Scott Hamilton: My Romance

caratula del disco, a la que por su feo
 diseño Hamilton achacó parte del
 fracaso en ventas del disco

Clásico, tradicional, conservador, ortodoxo, vinculado con la corriente neo tradicionalista, El saxofonista de  Rohde Island Scott Hamilton (1954) en plena década de los setenta fue capaz de hacerse un hueco entre el el rock & roll, el pop y el rock, aferrándose con su saxo tenor a los sonidos antiguos y recios que tanto le influyeron de Coleman Hawkins o Ben Webster, respetando y actualizando en sus grabaciones el sonido de la época dorada del jazz. Desde entonces ha sido uno de los músicos de jazz más prolíficos en cuanto a grabaciones se refiere, "My Romance" es el álbum nº 27 de su carrera, se graba en NYC el 23 de febrero y se publica ese mismo mes de 1995 por Concord. Hamilton ha sido tan consistente e invariable a lo largo de los años, que es difícil describir cualquiera de sus discos como definitivo, sin embargo esta grabación es una de las más consistentes de su carrera.
 "My Romance" cuenta con un total de 10 temas, donde encontramos temas de Oscar Pettiford, Benny Goodman o el propio Hamilton compone "Sugarchile", algunos temas como "Poor Butterfly" fue escrito en 1916, destacan los temas "Just a Gigolo" y el tema que da nombre al disco "My Romance" que se ha convertido en un clásico imprescindible de las baladas.
En cuanto a los créditos la formación está compuesta por Scott Hamilton con el saxo tenor, Joel Helleny con el trombón y que acompaña en un mano a mano a Hamilton en todos los temas excepto en el  4 y 10 y que parece empujar a Hamilton a lucirse y alcanzar su mejor nivel, Norman Simons toca el piano, Dennis Irwin toca el bajo y Chuck Riggs la batería. El quinteto cumple su papel a la perfección realizando unas interpretaciones brillantes, donde cada instrumento hace lo que se espera de él, sin salirse lo más mínimo de la partitura establecida por Hamilton que lidera con autoridad toda la grabación, consiguiendo un aceptable equilibrio entre tradición y modernidad y dando paso al protagonismo del trombón y piano, en ese orden.
Cada vez que escucho a Hamilton me sacude una sensación de orden, de limpieza, de encasillamiento, "cada cosa en su sitio", todo perfectamente programado, estudiado, previsible. Su música es como sus acciones previsible, pero bella y bien interpretada hasta sus últimas consecuencias, un placer escuchar a Hamilton y "My Romance" es un buen botón de muestra.

De 5 > 10, mi valoración es: 7

Cuelgo este vídeo del tema My Romance

Thelonious Monk: Brilliant Corners

Caratula del disco

Brilliant Corners es seguramente la obra maestra de Monk y la más perdurable en el tiempo, uno de los más hermosos y uno de los mejores discos de la historia del jazz. Lo que supuso para Thelonious Monk (1917-1982) fue un reto, una firme reivindicación después de serle retirada por un asunto de drogas la licencia como músico, estuvo más de un lustro sin poder tocar en los clubs de NYC. Brilliant Corners es aire fresco para Monk, así en otoño de 1956 tuvo la oportunidad de grabar un álbum con temas propios y con los mejores músicos disponibles y Monk no perdió esta oportunidad, compuso tres de los cinco temas con los que cuenta el álbum, siendo el tercer disco que graba para Riverside, se hizo en tres sesiones el 9 y 15 de octubre y el 7 de diciembre de 1956, lo produce Orrin Keepnews y cronológicamente se sitúa entre "The unique Thelonious Monk" (1956) y "Thelonious Hinself" (1957), se lanza al mercado en 1957.
La grabación cuenta con cinco temas y tiene una duración cercana a los 43 minutos. El primer corte homónimo es una compleja composición, conocida por su extraña melodía y la duplicidad del tempo, que necesitó más de 25 tomas diferentes para finalmente sólo ser posible gracias a un empalme de dos tomas distintas, un tema audaz que nunca ha perdido su poder para sorprender y seducir décadas después. El otro tema por importancia es "Pannonica", el tercer corte y dedicado a su protectora Nica Rothschild, la baronesa de Koeningswarter, en cuya casa murió cuidado por ella, una década después de retirarse bruscamente de la vida pública. "Pannonica" es un tema que destaca por dos razones, la primera porque Monk toca la celesta un instrumento a medio camino entre el piano y el vibráfono y simultánea piano y celesta y el segundo motivo es porque Sonny Rollins hace una interpretación genial y uno de sus mejores solos de baladas, es como si el saxofonista hubiera poseído e interiorizado la composición de Monk y éste le respondiera cariñosamente metiéndose en su solo.
Los músicos que acompañan a Monk son: Ernie Henry con el saxo alto, Sonny Rollins al saxo tenor, Oscar Pettirford y Paul Chambers en el doble contrabajo, Max Roach en la batería y Clark Terry con la trompeta. Rollins y Monk vertebran el disco y Max Roach une al grupo con su capacidad polirrítmica.
Pocos músicos tienen la originalidad de Monk, uno de los padres del Be Bop, estrafalario, pero con lógico rigor, que le hace dueño de esas melodías truncadas, distorsionadas, de esos patrones que permiten la interrupción repentina del ritmo, esos extraños vericuetos difíciles de entender, esa música que suena con aspereza urbana, que le hace artífice como innovador y aportar al jazz un sonido nuevo, distinto, diferente, supuso un hito musical en su momento. Thelonious Monk personificó la originalidad artística, la indiferencia a las normas y su excentricidad personal para realizar interpretaciones y composiciones cargadas de elegancia y una extraña belleza.

De 5 > 10, mi valoración es: 10

Un video con el tema "Brilliant Corners"

Oscar Pettiford: Blue Brothers

Portada del gran contrabajista

Siempre la Cenicienta, el hermano pobre, el patito feo de los instrumentos de jazz ha sido el contrabajo, durante muchos años considerado un instrumento secundario, ingrato cuya única misión era el apoyo y sostén rítmico del grupo u orquesta, casi un sonido de relleno, incluso considerado en el escalafón por debajo de la batería, difícil de transportar por su gran volumen y frágilidad. Muchos han sido los músicos en darle lustre, brillo y fulgor al pesado y triste contrabajo: Jimmy Blanton, Ray Brown o Percy Heath quienes se encargaron de darle movilidad de hacerlo ágil y crear una capacidad expresiva para el instrumento digna de igualarlo a otros. Oscar Pettiford (1922-1960) recoge el testigo de sus antecesores y durante toda su carrera musical dignificó y elevó el contrabajo a categoría de instrumento "rey".
"Blues Brothers" corresponde a la época en que Pettiford ancló su residencia en Coppenhage, como hicieron tantos y tantos músicos, gran contribución de los países escandinavos al jazz. El disco se fragua con los mejores músicos escandinavos del momento y que frecuentemente tocaron con Oscar Pettiford en el afamado "Montmatre", concretamente se graba entre distintas sesiones de 1959 y 1960 para la Black Lion Récords. Oscar Pettiford toca el contrabajo, Allan Botschinsky la trompeta, Erik Norstrom el saxo tenor, Louis Hjulmand el vibráfono, Jan Johansson el piano y Jorn Elniff con la batería conforman el sexteto que realizó esta grabación repleta de buen swing, un excelente sonido, un equilibrado reparto de intervenciones y un protagonista: el contrabajo que se iguala en protagonismo al resto de instrumentos. El disco lo conforman un total de 8 temas de los que 4 son de Pettiford, con una duración aproximada de 40 minutos.
Fue el debut danés de Oscar Pettiford que además corresponde con una etapa muy creativa en su carrera que coincide con su estancia en Europa. Jazz del de antes, con sabor genuino, auténtico, emociona escuchar uno de los últimos testimonios que nos dejó el talento de Oscar Pettiford.

De 5 > 10 mi valoración es: 6

The George Shearing trio: 500 milles high

Carátula del disco de Shearing

     George Shearing (1919-2011) pianista ciego de jazz, nacido en Londres. Su estilo se mueve entre el bop, el swing y el cool y ha sido gran admirador de pianistas como Earl Hines, Teddy Wilson, Errol Garner, Art Tatum o Bud Powell. Para abrirse camino dentro del mundo del jazz se traslada a vivir a NYC donde termina nacionalizándose. Durante su carrera toca con músicos tan dispares como Oscar Pettiford o Buddy de Franco. Sus grabaciones más emblemáticas las realiza para las discográficas MGM récords y Capitol, cuenta en su haber con dos premios Grammys. 

     Shearing se ha movido muy bien dentro del bop y eso es lo que rezuma este álbum un hábil equilibrio entre el swing, el cool y el bop moviéndose hábilmente entre distintos estilos como si estuviese en aguas neutrales, extrayendo sus propias e interesantes conclusiones, dando vida a través del piano a sus ideas musicales. A mi personalmente George Shearing me recuerda a un músico de jam sessions, de bar, de estar escuchándolo con el murmullo de la gente de fondo, en realidad muchos de los mejores músicos de la historia del jazz han forjado su historia en garitos y bares, sobre todo pianistas, es todo un tópico, un bar y un pianista ciego, eso es lo que me evoca su forma de tocar jazz. "500 milles high" coge el título de un tema de Chíck Corea y dentro del álbum están Charlie Parker, Duke Jordan o Ben Webster entre otros que ya son historia, todos tratados por el piano de Shearing con mucho respeto y con el denominador común del bop. El disco se graba en junio de 1977 en los estudios de MPS en Villingen (Alemania), son 9 temas de un repertorio elegido minuciosamente que nos hará disfrutar de unos 45 minutos de buen jazz.

     El trío está formado por un piano, una guitarra y un contrabajo, George Shearing, Louis Stewart & Niels Henning Orsted-Pedersen, como vemos prescinde en la sección rítmica de la batería, crea con estos tres instrumentos un ambiente íntimo, suave, atemporal, personal, cercano, sin grandes alardes de virtuosismo, pero con todos los elementos necesarios para escuchar buen jazz.

De 5>10 mi valoración es: 5