) compuesto por el mimo Drew al piano, Niel Pedersen con el contrabajo y en la batería Alex Riel quienes tienen una actuación de lujo. El álbum editado en dos discos se graba para el sello Steeplechase y cuenta con un total de trece temas que oscilan entre los diez minutos y  algunos de ellos de hasta veinte minutos de duración donde Gordon y McLean juegan a sus anchas ya que en vivo es donde se produce esa magia necesaria entre el músico y su público que hace que surja la empatía musical y emocional que a veces es capaz de sacar lo mejor de un instrumentista y eso es exactamente lo que ocurre en esta grabación que saxo alto y tenor tienen un momento óptimo y su química es obvia lo que hace que se les vea cómodos e inspirados, dándonos este momento legendario con parte de lo mejor de ambos.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Bobby Watson: Love Remains

Portada del álbum

Es uno de esos álbumes que en la primera audición ya dices "pedazo de disco"; Love Remains es una grabación llena de fuerza, de energía, con ritmos cambiantes desde lo más desenfrenado a las baladas mas tiernas y sugerentes, en un desafío constante que no cesa durante toda la sesión, donde la improvisación y el virtuosismo no dejan de sorprendernos a cada nota.
El saxofonista de Kansas Bobby Watson (1953), proveniente de los Jazz Messengers de Art Blakey, es durante la década de los 80´s uno de los saxos altos más destacados y aunque ha publicado otros álbumes, no ha superado "Love Remains" porque es un disco singular y lleno de belleza interpretativa, de los que marcan época, sin duda, no sólo uno de los mejores trabajos de Watson, sino también uno de los mejores discos de la década de los ochenta. Hard Bop avanzado de altísima calidad.
Un saxofonista de muchos quilates que se hace acompañar por John Hicks al piano, Curtis Lundy al bajo y en la batería Marvin "Smitty" Smith, formación que nos deja temas memorables como el que inicia el disco "The mistery of ebop" o la increíble balada homónima del álbum "Love Remains" que al escucharla te estremece el alma, de la que te dejo abajo un enlace para que la disfrutes, sin olvidar la que dedica a Nelson Mandela "Dark Days". Son un total de siete temas, donde salvo ""Sho Thang", todos están compuestos por Watson, grabados para la Red Récords, tiene una duración de aproximadamente 44 minutos.
Se trata de un gran trabajo donde Watson (que también toca el saxo soprano) destaca con su saxo alto, muy bien arropado por su cuarteto que realizan un muy digno trabajo, haciendo lo que se espera de ellos. El disco es pura dinamita.

De 5 > 10, mi valoración es: 8

Te dejo el vídeo con el estremecedor "Love Remains"